Enrique Galdos Rivas. El mago del color

Enrique Galdos Rivas, peruano, artista, pintor, cantante, enamorado de la vida, nace un 2 de julio de 1933 . En este blog quiero almacenar un resumen de su vida artistica en el arte de la pintura con color, y como dicen los expertos en el tema: “Cuando uno puede identificar por el trazo y color de una obra pictórica a su autor, tenemos un caso de forma, colorido y temática que revela la característica y particularidades de un artista. Cuando uno observa un cuadro finamente compuesto, de colorido festivo y luminosidad ardiente, entonces estamos frente a una pintura de Galdos Rivas.”

FICHA PERSONAL PREMIOS Y DISTINCIONES

Nombre completo: Enrique Gerardo Galdos Rivas

Fecha de Nacimiento: 2 de Julio de 1933.

Hobby: Cantar boleros y tangos.

Lema: Hay que reírse, cantar, tomar.

Sino fuera pintor hubiera sido: arquitecto.

En qué lugares vivió aparte de Lima: Argentina y Brasil.

Apelativos: El mago del color

Técnica preferida: Óleo sobre tela.

Anécdotas: Miles, voy a sacar un libro.

El humor: Es parte de mi vida.

El canto: Un sentimiento.

Color favorito: Rojo.

Prefiere pintar: Todo lo que me rodea en la vida.

Innovación: Crear.

Lugar preferido para estar: Mi taller.

El público: Compartido

Galdos Rivas en 10 años: Seguir alegrando la vida.

I Premio Escuela de Bellas Artes de Lima, 1959

II Premio Municipalidad de Lima, 1960

II Premio Feria de Octubre, 1960

Mención Honrosa, Salón Hebraica 1963

Mención Honrosa, VII Bienal de Sao Paulo (Brasil), 1963

V Premio, II Bienal Americana de Arte, Córdova (Argentina) 1964

I Premio Salón Municipal de San Isidro, 1964

I Premio Gulf & South American Steamship Co.

II Premio Egresados de Bellas Artes (beca Argentina), 1967

II Premio Bienestar Social y Arte, 1968

Mención Honrosa, VI Salón Grabado ICPNA, 1970

I Premio Sesquicentenario de Lima, 1971

Seleccionado en el Perú, Premio Cristóbal Colón, Madrid, 1984

Profesor Emérito, Escuela Nacional Superior de Bellas Artes, 1995

Homenaje a la labor artística, Asociación Stella Maris, 2003

Para mayor informacion revisa este enlace:

http://www.galdosrivas.com/

La Primavera del arte Árabe

Primero fue el 11-S, después la Primavera Árabe y el derrocamiento de muchos regímenes totalitarios. El mundo islámico ha dado un giro radical en la última década y los cambios parecen imparables. Pero hayotra Primavera Árabe de la que se habla mucho menos, pero que también está presente y con mucha fuerza: hablamos del «boom» del arte islámico en todo el mundo. Basta con echar un vistazo a los grandes museos (Louvre, Metropolitan, Victoria & Albert) para poder constatarlo. Todos ellos atesoran importantes colecciones de arte islámico y recientemente han modernizado y ampliado sus espacios dedicados a él.

El premio es bienal y ésta es su segunda edición

Desde hoy y hasta el 15 de julio, Casa Árabealberga en su sala de exposiciones de Madrid(Alcalá, 62) una interesante selección de 22 obras de arte contemporáneo. Son las obras del ganador y los finalistas de un prestigioso premio, el Jameel Prize, que reconoce creaciones inspiradas en el arte, la artesanía o el diseño de tradición islámica. Se trata de una interesante iniciativa puesta en marcha por el Victoria & Albert Museum de Londres, en colaboración con la Abdul Latif Jameel Community Iniciatives, cuyo objetivo de enriquecer la visión de la cultura islámica en Occidente. Los artistas no tienen que ser musulmanes ni proceder de países islámicos. El premio es bienal y ésta es la segunda edición. Si las obras premiadas en la primera edición (2009) viajaron por seis museos de Oriente Medio, las de la segunda (2011) lo harán por Ocidente: París, Madrid y distintos puntos de Estados Unidos.

De la mano de Tim Stanley, comisario de la colección de Oriente Medio del Victoria & Albert -museo que atesora la mejor colección de arte islámico del mundo- y miembro del Consejo Científico del Museo del Louvre, y Sadia Touqan, co-comisaria de la exposición y especialista en arte contemporáneo y diseño de Oriente Medio, visitamos la exposición.

Los artistas premiados

El artista más joven presente en la muestra es Noor Ali Chagani. Nació en Pakistán en 1982; vive y trabaja en Lahore. Su obra escultórica «Infinity» se inspira en la pintura miniaturista mogola: en su caso la convierte en tridimensonal gracias a ladrillos en miniatura. Esta pieza reflexiona sobre la idea de la propiedad de la tierra, pero también sobre el concepto de cobijo y protección.

En el lado opuesto, la artista de más edad de la exposición es Monir Shahroudy (Irán, 1923). Vive y trabaja en Teherán. Esta octogenaria artista tiene una biografía fascinante. Se formó en Nueva York, trabajó con Warhol. Volvió a Irán y trabajó como consejera de Farah Diva. Cuando estalla la revolución en su país ella estaba en Estados Unidos. Su obra quedó confiscada o fue destruida. Quedó en el anonimato hasta que resurgió en la última década. Su obra se vio en la Bienal de Venecia y ahora vuelve a estar en activo. En la exposición vemos su obra «Birds of Paradise» (un mosaico hecho con trozos de espejo), inspirada en la pluma de un gorrión que se cayó en el balcón de su casa en Teherán.

Hadieh Shafie nació en Irán en 1983. Vive y trabaja en Estados Unidos. Presenta dos coloristas trabajos inspirados en los movimientos místicos del sufismo. Los sufíes utilizan el lenguaje del amor para describir la relación con Dios. Shafie escribe la palabra amor en sufí en miles y miles de tiras de papel enrolladas y colocadas unas juntos a otras.

(Libro de 260,000 paginas)

Hayv Kahraman (Irak, 1981) se exilió a los 11 años: vive y trabaja en Estados Unidos. Su obra es abiertamente de denuncia. Dos de sus trabajos pertenecen a una serie, «Baraja». Semejan cartas de una baraja en madera, de gran tamaño, y en ellas denuncia el trauma de la diáspora iraquí. En una tercera obra muestra a un león herido que escupe esas mismas cartas de la diáspora.

Rachid Koraïchi es el ganador del premio. Nació en Argelia en 1947 y vive y trabaja a caballo entre Túnez y Francia. En sus trabajos reivindica el trabajo textil como un medio tan digno como la pintura. En la obra premiada, «Los maestros invisibles», celebra las vidas y el legado de los catorce grandes maestros del sufismo. Está inspirada en los estandartes que llevan en las procesiones rituales. Es una llamada a la tolerancia.

 Sharifi mezcla con mucho humor pasado y presente de Irán

Soody Sharifi nació en Irán en 1955 y vive y trabaja en Estados Unidos. En sus trabajos se inspira en los manuscritos iluminados persas de los siglos XIV al XVII. Escanea estos manuscritos y crea collages digitales que denomina «maxiaturas». En ellas mezcla con mucho humor pasado y presente y pone sobre la mesa muchas de las contradicciones de la sociedad iraní. Así, en una de las obras aparecen mujeres desnudas bañándose (son las figuras originales), mientras que las mujeres actuales que incluye están en la piscina completamente tapadas. En otra obra es capaz de incluir un desfile de modas (fotógrafos incluidos) en una recepción en el salón del trono del Sha (harén incluido).

 

Bita Ghezelayagh (Italia, 1966) vive y trabaja entre Londres y Teherán. Encerrados en una vitrina se exhiben tres túnicas de fieltro, inspiradas en las capas tradicionales de los pastores iraníes. En ellas vemos colgados, a modo de objetos de protección, símbolos que retoma de la cultura popular de su país: coronas, tulipanes, llaves e incluso la imagen de un héroe de la guerra irano-iraquí.

De padres iraníes, Babak Golkar nació en 1977 en Estados Unidos. Vive y trabaja en Canadá. Esa dualidad biográfica Oriente-Occidente también está muy presente en su trabajo. En «Negotiating the space for possible coexistences, Nº 5», el dibujo en 3D sacado de una alfombra tradicional da lugar a un rascacielos. Tal como está expuesto en la sala, el propio rascacielos parece surgir de la alfombra.

El egipcio Hazem El Mestikawy (1965, vive y trabaja entre El Cairo y Viena) utiliza papel de periódico reciclado y cartón para hacer sus geométricas instalaciones escultóricas. «Bridge», presente en la exposición, está creado tanto por periódicos en árabe como en inglés. Una forma de simbolizar ese puente entre Oriente y Occidente, pesente en muchos de estos artistas, pero también un puente entre las tradiciones del Egipto faraónico y el Egipto actual.

Finalmente, Aisha Khalid (Pakistán, 1972), muy célebre en su país. Aborda en su trabajo las tensiones heredadas del pasado colonial de su país. Hoy mantiene dos lenguas oficiales: el urdu y el inglés. Parte de esta idea en su obra «Name, Class, Subject», una especie de libro escolar (mitad en urdu, mitad en inglés). Cada idioma comienza desde un extremo distinto. Otra de sus obras expuestas es un impresionante mantón tejido de Cachemira que cuelga del techo de la sala. Si lo miramos de frente es un bello y rico paño tejido en hilo de oro, pero por detrás está perforado por 300.000 alfileres chapados en oro, que simbolizan la agonía de la Cachemira ocupada. Esta región ha sufrido un largo conflicto entre Pakistán y La India.

 

* Por NATIVIDAD PULIDO / MADRID/ 18/04/2012

20 obras del museo a los más pequeños

En España se tiene una positiva iniciativa de incentivar la cultura y la visita a los museos de niños menores de 12 años, los cuales por medio de guías se les muestra algunas obras -hasta 20- para que tengan una idea del arte y de la importancia de los museos. A continuación veamos algunas fotos de dichos niños. 

Tres niñas y tres meninas

Alma, Luna y Martina (de espaldas) frente a Las meninas de Velázquez, en el Museo del Prado de Madrid. La pinacoteca dispone de audioguías infantiles (gratuitas para menores de 12 años al alquilar una del adulto acompañante) que explican hasta 20 obras del museo a los más pequeños.

Escuchando las trompetas

Luna y Alma frente a Las trompetas del juicio (1968), de Michelangelo Pistoletto, en el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid. El centro abre cada domingo un punto de información de su departamento de educación que reparte guías e itinerarios gratuitos adaptados para niños.

Educación artística

Eva García, educadora del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, explicando un cuadro a sus precoces visitantes. El centro de arte cuenta con un departamento educativo en cuya web pueden descargarse multitud de recursos dirigidos a padres y profesores, para aprovechar al máximo la visita de los más pequeños. 

Bufanda gigante

La escultura Brushstroke (Pincelada,1996), de Roy Lichtenstein (Nueva York 1923 – Nueva York 1997), situada en el patio del edificio de Jean Nouvel para la ampliación del Museo Centro de Arte Reina Sofía de Madrid  Martina, una de las protagonistas de nuestro reportaje de niños en los museos, veía en esta obra de 9,8 metros de altura, una gigantesca bufanda

La princesa prometida

La web del Prado (www.museodelprado.es) cuenta con una animación para niños de La meninas, guiada por una versión 2.0 de la infanta Margarita, dirigida a preparar y aprovechar la posterior visita y contemplación en el museo.

Epicentro del Prado

La sala dedicada a Velázquez, donde se encuentra el cuadro de Las meninas, es una de las más importantes del Museo del Prado de Madrid.

Hasta siempre

CTsT

Nota: Para mayor detalle visita la dirección del enlace original:

http://elviajero.elpais.com/fotogaleria/viajero/Galeria/Ninos/museo/elpgal/20111222elpepuvia_1/Zes/1

Exposicion de chicos malos en USA

Actualizando este Blog quiero publicar algo de mi material que no pude publicar antes, como esta singular exposicion denominada “Bad Boys” (Chicos malos) en la galeria Gagosian de  New York y con fotos tomadas por un fotografo del NYT: Josua Bright.

En la primera foto,abajo, vemos la cabeza de un toro con una expresion poco agradable, cuyo titulo es traducida como fin de una era (“End of an Era”) puesto por su autor: Damien Hirst’s.

En la segunda pieza ,abajo, vemos una espectacular “pared” con diamantes artificiales de diferentes tamanos y presentados en filas. Se dice que esta pieza se ofrece en 10 millones de dolares.

 

A continuacion vemos el detalle en un diamante trabajado para esta exposicion:

En la tercera pieza, abajo,  vemos una pieza llamada“Pig Pen” hecha por Sterling Ruby la cual engloba esta exposicion de los “Bad Boys”…

En la cuarta pieza y ultima presentada ,en mi blog, se aprecia una bus que servia para el transporte de presos a las prisiones y vean el cambio que le han hecho, incluyendo un sistema de luces y sonidos dentro del bus…

Creo que estas piezas exhibidas aqui nos dan una idea de porque el nombre de esta exposicion, y de porque el arte contemporaneo tiene tanta variedad en estos tiempos. Hay para todos los gustos…No lo creen asi??

Hasta siempre.

CTsT

Las mil manos del Bodhisattva en Taipei

Los danzantes chinos del espectaculo denominado Las mil manos del Bodhisattva (The thousand-hand Bodhisattva) se presentaron en el show del Sun Yat-sen Memorial hall en China Taipei, el 13 de Diciembre del 2009.
A continuacion algunas fotos y videos sobre este singular evento:

La palabra “bodhisattva” tiene 2 significados basicos:

1. En el Budismo antiguo, bodhisattva significa “las vidas previas de un Buda.”

2. En budismo Mahayana, bodhisattva se refiere a los seres humanos que logran la iluminacion por el amor a otros humanos. Convertirse en un bodhisattva es la meta del budismo Mahayana.

Hasta siempre.
CTsT

Danzas clásicas o actuales 2 (Afroamericanos)

A continuación veamos una sesión de nuevas fotos y videos de Danzas clasicas o actuales, donde, en esta oportunidad, se destaca las danzas Afroamericanas, presentadas recientemente en USA.



Veamos un video sobre el “American Dance Theater” , donde destaca su bailarin estrella Alvin Ailey, quien aparece en varias fotos y videos de este Blog:

 



Veamos otro video musical sobre el mismo:



En la siguiente foto se aprecia a una danzante del “Alvin Ailey American Dance Theater” en la obra “Divining de Judith Jamison.



A continuación veamos un video sobre ellos:



Abajo veamos algunas fotos de los miembros afroamericanos de este destacado grupo de danzantes




Abajo veamos al grupo de danza de “Garth Fagan”, en video y foto:



Finalmente apreciamos (abajo) a Abdur-Rahim Jackson (a la izquierda) y a Antonio Douthit haciendo una escena de “Uptown”.



Finalmente veamos un par de breves, actuales y bellos videos:

Hasta Siempre
CTsT



Arma Secreta en opera de la Revolución Checa Velvet

 

Conciertos de la pieza en la Filarmónica de Nueva York en 1983 y el estreno en teatro de Estados Unidos en el New York City Opera en 1990 fueron cantadas en una traducción al Inglés por Yveta Synek Graff, una nativa de Praga-Checoslovaquia.

 

La Sra. Graff (vea su foto abajo), la moda contemporánea para multinacionales, producciones en lengua original de las obras maestras Checas de  Janacek, Dvorak y Smetana es la reivindicación de un sueño largamente acariciado que, quizá más que ningún otro, ha luchado para que sea una realidad.



La ópera cuenta con la Sra. Graff en la traducción. Aunque su objetivo original de producciones en lengua internacional por arriba se pone en claro desde el principio, ella ha tenido que seguir su Revolución de Terciopelo por vía indirecta: mejor ópera checa en Inglés o con modelos importados que no ópera checa en absoluto. Como traductor, transliterator completo y experto en la materia de servicios, que ha sido la demanda constante desde la década de 1980. Más de un período de 12 meses, ocho producciones mantienen Sra. Graff en la carretera durante 48 semanas. “Eso”, la Sra. Graff, dijo en una entrevista de este verano, “fue demasiado”.



“Cuando hablé por primera vez para la ópera checa en checo con los cantantes Checa, todos se rieron de mí”, continuó, mostrando a un visitante en torno al estudio de una parte superior pisos apartamento de Park Avenue, su hogar desde 1964. Anticipando un traslado a California, ella era la organización de sus partituras, grabaciones, fotografías de archivo, firmado carteles y otros objetos de recuerdo para la transferencia a la Juilliard School, donde será un recurso invaluable para las generaciones futuras. Sus transcripciones en las puntuaciones Checa, con traducciones paralelas en Inglés, ya han servido de las ondas no cantantes Checa y seguirá haciéndolo.

“Todo el mundo insistió en que ningún extranjero puede aprender checo,” dijo la Sra. Graff. “Pero el público quiere la emoción de algo nuevo. Los artistas también. No se puede hacer “todo La Bohème ‘el tiempo”. Su historia de Cenicienta favorito es el de Renée Fleming, que estalló a nivel internacional como el sprite de agua hermosa pero letal en el cuento de hadas gótico de Dvorak “Rusalka”.
¿Es difícil para los no nativos para aprender las funciones Checa? Punto de vista fonético, las prístinas, las vocales italiano hacen las delicias de un cantante. Lo que duele es la mandíbula de trituración de los grupos de consonantes en el medio.

El tenor americano Brandon Jovanovich está ensayando de Janácek “Katya Kabanova” con la Opera Lírica de Chicago, su misión Checa tercero en dos temporadas. “Tengo que conseguir el idioma en mi cuerpo antes de que pueda poner el significado en la parte superior”, dijo recientemente. “Pero ahora que he roto el hielo, quiero hacer más. Con cada papel de la lengua se hace más fácil. Y la música es hermosa. “

A pesar de su herencia Checa, la Sra. Graff desarrollado su experiencia en la ópera checa sólo como un emigrado. La hija del hombre de letras Checa y activista político Emil Synek, fue animado a París con su madre, Eugenia Budlovska (antes de su matrimonio de una actriz famosa) en 1947, supuestamente para reunirse con él en una misión diplomática. Madre e hija llegaron con dos maletas cada uno, como si de un viaje corto, pero Synek había previsto el régimen comunista inminente, y la familia nunca volvió. 

Desde la primera Sra. Graff ha comprendido que los grandes intérpretes necesidad de brillo y que la autenticidad no es todo. Así que si la Sra. Fleming le gusta vestir a universalmente amada Rusalka’s Song to the Moon “, con una larga data, B alta brillante plano, ha toda Sra. Graff apoyo incondicional. Cuando la Sra. Fleming estaba preparando para grabar la ópera para Decca con el especialista Janacek Charles Mackerras, esto podría haber sido un punto de inflamación.
“Yveta libró la batalla antes de mi llegada”, la Sra. Fleming, dijo recientemente. “Esto me salvó un montón de desgaste.”

Hasta siempre.
CTsT

Para mayor informacion consulta este enlace fuente: (Ingles)

http://www.nytimes.com/2009/11/08/arts/music/08gure.html

Como funcionan las cosas para Damian Ortega

En una exhibicion en Boston-USA, a principios de Noviembre del 2009, Damian Ortega hizo una exhibicion de sus trabajos donde se pregunta:  ¿Cuál es la diferencia entre un artista y un mecánico?. De esta respuesta salen sus obras, las cuales presento algunas, a continuacion:

Arriba vemos a un Volkswagen 1989, desmantelado el cual uso para fundamentar su idea.

Abajo veamos un Video en You tube sobre la exhibicion de la foto inicial:

También tiene un lado serio que se hace evidente cuando se considera el estado del “Beetle” (escarabajo) como el coche del pueblo, y su historia de producción y consumo en México.

A raíz de los diagramas en el manual de reparación, el Sr. Ortega desmonta el vehículo y los componentes de la suspensión del techo. El resultado es una especie de sacrificio ritual. En las demás obras que conforman su “Trilogía Beetle”, el Sr. Ortega arrastró un vehículo con una soga y enterrado uno fuera de una fábrica de Volkswagen.

Damian Ortega, de 42 años, tiene su sede en Berlín, pero nació en la Ciudad de México. Ambos lugares ocupan un lugar destacado en su trabajo. En un breve vídeo que acompaña a la exposición, el Sr. Ortega cita paisaje urbano de Berlín de transición como una influencia importante. Pero sus materiales de arte – de tortillas a los escarabajos – a menudo son elementos básicos de la vida mexicana.
 

Las obras datan de 1996 hasta la actualidad y reflejan un dominio de la post-conceptual, bienal de lenguaje amistoso del círculo Orozco. Aun así, la cultura festival de arte es a veces un objetivo de humor irónico del señor Ortega. Cambios frecuentes en la escala de mantener las cosas interesantes.  (ver foto arriba)

 

la ultima foto (abajo) está escudriñando los granos de maíz numerados en “Clasificado Cob.”
También es fascinante la manera del Sr. Ortega se burla de los supuestos acerca de los objetos comunes cuando se trabaja con sus propiedades materiales. Para la escultura “Construcción del módulo Tortillas” (1998), que una torre de ingeniería arquitectónica de tortillas de maíz por la cocción a una crujiente y de asignación de fechas juntos.

 

Hasta siempre.

CTsT

Nota:

Para mayor informacion consulta este enlace fuente: (Ingles)

http://www.nytimes.com/2009/10/30/arts/design/30ortega.html

Danzas clásicas o actuales 1 (Ballet-Rock)

A continuación quiero iniciar una nueva sección en este blog donde en muchas fotos y pocas palabras se destaquen la belleza de los protagonistas de estos hermosos bailes, lleno de tanto significado cultural. Así como el desarrollo de bellas coreografías, dentro de complejos movimientos físicos-incluida sus expresiones faciales o mímicas, los cuales les exigen un gran esfuerzo físico y concentración en su desarrollo. Todo lo anterior se realiza con un simultáneo acompañamiento musical.

Abajo vemos una coreografía del clásico de los cascanueces



Veamos un video musical sobre el mismo:

A continuación vemos una escena de los “Bad Boy” (Chicos malos), el 11 diciembre del 2009, en New York. Lo que ellos están haciendo, según dicen, es una fusión entre el Ballet y el rock lo cual le llaman “Rock the Ballet”



En la siguiente foto se aprecia a un danzante haciendo una complexión típica del ballet contemporáneo.



A continuación veamos algunas fotos de danzantes clásicos o de Ballet.







 

A continuación vemos a Tamara Rojo del Ballet Royal, haciendo una escena de “The sleeping beauty” (La bella durmiente). Ella hace de la princesa aurora.








Finalmente podemos ver una foto de 3 bailarinas de Ballet o danza clásica del ano 1908 (hace 102 años)



Hasta Siempre
CTsT



Nota: Para mayor información teorica, revisa este enlace:

http://es.wikipedia.org/wiki/Ballet

ANNA NETREBKO: BELLEZA DE LA ÓPERA MUNDIAL

En las carteleras su nombre lo escriben corto “Anna”. Es la belleza de la ópera mundial. Ella ha cambiado completamente la idea del aspecto que debe tener la cantante de ese género. Brillante, desembarazada, sensual, con estilo propio…

Ella se desplaza perfectamente sobre la escena, graba vídeos de arias de óperas y aparece en las tapas de las revistas. En 2007 fue declarada “Músico del año” por la revista “Musical América”. En Rusia recibió el Premio Estatal y el título de “Artista del Pueblo”.

Anna es una persona benévola, no es arrogante, trata de no advertir las intrigas teatrales. Considera que la envidia es un sentimiento pernicioso. “¡Hay que trabajar!” –dice.

No oculta que lo que más le gusta en la música es el hip-hop. Rara vez tiene mal estado de ánimo y considera que el shoping es el mejor remedio contra la melancolía.

En Occidente los periodistas la llaman “Estrella en vaqueros”. “¡A ti te miran millones!” –le reprochan los críticos. “Yo no me aparto de esos millones. Los vaqueros son muy cómodos” –responde Anna. Pero en la escena le gusta vestirse a la moda. “Quiero deleitar no sólo el oído de mis admiradores, sino también la mirada” –dice.

Anna Netrebko nació en 1971 en la ciudad rusa de Krasnodar. A los 16 años casi gana el concurso de belleza en su ciudad, conquistando el premio de las simpatías del público. En la escuela más le atraían las clases de deporte que la ópera. Pero Anna siempre soñó con la escena. Puede decirse que su carrera en el Teatro Marinki comenzó como mujer de la limpieza, así se ganaba el pan durante los estudios. “Quería estar más cerca de la escena” –dice la estrella. Pero igualmente no llegó a terminar los estudios en el Conservatorio de San Petersburgo. Se lo impidieron las giras. “En Occidente nadie pregunta por el diploma. El papel lo desempeñan la reputación y el profesionalismo” –dice Anna.

Fuera de la escena Anna Netrebko se comporta con toda libertad. Una vez ganó un mini torneo de cancán en una velada en San Petersburgo. A quien los periodistas no le atribuían sus romances –Rolando Villazón, Simone Alberghini, Robbie Williams… Incluso estuvieron dispuestos a interpretar como algo más la mirada de admiración del presidente Putin durante la entrega del título de “Artista del pueblo de Rusia” y el desconcierto de Anna. Pero rápidamente se aclaró que en ese momento Anna estaba comprometida y embarazada. Su elegido es el barítono uruguayo Erwin Schrott y en 2008 tuvieron un hijo. Ahora Anna pasa la mayor parte del tiempo en Austria. No hace mucho recibió la ciudadanía de ese país.

Coreografa alemana que reformo la danza (fotos)

Pina Bausch fue una destacada coreógrafa alemana, quien reforma la danza, mediante una combinación de un potente drama y movimientos de sueño. Pina murió el ultimo 30 de junio, a los 68 anos en Wuppertal, Alemania.

Abajo vemos una coreografía de Pina Bausc, en 1995, de la pieza “Café Müller” presentada en el Festival Avignon en Francia.

Abajo vemos a danzantes en la produccion de  Gluck’s “Iphigenie auf Tauris”  en el festival internacional de Edinburgh en 1996

Pina  Bausch nacio el 27 de julio de 1940, in Solingen, cerca de Düsseldorf-Alemania. Ella empezo a estudiar danza a los 14 en la escuela de  Folkwang  en Essen, la cual era dirijida por Kurt Jooss, la mas grande figura alemana de la danza antes de la segunda guerra mundial

Despues de graduarse en 1958 ella continuo sus estudios en USA. Abajo vemos a Ms. Bausch actuando en “Danzon” en Wuppertal en 2007. (Foto: Uwe Schinkel)

Ruth Amarante y Jorge Puerta Armenta, abajo en Ms. Bausch’s “Nefés,” una exploracion de Estambul-Turquia, parte del festival de musica de la academia de Brooklyn en 2006.

(Foto: Stephanie Berger for The New York Times

Miembros del “Tanztheater Wuppertal” actuando en “Nelken” (“Carnations”) in Wuppertal, Alemania en 2008.
(Foto: Uwe Schinkel)

Bailarinas ensayando “The Rite of Spring” en Julio 2007 en el festival frances de Avignon.
(Foto: Anne Christine Poujoulat/Agence France-Presse)

Clémentine Deluy en “Bamboo Blues” en 2008. Esta es una secuencia de la poderosa danza inspirada por la cultura india. Incluye proyeccion de videos y musica de los indios contemporaneos. (Foto: Angelos Giotopoulos)

Otra escena de “Orfeo and Euridice” en el amtiguo teatro Epidaurus en Grecia en Julio 2008.
(Foto: Evie Fylaktou/European Pressphoto Agency)

Danzantes realizando la pieza “Wiesenland” en el teatro de la Ville en Paris en enero 2009.
(Foto: Franck Fife/Agence France-Presse — Getty Images)

Abajo vemos una escena de “Tanzabend” en Wuppertal-Alemania- en Junio 2009.
(Foto: Rolf Vennenbernd/European Pressphoto Agency)

Danzantes ensayando la obra “Tanzabend” en la casa de  Opera en Wuppertal, Alemania, en Junio 2009.
(Foto: Rolf Vennenbernd/European Pressphoto Agency)

Hasta siempre.

Carlos Tigre sin Tiempo (CTsT)

Las voces de la iluminacion en el arte Islamico

Una exposición en el museo metropolitano de arte en New York trata sobre el mistico arte del Islam o Persa, representado en algunas fotos que presentan objetos de arte, a continuación:

Un plato de reflexiones de Irán de principios del siglo 13. (arriba)

Foto: Brooklyn Museum

“Una magnifica figura y un Dervish,” por Isfahan.

Si bien la política mundial ha hecho el Islam parte de nuestra conciencia, sabemos poco sobre el sufismo y su larga historia. El término “Sufi” probablemente se deriva de una palabra árabe de la lana. Algunos seguidores del sufismo se denomina “dervishes”, un término relacionado con una palabra persa para pobres.

Foto: Metropolitan Museum of Art

Un tazón de vino inscrito con los nombres de los 12 imanes Shica del siglo 16-17.
Parece probable que el Sufismo inicialmente , unos pocos siglos después de la muerte del profeta Mahoma en el 632 dC. Facilitó el regreso a la alternativa de los fundamentos extravagantes de los primeros tribunales islámicos imperiales.

Foto: Brooklyn Museum

Una página manuscrita del Corán a la luz – es decir, en las tintas de oro y plata en una hoja de pergamino teñidas de azul – es la exposición de la obra más antigua, que data del siglo 10 al 11. Visto a la luz de las velas. las palabras, que describen la recompensa del Paraíso, contra el oscuro terreno como en las constelaciones de un cielo nocturno.
Foto: Museo de Brooklyn

Layli Visita a Majnun en la arboleda, una página de un manuscrito indio del siglo 17 .
Anhelo espiritual se expresa a menudo en términos de atracción erótica. Una de las grandes novelas de la literatura popular árabe fue la de Romeo y Julieta y  el cuento de Majnun y Layla, quienes se enamoraron.
En muchas repeticiones de la historia, Majnun es un prototipo de los sufíes que se ha convertido, en palabras del poeta Farid al-Din Attar, “un cadáver, un No existente corazón y un alma alejada y chamuscada”, un ego reducido por el amor a una ceniza en el brazo de Dios.
Foto: Museo de Brooklyn

Una estrella de ocho puntas de baldosas de Irán.
Para algunos seguidores la pobreza espiritual es más que una condición física, y  la misma podría ser suntuosa: un plato de la suerte con incrustaciones de plata y joyas; coranes en dorado encuadernaciones, que reflejan la luz reflejada en los azulejos para decorar tumbas.
Foto: Museo de Brooklyn

Arriba observamos una de las piezas en la galería de Brooklyn. Su reinstalación Islámica es un gran pintura que data del siglo 19-20 y representa la batalla de Karbala, un episodio violento en la disputa entre las ramas chií y suní del Islam, y en el que Husayn ibn Ali , un piadoso nieto del profeta, murió como un mártir.

Foto: Museo de Brooklyn

El Sufismo es una parte muy importante de cualquier definición del Islam de hoy. “La oración de Piedra 5″ por Pouran Jinchi consiste de “transparencias” que la Sra. Jinchi tomó de piedras talladas de un santuario chiíta. La Sra. Jinchi ha añadido las palabras de la oración escrita una y otra vez, su repetición es el equivalente físico de la práctica Sufi de recitar constantemente los nombres de Dios.

Foto: Pouran Jinchi/Art Projects International

*Traducido y resumido por CTsT

Con la ceguera tiene otra vision de sus dibujos

Un joven pintor, John Bramblitt, de 37 años, quedo ciego el año 2001, cuando estaba en sus 29 años, por una enfermedad de origen desconocido. Aunque se sospecha que dicho origen puede haber empezado cuando el tenía dos años de edad y tuvo un ataque cerebral lo cual lo condujo a un diagnostico de epilepsia.

A pesar de que la ceguera le robo sus ilusiones juveniles de ser un escritor y pintor; sin embargo se esfuerza por corregir eso de alguna manera; a pesar de su ceguera y la falta de entendimiento de sus metas, lo cual siendo ciego no le ven sentido. Pero el se defiende diciendo que un ciego tiene una vision diferente e las cosas y que son validas de tratar de representarse graficamente de alguna manera…

John reflexiona que él al perder su visión, también perdió su libertad, lo cual le duele más. El se siente atrapado en su propia mente…

Dice que el aprovecha las auras que su epilepsia le permite visualizar y allí comienza a pintar…eso le permite visualizar el brillo de los colores

Bramblitt debe tomar diariamente su medicación para evitar sus ataques de epilepsia, los cuales  han disminuido considerablemente y la pintura es uno de los factores importantes que lo han ayudado en esa mejora de su salud.

* Traducido y resumido por CTsT  (NYT, 17 Febrero 2009)

Una lección y una proeza del arte primitivo

A continuación veamos una interesante exposición de arte primitivo el cual fue filmado por Sara Krulwich del “The New York Times.”

Holland Cotter escribió:

“El espectáculo, una obra maestra en pantalla, no sólo es una mina de oro de datos históricos y un conocedor de las delicias,sino también un recordatorio de cómo evolucionan las percepciones – unos pocos decenios atrás todo lo que aquí se denominó” arte primitivo “.

Una figura masculina de rodillas de Malí.
Foto: Sara Krulwich/The New York Times

Un rostro en madera de Costa de Marfil del siglo XIX (arriba)

Foto: Barbier-Mueller Museum

Un asiento Bamum.
Photo: Sara Krulwich/The New York Times

El poder de la figura: Nkisi Nkondi de la republica Democratica del Congo.

Foto: Sara Krulwich/The New York Times

Exposición de Arte Africano y oceanico del museo ” Barbier-Mueller Museum, Geneva”

“Figura ecuestre: Retrato de un Jefe,” de Sumatra en Indonesia (arriba)

* Traducida y resumida por CTsT.

Hasta siempre

Carlos Tigre sin Tiempo (CTsT)

Arte con Botones desde España

Una barcelonesa de 40 años hace arte con botones encontrados en cajones

Otra manera de expresar arte con botones. Se expone en Bellvitge Art exposiciones que se realizan en el Hospital Universitario de Bellvitge de L’Hospitalet de Llobregat una exposición de cuadros original y realizada desde otro punto de vista artístico ya que esta realizada con botones. Cuadros abstractos con botones sacados, como dice su autora Gloria Garcia de “El Calaix de L’Avia” (El cajón de la abuela) título de su exposición.

Gloria Garcia barcelonesa de 40 años residente en L’Hospitalet de Llobregat ha plasmado su original arte con los botones que siempre hay por casa o en un cajón que no se utilizan y quedan olvidados.

Una manera original y diferente de hacer arte. Bellvitge Art es una serie de exposiciones de arte o fotograficas que se crean para entretener y distraer a los pacientes y familiares de los enfermos del Hospital Universitari de Bellvitge además de ser un handicap para los ciudadanos artistas que quieran mostrar sus obras.

* RAMON COSTA – L’Hospitalet de Llobregat – 12/06/2009

La renovacion del “Metropolitan Museum of Art” en New York

A comienzo de los años de 1970, cuando el museo Metropolitano de Arte (The Metropolitan Museum of Art) reveló un plan para crear su propio palacio de cristal en el Central Park — Un local lleno de vidrios como la primera foto que se muestra a continuacion-; Sin embargo la mayoría de las autoridades de aquel tiempo se opuso. Incluso lo llamaron “una violacion del parque central” de New York ( a rape of the Central Park)

Pero, la perseverancia hizo que en los años de 1980 se logrará construir dicho local en un area de 136,000 pies cuadrados, siendo un area mayor que la de muchos otros museos, incluyendo su colección de esculturas, pinturas y demás objetos de arte.

 Recientemente se esta renovando o actualizando para estos tiempos. El proceso completo de renovación tendrá un costo de $100 millones de dolares y se espera que todo este terminado en el año 2011 (La primera fase de este proceso comenzó y terminó el año 2007)

A continuacion veamos algunas fotos que muestran este proceso:

Linda Borsch, trabajando en el mantenimiento de la escultura de titulo, ”Las dos naturalezas del hombre” (“The Two Natures of Man”) por George Gray Barnard.

El “Vanderbilt Mantel” por Augustus Saint-Gaudens.

Abajo vemos una de las lamparas de estilo frances, diseñadas por Richard Morris Hunt.  Un par de estas lamparas estaban a la entrada del museo en los años de 1970.

 

Trabajadores instalando, “Amor Caritas,” por Augustus Saint-Gaudens.

El Cuarto Hart

El cuarto Verplanck

La señora Mandrus trabajando en las barras de apoyo en las ventanas diseñadas en 1867  por Henry Sharp llamada Fe y Esperanza (“Faith and Hope”).

El señor Hawkes trabajando en la decoración de las columnas del Tiffany’s Laurelton Hall home.

La figura de un aguila (The “Figure of an Eagle”), 1800-1830.

* Datos y fotos obtenidos de NYT- 4 de Mayo del 2009