La Primavera del arte Árabe

Primero fue el 11-S, después la Primavera Árabe y el derrocamiento de muchos regímenes totalitarios. El mundo islámico ha dado un giro radical en la última década y los cambios parecen imparables. Pero hayotra Primavera Árabe de la que se habla mucho menos, pero que también está presente y con mucha fuerza: hablamos del «boom» del arte islámico en todo el mundo. Basta con echar un vistazo a los grandes museos (Louvre, Metropolitan, Victoria & Albert) para poder constatarlo. Todos ellos atesoran importantes colecciones de arte islámico y recientemente han modernizado y ampliado sus espacios dedicados a él.

El premio es bienal y ésta es su segunda edición

Desde hoy y hasta el 15 de julio, Casa Árabealberga en su sala de exposiciones de Madrid(Alcalá, 62) una interesante selección de 22 obras de arte contemporáneo. Son las obras del ganador y los finalistas de un prestigioso premio, el Jameel Prize, que reconoce creaciones inspiradas en el arte, la artesanía o el diseño de tradición islámica. Se trata de una interesante iniciativa puesta en marcha por el Victoria & Albert Museum de Londres, en colaboración con la Abdul Latif Jameel Community Iniciatives, cuyo objetivo de enriquecer la visión de la cultura islámica en Occidente. Los artistas no tienen que ser musulmanes ni proceder de países islámicos. El premio es bienal y ésta es la segunda edición. Si las obras premiadas en la primera edición (2009) viajaron por seis museos de Oriente Medio, las de la segunda (2011) lo harán por Ocidente: París, Madrid y distintos puntos de Estados Unidos.

De la mano de Tim Stanley, comisario de la colección de Oriente Medio del Victoria & Albert -museo que atesora la mejor colección de arte islámico del mundo- y miembro del Consejo Científico del Museo del Louvre, y Sadia Touqan, co-comisaria de la exposición y especialista en arte contemporáneo y diseño de Oriente Medio, visitamos la exposición.

Los artistas premiados

El artista más joven presente en la muestra es Noor Ali Chagani. Nació en Pakistán en 1982; vive y trabaja en Lahore. Su obra escultórica «Infinity» se inspira en la pintura miniaturista mogola: en su caso la convierte en tridimensonal gracias a ladrillos en miniatura. Esta pieza reflexiona sobre la idea de la propiedad de la tierra, pero también sobre el concepto de cobijo y protección.

En el lado opuesto, la artista de más edad de la exposición es Monir Shahroudy (Irán, 1923). Vive y trabaja en Teherán. Esta octogenaria artista tiene una biografía fascinante. Se formó en Nueva York, trabajó con Warhol. Volvió a Irán y trabajó como consejera de Farah Diva. Cuando estalla la revolución en su país ella estaba en Estados Unidos. Su obra quedó confiscada o fue destruida. Quedó en el anonimato hasta que resurgió en la última década. Su obra se vio en la Bienal de Venecia y ahora vuelve a estar en activo. En la exposición vemos su obra «Birds of Paradise» (un mosaico hecho con trozos de espejo), inspirada en la pluma de un gorrión que se cayó en el balcón de su casa en Teherán.

Hadieh Shafie nació en Irán en 1983. Vive y trabaja en Estados Unidos. Presenta dos coloristas trabajos inspirados en los movimientos místicos del sufismo. Los sufíes utilizan el lenguaje del amor para describir la relación con Dios. Shafie escribe la palabra amor en sufí en miles y miles de tiras de papel enrolladas y colocadas unas juntos a otras.

(Libro de 260,000 paginas)

Hayv Kahraman (Irak, 1981) se exilió a los 11 años: vive y trabaja en Estados Unidos. Su obra es abiertamente de denuncia. Dos de sus trabajos pertenecen a una serie, «Baraja». Semejan cartas de una baraja en madera, de gran tamaño, y en ellas denuncia el trauma de la diáspora iraquí. En una tercera obra muestra a un león herido que escupe esas mismas cartas de la diáspora.

Rachid Koraïchi es el ganador del premio. Nació en Argelia en 1947 y vive y trabaja a caballo entre Túnez y Francia. En sus trabajos reivindica el trabajo textil como un medio tan digno como la pintura. En la obra premiada, «Los maestros invisibles», celebra las vidas y el legado de los catorce grandes maestros del sufismo. Está inspirada en los estandartes que llevan en las procesiones rituales. Es una llamada a la tolerancia.

 Sharifi mezcla con mucho humor pasado y presente de Irán

Soody Sharifi nació en Irán en 1955 y vive y trabaja en Estados Unidos. En sus trabajos se inspira en los manuscritos iluminados persas de los siglos XIV al XVII. Escanea estos manuscritos y crea collages digitales que denomina «maxiaturas». En ellas mezcla con mucho humor pasado y presente y pone sobre la mesa muchas de las contradicciones de la sociedad iraní. Así, en una de las obras aparecen mujeres desnudas bañándose (son las figuras originales), mientras que las mujeres actuales que incluye están en la piscina completamente tapadas. En otra obra es capaz de incluir un desfile de modas (fotógrafos incluidos) en una recepción en el salón del trono del Sha (harén incluido).

 

Bita Ghezelayagh (Italia, 1966) vive y trabaja entre Londres y Teherán. Encerrados en una vitrina se exhiben tres túnicas de fieltro, inspiradas en las capas tradicionales de los pastores iraníes. En ellas vemos colgados, a modo de objetos de protección, símbolos que retoma de la cultura popular de su país: coronas, tulipanes, llaves e incluso la imagen de un héroe de la guerra irano-iraquí.

De padres iraníes, Babak Golkar nació en 1977 en Estados Unidos. Vive y trabaja en Canadá. Esa dualidad biográfica Oriente-Occidente también está muy presente en su trabajo. En «Negotiating the space for possible coexistences, Nº 5», el dibujo en 3D sacado de una alfombra tradicional da lugar a un rascacielos. Tal como está expuesto en la sala, el propio rascacielos parece surgir de la alfombra.

El egipcio Hazem El Mestikawy (1965, vive y trabaja entre El Cairo y Viena) utiliza papel de periódico reciclado y cartón para hacer sus geométricas instalaciones escultóricas. «Bridge», presente en la exposición, está creado tanto por periódicos en árabe como en inglés. Una forma de simbolizar ese puente entre Oriente y Occidente, pesente en muchos de estos artistas, pero también un puente entre las tradiciones del Egipto faraónico y el Egipto actual.

Finalmente, Aisha Khalid (Pakistán, 1972), muy célebre en su país. Aborda en su trabajo las tensiones heredadas del pasado colonial de su país. Hoy mantiene dos lenguas oficiales: el urdu y el inglés. Parte de esta idea en su obra «Name, Class, Subject», una especie de libro escolar (mitad en urdu, mitad en inglés). Cada idioma comienza desde un extremo distinto. Otra de sus obras expuestas es un impresionante mantón tejido de Cachemira que cuelga del techo de la sala. Si lo miramos de frente es un bello y rico paño tejido en hilo de oro, pero por detrás está perforado por 300.000 alfileres chapados en oro, que simbolizan la agonía de la Cachemira ocupada. Esta región ha sufrido un largo conflicto entre Pakistán y La India.

 

* Por NATIVIDAD PULIDO / MADRID/ 18/04/2012

20 obras del museo a los más pequeños

En España se tiene una positiva iniciativa de incentivar la cultura y la visita a los museos de niños menores de 12 años, los cuales por medio de guías se les muestra algunas obras -hasta 20- para que tengan una idea del arte y de la importancia de los museos. A continuación veamos algunas fotos de dichos niños. 

Tres niñas y tres meninas

Alma, Luna y Martina (de espaldas) frente a Las meninas de Velázquez, en el Museo del Prado de Madrid. La pinacoteca dispone de audioguías infantiles (gratuitas para menores de 12 años al alquilar una del adulto acompañante) que explican hasta 20 obras del museo a los más pequeños.

Escuchando las trompetas

Luna y Alma frente a Las trompetas del juicio (1968), de Michelangelo Pistoletto, en el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid. El centro abre cada domingo un punto de información de su departamento de educación que reparte guías e itinerarios gratuitos adaptados para niños.

Educación artística

Eva García, educadora del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, explicando un cuadro a sus precoces visitantes. El centro de arte cuenta con un departamento educativo en cuya web pueden descargarse multitud de recursos dirigidos a padres y profesores, para aprovechar al máximo la visita de los más pequeños. 

Bufanda gigante

La escultura Brushstroke (Pincelada,1996), de Roy Lichtenstein (Nueva York 1923 – Nueva York 1997), situada en el patio del edificio de Jean Nouvel para la ampliación del Museo Centro de Arte Reina Sofía de Madrid  Martina, una de las protagonistas de nuestro reportaje de niños en los museos, veía en esta obra de 9,8 metros de altura, una gigantesca bufanda

La princesa prometida

La web del Prado (www.museodelprado.es) cuenta con una animación para niños de La meninas, guiada por una versión 2.0 de la infanta Margarita, dirigida a preparar y aprovechar la posterior visita y contemplación en el museo.

Epicentro del Prado

La sala dedicada a Velázquez, donde se encuentra el cuadro de Las meninas, es una de las más importantes del Museo del Prado de Madrid.

Hasta siempre

CTsT

Nota: Para mayor detalle visita la dirección del enlace original:

http://elviajero.elpais.com/fotogaleria/viajero/Galeria/Ninos/museo/elpgal/20111222elpepuvia_1/Zes/1

Exposicion de chicos malos en USA

Actualizando este Blog quiero publicar algo de mi material que no pude publicar antes, como esta singular exposicion denominada “Bad Boys” (Chicos malos) en la galeria Gagosian de  New York y con fotos tomadas por un fotografo del NYT: Josua Bright.

En la primera foto,abajo, vemos la cabeza de un toro con una expresion poco agradable, cuyo titulo es traducida como fin de una era (“End of an Era”) puesto por su autor: Damien Hirst’s.

En la segunda pieza ,abajo, vemos una espectacular “pared” con diamantes artificiales de diferentes tamanos y presentados en filas. Se dice que esta pieza se ofrece en 10 millones de dolares.

 

A continuacion vemos el detalle en un diamante trabajado para esta exposicion:

En la tercera pieza, abajo,  vemos una pieza llamada“Pig Pen” hecha por Sterling Ruby la cual engloba esta exposicion de los “Bad Boys”…

En la cuarta pieza y ultima presentada ,en mi blog, se aprecia una bus que servia para el transporte de presos a las prisiones y vean el cambio que le han hecho, incluyendo un sistema de luces y sonidos dentro del bus…

Creo que estas piezas exhibidas aqui nos dan una idea de porque el nombre de esta exposicion, y de porque el arte contemporaneo tiene tanta variedad en estos tiempos. Hay para todos los gustos…No lo creen asi??

Hasta siempre.

CTsT

Como funcionan las cosas para Damian Ortega

En una exhibicion en Boston-USA, a principios de Noviembre del 2009, Damian Ortega hizo una exhibicion de sus trabajos donde se pregunta:  ¿Cuál es la diferencia entre un artista y un mecánico?. De esta respuesta salen sus obras, las cuales presento algunas, a continuacion:

Arriba vemos a un Volkswagen 1989, desmantelado el cual uso para fundamentar su idea.

Abajo veamos un Video en You tube sobre la exhibicion de la foto inicial:

También tiene un lado serio que se hace evidente cuando se considera el estado del “Beetle” (escarabajo) como el coche del pueblo, y su historia de producción y consumo en México.

A raíz de los diagramas en el manual de reparación, el Sr. Ortega desmonta el vehículo y los componentes de la suspensión del techo. El resultado es una especie de sacrificio ritual. En las demás obras que conforman su “Trilogía Beetle”, el Sr. Ortega arrastró un vehículo con una soga y enterrado uno fuera de una fábrica de Volkswagen.

Damian Ortega, de 42 años, tiene su sede en Berlín, pero nació en la Ciudad de México. Ambos lugares ocupan un lugar destacado en su trabajo. En un breve vídeo que acompaña a la exposición, el Sr. Ortega cita paisaje urbano de Berlín de transición como una influencia importante. Pero sus materiales de arte – de tortillas a los escarabajos – a menudo son elementos básicos de la vida mexicana.
 

Las obras datan de 1996 hasta la actualidad y reflejan un dominio de la post-conceptual, bienal de lenguaje amistoso del círculo Orozco. Aun así, la cultura festival de arte es a veces un objetivo de humor irónico del señor Ortega. Cambios frecuentes en la escala de mantener las cosas interesantes.  (ver foto arriba)

 

la ultima foto (abajo) está escudriñando los granos de maíz numerados en “Clasificado Cob.”
También es fascinante la manera del Sr. Ortega se burla de los supuestos acerca de los objetos comunes cuando se trabaja con sus propiedades materiales. Para la escultura “Construcción del módulo Tortillas” (1998), que una torre de ingeniería arquitectónica de tortillas de maíz por la cocción a una crujiente y de asignación de fechas juntos.

 

Hasta siempre.

CTsT

Nota:

Para mayor informacion consulta este enlace fuente: (Ingles)

http://www.nytimes.com/2009/10/30/arts/design/30ortega.html

Coreografa alemana que reformo la danza (fotos)

Pina Bausch fue una destacada coreógrafa alemana, quien reforma la danza, mediante una combinación de un potente drama y movimientos de sueño. Pina murió el ultimo 30 de junio, a los 68 anos en Wuppertal, Alemania.

Abajo vemos una coreografía de Pina Bausc, en 1995, de la pieza “Café Müller” presentada en el Festival Avignon en Francia.

Abajo vemos a danzantes en la produccion de  Gluck’s “Iphigenie auf Tauris”  en el festival internacional de Edinburgh en 1996

Pina  Bausch nacio el 27 de julio de 1940, in Solingen, cerca de Düsseldorf-Alemania. Ella empezo a estudiar danza a los 14 en la escuela de  Folkwang  en Essen, la cual era dirijida por Kurt Jooss, la mas grande figura alemana de la danza antes de la segunda guerra mundial

Despues de graduarse en 1958 ella continuo sus estudios en USA. Abajo vemos a Ms. Bausch actuando en “Danzon” en Wuppertal en 2007. (Foto: Uwe Schinkel)

Ruth Amarante y Jorge Puerta Armenta, abajo en Ms. Bausch’s “Nefés,” una exploracion de Estambul-Turquia, parte del festival de musica de la academia de Brooklyn en 2006.

(Foto: Stephanie Berger for The New York Times

Miembros del “Tanztheater Wuppertal” actuando en “Nelken” (“Carnations”) in Wuppertal, Alemania en 2008.
(Foto: Uwe Schinkel)

Bailarinas ensayando “The Rite of Spring” en Julio 2007 en el festival frances de Avignon.
(Foto: Anne Christine Poujoulat/Agence France-Presse)

Clémentine Deluy en “Bamboo Blues” en 2008. Esta es una secuencia de la poderosa danza inspirada por la cultura india. Incluye proyeccion de videos y musica de los indios contemporaneos. (Foto: Angelos Giotopoulos)

Otra escena de “Orfeo and Euridice” en el amtiguo teatro Epidaurus en Grecia en Julio 2008.
(Foto: Evie Fylaktou/European Pressphoto Agency)

Danzantes realizando la pieza “Wiesenland” en el teatro de la Ville en Paris en enero 2009.
(Foto: Franck Fife/Agence France-Presse — Getty Images)

Abajo vemos una escena de “Tanzabend” en Wuppertal-Alemania- en Junio 2009.
(Foto: Rolf Vennenbernd/European Pressphoto Agency)

Danzantes ensayando la obra “Tanzabend” en la casa de  Opera en Wuppertal, Alemania, en Junio 2009.
(Foto: Rolf Vennenbernd/European Pressphoto Agency)

Hasta siempre.

Carlos Tigre sin Tiempo (CTsT)

Arte con Botones desde España

Una barcelonesa de 40 años hace arte con botones encontrados en cajones

Otra manera de expresar arte con botones. Se expone en Bellvitge Art exposiciones que se realizan en el Hospital Universitario de Bellvitge de L’Hospitalet de Llobregat una exposición de cuadros original y realizada desde otro punto de vista artístico ya que esta realizada con botones. Cuadros abstractos con botones sacados, como dice su autora Gloria Garcia de “El Calaix de L’Avia” (El cajón de la abuela) título de su exposición.

Gloria Garcia barcelonesa de 40 años residente en L’Hospitalet de Llobregat ha plasmado su original arte con los botones que siempre hay por casa o en un cajón que no se utilizan y quedan olvidados.

Una manera original y diferente de hacer arte. Bellvitge Art es una serie de exposiciones de arte o fotograficas que se crean para entretener y distraer a los pacientes y familiares de los enfermos del Hospital Universitari de Bellvitge además de ser un handicap para los ciudadanos artistas que quieran mostrar sus obras.

* RAMON COSTA – L’Hospitalet de Llobregat – 12/06/2009

La obra de Rafael Guastavino, que cambió la imagen de Nueva York

La obra del arquitecto valenciano más importante del siglo XIX, Rafael Guastavino , que cambió la imagen de Nueva York, se exhibirá en el Aeropuerto de Valencia con motivo de la inauguración de la nueva línea que conecta Valencia con la ciudad estadounidense, según informaron fuentes de la Generalitat en un comunicado.

Al respecto, destacaron que los espacios que construyó en el cambio del siglo XIX al XX son ahora parte inseparable de la iconografía urbana americana, y sus obras están consideradas fragmentos indiscutibles del Patrimonio Arquitectónico del país americano.

La exposición es fruto de un acuerdo de colaboración entre el Consorcio de Museos y Federación de Empresas de la Comunidad Valenciana de Contratistas de obra pública (Fecoval) para promocionar de la figura de este importante arquitecto valenciano.

La muestra está integrada por un total de 120 fotografías actuales e históricas, y material documental norteamericano de alcance global que refleja el momento histórico en el que este arquitecto y su compañía desarrolla su actividad.

Desde Generalitat destacaron que esta exposición ya obtuvo una gran acogida entre el público en el momento de su inauguración convirtiéndose en una de las más destacadas de la programación expositiva del Consorcio de Museos. Previamente, estuvo expuesta en la sala gótica del Centro del Carmen durante los primeros meses del año, donde batió récords de asistencia, con más de 60.000 visitantes.

A través del acuerdo con Fecoval, el Consorcio de Museos exhibe ahora la muestra en el Aeropuerto de Valencia donde estará a disposición del público, quedando abierto el camino a nuevas itinerancias.

Rafael Guastavino está considerado uno de los arquitectos españoles de mayor proyección internacional, sobre todo en EEUU gracias a sus innovaciones técnicas. Es autor de más de 1.000 edificios y en su conjunto más de 3.000 intervenciones en Estados Unidos, en su mayor parte en Nueva York, explicaron las citadas fuentes.

Metropolitan Museum, Columbia University, Grand Central Terminal, Federal Reserve Bank, en Nueva York, Harvard University y Boston Public Library en Boston, National Museum, the National Academy of Science, the National Archives, en Washington, iglesias en toda la geografía estadounidense, se cuentan entre los edificios y conjuntos en los que participó junto con los arquitectos de más prestigio profesional del momento y que ahora son parte inseparable de su patrimonio arquitectónico. Cuando en febrero de 1908 fallece Rafael Guastavino i Moreno The New York Times publicó una necrológica en la que lo describe como “el arquitecto de Nueva York”.

Nacido en Valencia en 1842, Rafael Guastavino Moreno se traslada a Barcelona en 1861 para comenzar sus estudios en la Escuela de Maestro de Obras de la Ciudad Condal. Comienza su trayectoria profesional como constructor y arquitecto en 1866, antes de haber terminado sus estudios, indicaron.

Despertar industrial de Nueva York

Según la comisaria de la exposición, la historiadora Mar Loren, “sus primeras obras responden al acelerado crecimiento de la ciudad y su despertar industrial, concentrándose en el mercado de las arquitecturas residenciales burguesa del ensanche y en la construcción de contenedores para las nuevas actividades industriales”.

Rafael Guastavino presenta en los inicios de su carrera sus ideas en exposiciones nacionales e internacionales, buscando conscientemente una proyección de sus primeros trabajos en España.

Su llegada a Estados Unidos con su hijo en 1881, la fundación de su propia Compañía Constructora en 1888, la modernización del sistema tabicado cerámico y su proyecto empresarial desembocan en la reinvención de un nuevo tipo de espacios públicos para la metrópolis americana moderna. Sus formas cerámicas abovedadas cualifican el espacio colectivo y se introducen en la nueva realidad estadounidense.

En 1883 comenzó su carrera profesional en Estados Unidos, cinco años después funda su Compañía constructora y dos años más tarde abre su propia fábrica de productos cerámicos, manteniendo durante los primeros años la doble actividad profesional de arquitecto y constructor como traslación de su concepción integradora de diseño arquitectónico y construcción.

A partir de 1886 abandonó el ejercicio de la arquitectura y su trabajo como constructor se convierte en el vehículo definitivo para integrarse en el mercado.

Para Mar Loren, “los Guastavino son testigo de la redefinición de la identidad nacional que tiene lugar en el cambio de siglo XIX al XX, con un cambio profundo de su población que desde este momento se caracterizará por una nueva diversidad étnica y religiosa llegada de todos los rincones del mundo en busca del sueño americano.

Diversidad, cultura y una nueva conciencia colectiva junto con el primigenio y sagrado poder del dinero son parámetros que conforman las políticas de identidad nacional y van a dar forma a la ciudad moderna estadounidense”.

* EFE , 13.06.09

La renovacion del “Metropolitan Museum of Art” en New York

A comienzo de los años de 1970, cuando el museo Metropolitano de Arte (The Metropolitan Museum of Art) reveló un plan para crear su propio palacio de cristal en el Central Park — Un local lleno de vidrios como la primera foto que se muestra a continuacion-; Sin embargo la mayoría de las autoridades de aquel tiempo se opuso. Incluso lo llamaron “una violacion del parque central” de New York ( a rape of the Central Park)

Pero, la perseverancia hizo que en los años de 1980 se logrará construir dicho local en un area de 136,000 pies cuadrados, siendo un area mayor que la de muchos otros museos, incluyendo su colección de esculturas, pinturas y demás objetos de arte.

 Recientemente se esta renovando o actualizando para estos tiempos. El proceso completo de renovación tendrá un costo de $100 millones de dolares y se espera que todo este terminado en el año 2011 (La primera fase de este proceso comenzó y terminó el año 2007)

A continuacion veamos algunas fotos que muestran este proceso:

Linda Borsch, trabajando en el mantenimiento de la escultura de titulo, ”Las dos naturalezas del hombre” (“The Two Natures of Man”) por George Gray Barnard.

El “Vanderbilt Mantel” por Augustus Saint-Gaudens.

Abajo vemos una de las lamparas de estilo frances, diseñadas por Richard Morris Hunt.  Un par de estas lamparas estaban a la entrada del museo en los años de 1970.

 

Trabajadores instalando, “Amor Caritas,” por Augustus Saint-Gaudens.

El Cuarto Hart

El cuarto Verplanck

La señora Mandrus trabajando en las barras de apoyo en las ventanas diseñadas en 1867  por Henry Sharp llamada Fe y Esperanza (“Faith and Hope”).

El señor Hawkes trabajando en la decoración de las columnas del Tiffany’s Laurelton Hall home.

La figura de un aguila (The “Figure of an Eagle”), 1800-1830.

* Datos y fotos obtenidos de NYT- 4 de Mayo del 2009

Venta de Cuadros con tu ADN

Dos investigadores españoles ofrecen la posibilidad de convertir el perfil genético en una personal, única e intransferible obra de arte a precios que oscilan entre los 175 y 240 euros

(Un dormitorio luce los ADN de la pareja transformados en obras de arte. / IDEAL)

Varias empresas ofrecen la personal escultura realizada con el código genético
Los doctores en Ciencias de la Salud David Agudo y Fernando Martínez son los primeros españoles en ofrecer una posibilidad única, la de crear una decoración exclusiva.

¿Cómo?

Realizando reproducciones de aquello que todas las personas tienen irrepetible, el perfil de ADN, pero enmarcado y en colores, lo que produce una original obra decorativa, como si la radiografía genética se convirtiera en arte.

Los pioneros en esta nueva técnica artística fueron los científicos de la empresa canadiense DNA 11, que se hizo especialmente conocida al salir una de sus ‘obras’ en un episodio de la famosa serie ‘CSI’.
El procedimiento que utilizan estos artistas de la identificación genética es similar al que se sigue de manera habitual; basta con tomar una muestra bucal.
Agudo y Martínez, después de extraer el ADN del cliente, lo amplifican de manera selectiva y única para cada persona. Se inicia todo un proceso científico.

Los fragmentos conseguidos se separan por tamaño sometiéndolos a un campo eléctrico en un gel de agarosa. Finalmente, el gel se tiñe con una sustancia que hace visible el ADN cuando se ilumina con luz ultravioleta.

Una vez teñido, el gel se fotografía con una cámara de alta resolución y la imagen así obtenida se somete a un diseño digital, transformándose en una original representación artística del ‘código de vida’ de la persona.

Las imágenes que se obtienen en el laboratorio corresponden exclusivamente al ADN, pero no revelan, al verlas, ningún tipo de información médica o forense que pudiera ser utilizada con fines de identificación. Este detalle se les pasó a los guionistas de ‘CSI’, que lograron la identificación genética en uno de sus sesudos casos a través de una de estas obras, algo que parece ahora imposible.

Finalmente, se imprime en papel fotográfico sobre cartón pluma o sobre un lienzo montado en bastidor. Al finalizar la impresión de su cuadro, todas las muestras son destruidas. Los precios van desde los 175 euros en papel fotográfico, 195 euros en cartón pluma y 240 euros en lienzo. Cada pieza es tan única como sus clientes y es una combinación exclusiva de ciencia y arte.

Hay empresas que van más allá, como la compañía neoyorquina DNA Art Forms, que personaliza aún más cada una de las obras y en vez de imprimir el código genético, un artista pinta un perfil y añade impresiones propias basadas en conversaciones con los clientes.

Esculturas
Cualquier persona también puede tener un modelo de su código genético en tres dimensiones sobre la mesita de luz: en un bloque de cristal y labrado en láser. El resultado es una especie de monolito irregular, pero que en el material adecuado también da el pego artístico.
Asimismo hay empresas dedicadas a este arte del código genético que envían a la casa de los clientes que lo solicitan el ‘kit’ de obtención del AD, y una vez identificados les remiten su particular obra personal e intransferible en el formato que deseen.

* Juan Luis Tapia, 6 mayo 2009

La Capilla de los espejos sagrados

Este es una exhibicion de espejos con figuras sagradas en una galeria de arte de Coney Island en New York.

Este es un arte que lo consideran sicodelico y fue hecho por el pintor Alex Grey, y su esposa Allyson Grey (pueden ver sus fotos mas abajo)

Esta exhibicion va acompanado  de una instalacion surrealista con pinturas neorealistas y de musica ambiental orquestada y teatralizada, donde se trata de reverenciar  a la vida, el amor y las interconexiones universales.

A continuacion veamos mas fotos , tomadas por Librado Romero (NYT):

Alex Grey, “Seraphic Transport Docking on the Third Eye” (2004)  = Trabajo Seráfico de acoplamiento del Tercer Ojo

Fotos: Librado Romero/The New York Times (NYT)

 

En esta imagen se aprecia a Mr. Grey, quien representa la piel de las personas de forma transparente, subrayando los musculos, huesos, organos y sistema circulatorio, los cuales son penetrados o rodeados por campos de energia cosmica.

La capilla de los espejos sagrados (The Chapel of Sacred Mirrors) es un pasadizo con paredes rojas donde estan colgadas una serie de 20 pinturas como podemos apreciar en las fotos. Dichas pinturas empezaron a realizarse en los inicios de los 80

“Christ” (1982-85)=Cristo

“Sophia” (1989) = Sofia

Arriba se aprecia un primer plano, de los autores de esta exposicion.

Hasta siempre.

CTsT.

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Para mayor informacion te recomiendo este enlace:

http://es.wikipedia.org/wiki/Alex_Grey

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El arte personal en 6 mujeres de USA

Actualmente podemos ver las diferentes formas o detalles de expresarse, en el mundo del arte contemporaneo actual. Ya sea de forma clasica (pintura, escultura, arquitectura, etc.) o de forma nueva como en la fabricacion de mueblos u objetos que usan algunas amas de casa o mujeres nortemericanas para arreglar sus casas.

Veamos a continuacion las fotos de 6 mujeres:

En la primera foto vemos un original mueble, en forma de J echada, que sirve como sofa – ideal para leer- y en las noches puede convertirse en una angosta, pero comoda cama de emergencia para algun visitante imprevisto.

En la segunda foto apreciamos a una dama que su cama la convierte en un colorida sofa, durante el dia.

En la tercera foto vemos a esta ama de casa ecologica (Greenpeace) como ha decorado su lavanderia. Dejando amplio espacio para su silla y apoyo que le servira de comodidad, mientras espera terminar su proceso de lavado…

En la cuarta foto podemos notar  la forma que ha arreglado esta mujer su departamento. Le da prioridad a su biblioteca personal y dentro de su aparente desorden se aprecia una armonia artistica…

En la quinta foto vemos a una mujer que resalta los espacios vacios para apreciar la vista que le ofrece un departamento de pisos superiores, teniendo de apoyo una simple, pero acolchada silla y un colorido piso alfombrado…

Finalmente en la sexta foto se aprecia a una mujer con un toque “rebelde” o hippie contemporaneo , el cual se manifiesta en la decoracion de su cuarto y de ella misma…

Hasta siempre.

CTsT

* Nota: las fotos fueron tomadas por Jason Schmidt

El arte contemporaneo en USA

El arte contemporáneo se suele definir como el arte elaborado después de la Segunda Guerra Mundial. Los museos de arte denominan arte contemporáneo a las colecciones de este período. Pero, veamos algunas fotos de exposiciones diversas, en USA, para poder entender mejor esta breve definicion que escribo aqui.

En sentido estricto, el arte contemporáneo es el hacer artístico que se desarrolla en nuestra época, aunque el concepto de la contemporaneidad puede ser entendido de diferentes maneras:

extendido al arte de toda la Edad Contemporánea (que comienza a finales del siglo XVIII) o limitado al arte del siglo XX, al arte del mundo actual (que se entendía era el posterior a la Segunda Guerra Mundial — 1945; y, actualmente se entiende que es el surgido de la caída del muro de Berlín — 1989) o al arte surgido en la historia inmediata del más cercano presente (tomando como hito, por ejemplo, el atentado de las Torres Gemelas de Nueva York — 2001).

Para mayor confusión, el concepto de Arte moderno no se aplica al Arte de la Edad Moderna (siglos XV al XVIII), sino a nuestro arte contemporáneo.

Lo mismo ocurre con los conceptos de arquitectura moderna, pintura moderna y pintura contemporánea; o con el menos usado concepto de arte postmoderno (desde los años 1970).

A continuacion veamos la subdivision que se hace, en ingles, del arte contemporaneo:

1950s
Abstract Expressionism
Bay Area Figurative Movement
Lyrical Abstraction
New York Figurative Expressionism
New York School

1960s
Abstract expressionism
Bay Area Figurative Movement
Color field
Computer art
Conceptual art
Fluxus
Happenings
Hard-edge painting
Lyrical Abstraction
Minimalism
Neo-Dada
New York School
Nouveau Réalisme
Op Art
Performance art
Pop Art
Postminimalism
Washington Color School

1970s
Arte Povera
Ascii Art
Body art
Artist’s book
Feminist art
Installation art
Land Art
Lowbrow (art movement)
Photorealism
Postminimalism
Process Art
Video art

1980s
Appropriation art
Demoscene
Electronic art
Figuration Libre
Graffiti Art
Live art
Mail art
Postmodern art
Neo-conceptual art
Neoexpressionism
Transgressive art
Video installation

 1990s
Cynical Realism
Information art
Internet art
Massurrealism
New media art
Young British Artists

2000s
Pluralism
Relational art
Software art
Sound art
Street art
Stuckism
Superflat
Videogame art
VJ art

Hasta siempre.
CTsT

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Para mayor informacion revisa este enlace:

http://en.wikipedia.org/wiki/Contemporary_art

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