la literatura “tiene mucho que ver” con las matemáticas

El escritor chileno Pablo Simonetti, que dejó su carrera de ingeniero para dedicarse a la novela, aseguró hoy que la literatura “tiene mucho que ver” con las matemáticas, ya que ambas disciplinas “construyen un mundo a través de axiomas”.

El chileno, de 46 años, apuntó que la sociedad actual “ha entregado a los otros el poder de juzgar”.

El autor, que se encuentra en Buenos Aires para presentar en la Feria Internacional del Libro su última novela, “La razón de los amantes” (Planeta), explicó en una entrevista con Efe que de hecho decidió cambiar su oficio para así volver al estado de abstracción del que disfrutaba cuando estudiaba matemáticas en la universidad.

“Prefiero no estar en el mundo, mantenerme en casa y que el mundo exterior sea como una luz que entra a una habitación, como a un nivel íntimo”, dijo.

Simonetti, que con su última obra ha revalidado el éxito de público y crítica de su primera novela, “Madre que estás en los cielos”, afirmó que no le preocupaba el posible triunfo o fracaso gracias a que tiene en su casa “un lugar donde volver”, algo que, a su juicio, debería tener todo el mundo.

El chileno, de 46 años, apuntó que la sociedad actual “ha entregado a los otros el poder de juzgar”, lo que acaba por determinar por completo la vida del ser humano si no tiene un referente propio al que aferrarse.

En su última novela, el autor plantea cómo afecta la ruptura de los convencionalismos a un matrimonio sumido en la rutina, que se interna en el mundo de la pasión prohibida cuando un moderno abogado entra en sus vidas y comienza una aventura con el marido.

A pesar de que la transgresión ocupa un lugar privilegiado en la trama, Simonetti estimó que los convencionalismos “no son necesariamente negativos en épocas de cambio” y que su ausencia puede llevar incluso a que el hombre se sienta perdido.

“Los valores llevados a ultranza son negativos, pero si eso se lleva al extremo del no valor el hombre se encuentra en una situación de orfandad”, dijo.

“La razón de los amantes” tiene como telón de fondo la llegada a Chile del Gobierno socialista de Ricardo Lagos (2000-2006), el regreso del ex dictador Augusto Pinochet y la caída de las empresas “punto com”, una respuesta a la necesidad que tiene Simonetti de insertar sus historias en el mundo que le rodea, confesó.

“Me resulta muy difícil no representar el mundo en mis novelas, ya que me emociona que la gran historia pueda influir en la pequeña historia” que viven los personajes, aseguró el chileno.

En contra de la tendencia cada vez más extendida de considerar muerta a la novela, Simonetti le augura una larga vida, al menos “hasta que la sospecha del ser humano crezca a tal nivel que no pueda absorber una ficción”.

El autor destacó la “belleza” del proceso que hay que seguir para hacer que el lector se crea lo que está leyendo, y apuntó como posible causa de los malos augurios para la novela el hecho que se haya quedado atrás en el proceso de pérdida de la figuración que han experimentado las demás artes.

El oriundo de Santiago de Chile, al que se le consideró un valiente por confesar públicamente su homosexualidad, opinó que América Latina aún se encuentra “un paso por detrás” de otros países como España en cuanto a los derechos de las minorías sexuales.

Así, explicó que en Chile la condición sexual todavía puede ser un problema para progresar profesionalmente en el ámbito privado, y que a gran parte de la clase política les horroriza la idea de que las parejas gays adopten hijos.

A pesar de todo, Simonetti aprecia los cambios, y alaba los logros conseguidos en México, Brasil y Argentina. “Soy ampliamente optimista, y Latinoamérica camina rápido”, sentenció.

* EFE (28 abril 2008)

Jovenes artistas mujeres en New York

La primera foto es de la Vanguardista (The Avantgardist), Amy Smith Stewart (32) quien quiere representar el fin de su niñez de una forma en que se sienta orgullosa.

En la segunda foto (abajo) vemos a la expresionista (The Expressionist), Siobhan Lowe (28), quien nos muestra algunos de sus cuadros.

En la tercera foto podemos ver a la globalista (The Globalist), Fabienne Stephan (32) presenta sus obras en el suelo; pues se adapta mejor a su propio lenguaje.

En la foto final podemos ver a un par de artistas, definidas como las realistas modernas (The Modern Realists). Ellas son Megan Bush (a la derecha) de 36 años y Heather Stephens (38). A sus espaldas podemos ver sus obras respectivamente.

La frase en Ingles de este par de artistas dice textualmente en castellano: “Nosotras tenemos diferentes gustos en música y ropa, pero en cuanto al arte estamos de acuerdo en todo.”

Hasta siempre.

CTsT.

Fotos y comentarios de la visita del Papa a USA

La semana pasada vino el mayor lider de la Iglesia catolica, el Papa Benedicto XVI, a visitar a sus fieles cristianos de la Iglesia Cristiana en USA. Su objetivo principal, sin duda alguna, fue limpiar la cuestionable actitud de los lideres de la Iglesia Catolica, ante los numerosos casos de abuso sexual de algunos de sus sacerdotes en USA. Y lo peor de todo esto fue el inexplicable encubrimiento de las maximas autoridades de dicha iglesia, que conocían de dichas condenables acciones y no actuaron con prontitud y severidad. 

El papa fue recibido respetuosamente por el presidente Bush, quien también esperaba levantar un poco su disminuida aceptación por el pueblo USA. En estos dias parece que no le fue muy bien en las actuales votaciones realizadas en todo USA sobre la evaluación de su gobierno.

El papa,Además de tratar de limpiar un poco los terribles errores de algunos de sus sacerdotes, busco dar algunos mensajes de Paz, Unión y justicia entre todas las personas. Incluyendo algunas reuniones privadas con algunas de las personas violadas por sacerdotes y lideres de otras Iglesias como Musulmanes, judios, Budistas y otros Cristianos No católicos.

Los Catolicos que asistieron a los eventos donde participo el Papa manifestaban su alegría y emocion como podemos ver en las diversas fotos que publicó aquí y que pertenecen a los dias 16 al 20 de abril 2008.

Las fotos arriba mostrados han sido tomadas alrededor de la catedral de San patricio (St. Patrick¨s) en el corazón de New York.

A continuación veremos el estado actual de la “Zona cero”. Lugar que antes fueron las bases de las torres gemelas, destruidas por un ataque terrorista el 2001. Allí el papa (pope) hizo una oración por las victimas de tan triste y recordado acto.

Finalmente el papa oró por todas las personas para que vivamos en paz y justicia e hizo un exhorto especial para los Hispanos en USA, que en su mayoría son Católicos.

Yo no soy católico, pero me parece correcto que todos los diferentes lideres religiosos hablen de buscar una vida mejor, donde la paz, justicia y solidaridad sea una norma de conducta. Ojala que los lideres religiosos sean los primeros en dar el ejemplo con acciones concretas que puedan  servir de ejemplo y guia positiva para todos sus fieles.

Hasta siempre.

CARLOS Tigre sin Tiempo (CTsT)

Inauguran escuela de cocina peruana en Miami

La cocina peruana va escalando lugares importantes en la gastronomía mundial. La Universidad San Ignacio de Loyola, inaugura la primera escuela culinaria peruana en Miami con una inversión de dos millones de dólares.


(causa, plato emblemático de la culinaria peruana)

En directo, vía tecnología virtual, desde Miami con la presencia del presidente de la OSIL, Raúl Diez Canseco y de los chef Diego Macher y Peter Haessler, se transmitirá este miércoles 23 la conferencia de prensa denominada: “Escuela Don Ignacio Lo Mejor del Perú”.

Dicha actividad será transmitida desde la ciudad de Doral, evento que reunirá a autoridades y empresarios locales, a horas 4:30 pm (hora de Lima), y podrá ser apreciada en la Escuela de Chef del Campus USIL- sito Av. La Fontana 550 La Molina.

El Nuevo Herald de Miami, ha destacado en su publicación la presencia de la escuela de la OSIL, con una nota donde se destaca la importancia de la culinaria peruana.

 

* RPP (22 de Abril del 2008)

“Panes del Perú” elegido como el mejor libro del mundo

El Perú, no solo tiene una gastronomía reconocida mundialmente, sino que su panificación es una de las más ricas y variadas, destacó Andrés Ugaz Cruz, autor del libro “Panes del Perú: el encuentro del maíz y del trigo”, que ha sido elegido por la Gourmand World Cookbook Award como el Mejor libro sobre panes en el mundo.

Dicho galardón se obtuvo en Londres, tras una reñida competencia entre 26 mil libros de cocina y vinos que se publican cada año en el mundo, y con el cual la mencionada organización distingue a quienes “cocinan con la palabra”, ayudando de esa manera a los lectores, a encontrar los mejores libros de cocina.

Andrés Ugaz, connotado chef e investigador, agradeció el apoyo de la Corporación E. Wong y de la Universidad San Martín de Porres, coeditores de la publicación, así como de los auspiciadores; y dijo que recibía el premio “como un estímulo para seguir investigando”.

La obra, que se gestó durante tres años, contiene un registro fiel de la historia de la panificación en 12 regiones del país, y señala que el pan resulta ser el eslabón que vincula la arqueología con la gastronomía, y que el encuentro del maíz y el trigo es otra muestra del mestizaje enriquecedor entre dos culturas. “El pan no reemplaza una comida, sino que la acompaña y la prolonga”, puntualizó el autor.

Agregó que el consumo per cápita de pan en el país es de 28 kilos al año, uno de los más bajos de la región, pues en Argentina y Chile están por los 90 kilos anuales.

Destacó que el contenido nutricional del pan se puede enriquecer con cebada, quinua, maca y zapallo loche, por ejemplo, y con insumos locales. Una muestra de ello es la variedad de sabores y colores de panes que existen en el interior del país.

“Debemos vincular la panificación con la gastronomía en una propuesta más rica y fuerte como país, así como dignificar al panadero, certificar su trabajo, que en las escuelas de cocina se les enseñe cómo hacerlo mejor”, señaló al tiempo de resaltar que el Instituto Peruano de Gastronomía busca brindar certificación a los panaderos empíricos.

También dijo que la Cadena Productiva del Pan tiene una propuesta sobre elaboración de ese alimento en nuestro medio, que contempla prepararlo con un 50% de trigo importado, 30% de trigo nacional y 20% de un insumo local.

* RPP (15 de Abril del 2008)

Consuelo Ginnari Expone sus “circulos venezolanos” en Perú

El círculo, símbolo ancestral presente en la mayoría de culturas como indiscutible emblema de la unidad y perfección, protagoniza enfáticamente la nueva producción de la destacada artista venezolana Consuelo Ginnari.

“Circulares”, la undécima muestra individual de Ginnari y la primera que presenta en el Perú, puede ser visitada hasta el 10 de mayo en las Salas 1, 2 y 3 de la Galería Artco en el distrito de San Isidro.

La artista caraquense expondrá once lienzos en técnica mixta y tres series de polípticos en los cuales será posible apreciar una evolución en su lenguaje plástico hacia el uso del color, pues las telas de tonos neutros logradas con tenues capas de grises y blancos, abren sus posibilidades hacia una paleta equilibrada y vibrante donde destacan el rosa, guinda y amarillo.

Se advierte, además, el empleo de fotografías captadas en Lima como parte de algunos collages que componen algunas de las series a exhibirse.
La obra de Ginnari es fundamentalmente simbólica. Hay en ella una vehemente preocupación por congregar la multiplicidad de símbolos atávicos ligados a la espiritualidad y generar en cada tela una unidad.

Es por ello que la reiteración del círculo se hace contundente, al simbolizar el eterno retorno y la inminencia de lo cíclico en todos los aspectos de la vida.

La presencia reiterativa de la forma circular en sus composiciones, responde también a un ejercicio meditativo emprendido por la artista durante el acto creador.

Utilizando diversos alfabetos (latino, hebreo, etc.) y números, imágenes de objetos esféricos, recipientes, frutas con formas circulares (peras, manzanas, etc.), formas geométricas, entre otros elementos; Ginnari se refiere a la condición del ser humano como receptáculo de una herencia espiritual primigenia y común a todos.

Consuelo Ginnari (1950) realizó sus estudios de arte en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas Cristóbal Rojas de Caracas, Venezuela, entre los años 1965 y 1969.

Continuó su formación en la Heatherley School of Fine Arts de Londres (1978-1980). Ha ejercido la docencia en las especialidades de dibujo, pintura y artes decorativas por 23 años.

Desde 1972 ha participado activamente en diversas muestras colectivas y salones en Venezuela y Estados Unidos, destacándose su intervención en la Feria Iberoamericana de Arte FIA, en Caracas (2001, 2003 y 2004).

 

* RPP-Perú (25 abril 2008)

Visualización del dolor por el arte contemporáneo

Recientemente se presentó algunas obras, en New York Times, sobre como representan el dolor de la vida de los humanos, algunos artistas contemporaneos. Veamos algunas de ellas a continuación:

La primera es la conocida pintura de nuestra conocida Frida Khalo, destacada pintora mexicana.

La siguiente escultura representa el dolor crónico. –Mark Collen

En el otoño del 2000, desarrolló el dolor facial, crónico y severo. Esta dominación del dolor arrasó todo sentido de un ser interior. La “resonancia” empezó como un esfuerzo de estructura y la distancia al yo mismo de una existencia arrolladora.–Susan Gofstein

Photo: Pain Exhibit

Esta pintura representa a las personas que sufren de fibromyalgia (sindrome de fatiga crónica).  Una persona que sufre esos desordenes parecxe saludable exteriormente y es dificil de detectar por otras personas. –Dana Harrell-Sanders

A veces cuando la medicina contra el dolor no sirve y el dolor de los nervios se hace horrible, rasgandome por la pierna inocente. Coloco en mi atrapada cama, atrapada por el dolor. Yo siento el temor, atemorizado por el dolor que nunca me dejará. Atemorizado porque me volveré loco. Grito a pedir clemencia de Dios. ¿Qué he hecho merecer este destino? Yo me siento como un hombre inocente condenado. Estoy atrapado en una jaula de dolor.

Yo no puedo tolerar otro segundo. Trato un escape desesperado empujando mi cara por las barras, pero no puedo irme. Estoy atrapado en el infierno. –Mark Collen

El centro de la pintura representa seis figuras, todo tiene mi cara. Cada uno expresa varios aspectos del dolor: la angustia, la rabia, la autocompasión, la depresión, etc. El fondo revela cuán complejo el mundo en que una víctima crónica del dolor debe aguantar y debe sobrevivir. Cuándo mi mamá me preguntó acerca de la rueda de andar en la izquierda superior, yo la dije que es cómo yo hago por pasar los días. Debido a mi desorden de migraña yo he sido negadoa tener una vida normal. Comparto el apuro de millones de víctimas crónicas del dolor. –Thomas Gebauer

Photo: Pain Exhibit

En la meditación hay hay momentos de alivio de la angustia emocional o sólo un estado general de la enfermedad. El proceso de rendirse es extremadamente dificil para mi porque la labor de rendirme ha afectado a mi vida integral. –Pia Walker

Photo: Pain Exhibit

Esta pieza o pedazo se esfuerza por ser una representación visual del dolor; de la angustia, de físico y emocional, que aflige las causas al individuo que lo experimenta. El pedazo tiene un mensaje positivo en que mientras el dolor puede debilitar y poder dañar; el individuo todavía puede quedarse fuerte, a pesar del ataque del dolor por dentro. La estructura azul representa al individuo y las puntas rojas simbolizan el dolor. También, el pedazo expresa la idea de que el dolor empiece de un lugar interior y oculto, enteramente contenido dentro de la persona que lo experimenta, muchos de los efectos del dolor como depresión, incapacidad y la disfunción se extienden fuera del individuo. –Georgia Davidson

Photo: Pain Exhibit

Tenor Juan Diego Flores se casó en Lima

Lima-Perú: fue una fiesta por el matrimonio de Juan Diego Flórez y la modelo australiana Julia Trappe.

Sus ochocientos invitados venidos del todo el mundo celebraron la boda del año hasta las 6 de la mañana, según contó Miguel Molinari, íntimo amigo del tenor peruano y promotor de la ópera en nuestro país.

El Museo Pedro de Osma en Barranco fue el escenario de la lujosa recepción, donde se reunieron figuras como el director del Teatro Real de Madrid y el director del Metropolitan Opera House de Nueva York. Además de figuras locales como Vanesa Saba, Celine Aguirre, Claudia Bernizon, Gonzalo Iwasaki, Carlos Thorton, entre otras.

Molinari, en declaraciones a RPP, destacó que se trata de un acontecimiento histórico, pues es la segunda vez que se realiza una boda en la catedral de Lima. La ocasión anterior fue en 1949 cuando contrajeron matrimonio la princesa alemana Hilda Marie Gabrielle de Baviera con el peruano Juan Bradstock Lockett de Loayza.


“Es la primera vez en la historia que un Cardenal (Monseñor Cipriani) oficia una boda. Y Juan Diego se lo merece por representar al país y ser un embajador del Perú en el mundo”.

Las gracias de Juan Diego

Momentos después del enlace, el tenor Juan Diego Flórez afirmó sentirse emocionado y agradecido por las muestras de cariño que tuvo por parte de la gente que presenció su matrimonio en la Basílica Catedral de Lima.

(En la primera foto-abajo- vemos al presidente del Perú: Alan Garcia y su esposa Pilar Nores. La foto que le sigue, el hombre del pelo blanco en primer plano es el alcalde de Lima quien les dió una recepción al destacado tenor y su esposa)

“En verdad me emociona, además de habernos casado, cuando sales y ves algo que no te lo esperas (la emoción de la gente) y te llena de emoción”, dijo a la prensa.

Indicó que antes del matrimonio se sentía nervioso por su matrimonio con Julia pero eso desapareció una vez que fueron declarados marido y mujer y dijo sentirse “contento”.

Por su parte, Julia Trappe calificó de increíble el cariño que brindó la gente que rodeó la Catedral a la nueva pareja de esposos, quienes tuvieron un breve recorrido por la Plaza Mayor de Lima para ingresar a la Municipalidad de Lima.

En este Link podemos ver un breve video de los flamantes casados:

http://www.rpp.com.pe/detalle_120680.html

* RPP (6 abril del 2008)

El collar más antiguo de América

Un equipo de arqueólogos descubrió en Perú un collar de oro que, dice, es el más antiguo que se ha encontrado en las Américas. El collar de 4.000 años es el más antiguo encontrado en las Américas.

El artefacto, descubierto cerca del Lago Titicaca, en el sur de Perú, tiene 4.000 años de antigüedad.

Según los arqueólogos el hallazgo demuestra que el uso de joyería de oro para distinguir a la gente rica e importante en la región comenzó mucho antes de que lo que se pensaba.

El hallazgo, que aparece publicado en las Actas de la Academia Nacional de Ciencias de Estados Unidos (PNAS), fue llevado a cabo por científicos del Departamento de Antropología de la Universidad de Arizona.

El collar de oro fue descubierto junto al hueso de la mandíbula de un cráneo adulto en una fosa cerca de Jiskairumoko, una aldea que existió en la región del año 3300 al 1500 AC.

El collar está formado por nueve abalorios cilíndricos hechos con pepitas martilladas de oro local. Por medio de datación por radiocarbono de materiales hallados cerca del collar, los científicos determinaron que éste tiene unos 4.000 años de antigüedad.

Lo que demuestra que éste es el artefacto de oro más antiguo recuperado hasta ahora, no sólo en los Andes, sino en las Américas.

Estatus Anteriormente ya se habían encontrado numerosos artefactos de oro en sitios arqueológicos de la región. Principalmente en los lugares donde se establecieron culturas caracterizadas por una sociedad de élites hereditarias y complejas economías basadas en redes de comercio.


Se cree que el oro fue aplanado y después doblado cuidadosamente para formar las cuentas.

En estas sociedades, dicen los autores, el oro era utilizado para demostrar el estatus social de la persona. Por eso la tradición de trabajar el oro había sido asociada exclusivamente a las culturas con complejas jerarquías sociales y políticas.

El nuevo hallazgo, sin embargo, demuestra que el uso del oro para distinguir a un individuo importante comenzó mucho antes de la aparición de estas complejas sociedades de los Andes. Tal como explican los arqueólogos el poblado de Jiskairumoko estaba habitado principalmente por cazadores.

Es decir, se trataba de una sociedad de productores de bajo nivel que llevaban una vida sedentaria. El lugar donde fue encontrado el artefacto cerca del cráneo sugiere que éste fue colocado en el cuello del adulto enterrado en la fosa.

No se encontraron herramientas en el sitio y no se sabe con exactitud el método como el collar fue fabricado. Pero los arqueólogos creen que el oro fue primero aplanado con un martillo de piedra y después cuidadosamente doblado alrededor de un objeto cilíndrico para crear su forma tubular.

Ésta, dicen los autores, “es la primera muestra de la práctica de metalurgia en los Andes y del surgimiento del papel social del oro más allá de la simple decoración”. Este “papel social” continuó durante los siguientes tres mil años demostrando el prestigio y la riqueza del individuo que lo portaba.

* BBC Ciencia

Alfredo Jaar, de Chile a África

En 1993, un fotorreportero sudafricano, Kevin Carter, tomó una imagen en Sudán que le dio la vuelta al mundo: un buitre parecía que estaba a punto de atacar a una niña famélica, desnuda, indefensa. La foto le valió un premio Pulitzer y el ensañamiento de algunos críticos, que lo acusaron de haberse comportado también como un ave de rapiña, por no haber ayudado a la pequeña. En 1994, Carter se suicidó. Tenía 33 años.

Dejó escrito que estaba “angustiado por las memorias vívidas de asesinatos y cadáveres, de ira y dolor, de niños pasando hambre o heridos, de locos que disparan por diversión, muchas veces policías, de verdugos”.

Las historias de la foto y de su autor confluyen, mediante proyecciones de textos casi telegráficos y de una destellante aparición de la imagen misma, en la instalación “The sound of silence” (“El sonido del silencio”), del artista chileno Alfredo Jaar, que se presenta en la South London Gallery de la capital británica.


 Alfredo Jaar, “The Power of Words” (“El poder de las palabras”), 1984.

Las imágenes son importantes y tenemos que entender las consecuencias de publicarlas y todo lo que ocurre alrededor de ellas Alfredo Jaar
“En esa obra, yo quise dedicar 128 metros cúbicos y ocho minutos a una sola imagen porque me parece que las imágenes son importantes y tenemos que entender las consecuencias de publicarlas y todo lo que ocurre alrededor de ellas”, le dijo Jaar a BBC Mundo.

“La vi cuando apareció por primera vez en el New York Times y me quedé una hora mirándola. No lo podía creer. La encontré extremadamente poderosa”.

Vea la fotografía tomada por Kevin CarterMostrar el horror “Cuando Kevin Carter se suicidó, me dije: ‘Aquí hay una historia extraordinaria y voy a hacer una obra con esto'”, nos explicó el artista. Un documental sobre la vida de Kevin Carter fue nominado para los premios Oscar en 2006.

“Escribí la obra inmediatamente después de su muerte y la empecé a crear, pero en esa época todavía no teníamos computadoras y usábamos proyectores de diapositivas. Lo hice un par de veces y lo abandoné”.
Catorce años después, gracias a las nuevas tecnologías, la instalación ocupa el lugar central de la exposición “Alfredo Jaar: Políticas de la Imagen”, que se presenta en una zona de Londres donde viven muchos emigrantes y refugiados africanos. “Cuando él se suicidó, hablaba de esta foto, pero en general de todo su trabajo, en el que se dedicó a mostrar el horror, la pobreza, la enfermedad, el hambre. Eso lo tenía a él muy deprimido”, dice Jaar.

“De hecho, el nivel de suicidio entre los fotorreporteros es muy alto porque son gentes que se dedican a ver los horrores del mundo y a tratar de mostrárselos a los demás”. “Él ya estaba bastante deprimido y se deprimió más con toda esta historia: lo atacaron por mostrar esa foto cuando, realmente, él quería que el mundo reaccionara ante tanta locura”.

“Como la gente se siente culpable de no hacer nada ante tanto horror, simplemente aquí atacaban al mensajero y no se dedicaban a estudiar el mensaje”.

Lazos emocionales Desde hace más de 20 años, Jaar es considerado como uno de los artistas más importantes de América Latina. Sus obras se han exhibido en las bienales de Venecia (1986 y 2007), Sao Paulo (1987 y 1989), Sydney (1990), Estambul (1995), Johannesburgo (1997) y Sevilla (2006), además de en Documenta (1987 y 2002) y en exposiciones individuales en el Nuevo Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York (2003), el Museo de Arte Contemporáneo de Roma (2005) y la Fundación Telefónica en Santiago de Chile (2006), entre otras.

En mayo de 2008, Jaar expondrá en Japón y en octubre en Milán, Italia.
A pesar de que ha hecho trabajos relacionados con América Latina y con Asia, cerca del 60% de su producción -según sus propios cálculos- tiene que ver con África “por varias razones, incluidas algunas muy personales”, le dijo a BBC Mundo.

“Yo viví, de los cinco a los 15 años de edad, en una pequeña isla francesa, Martinica, en un vecindario donde yo era el único niñito blanco y creé fuertes lazos emocionales con la raza negra”.
“Cuando, a los 15 años, regresé a Chile, experimenté un quiebre emocional muy fuerte porque había pasado toda mi niñez allí y hablaba francés y creole, y al llegar a Santiago tuve que empezar a hablar español”.

“Después me mudé a Nueva York, en 1982, y descubrí el mundo del arte, que era un mundo de ficción porque tal vez el 20% del planeta estaba representado y el resto no existía”.
“Fue así que comencé a mostrar realidades africanas, asiáticas y latinoamericanas, pero el énfasis ha sido más en África, donde las tragedias y las situaciones han sido más marginales y más difíciles que en América Latina”.

“Me interesa, sobre todo, la representación de África en los medios de información masivos”, nos dice. “Greed” (“Avaricia”, 2007) es una de las obras más recientes de la exposición.
La exposición de Londres incluye cuatro obras fotográficas, “The Power of Words” (“El poder de las palabras”, 1984), “Searching for Africa in Life” (“Buscando a África en Life”, 1996), “From TIME to TIME” (2006) y “Greed” (“Avaricia”, 2007), que invitan a explorar cómo las revistas Life, Time y Business Week tratan el tema de África en sus portadas.

Además, para una edición especial del periódico de la galería, el artista produjo una versión de su obra “Sin título (Newsweek)”, 1994, que forma parte del Proyecto Ruanda, que él realizó de 1994 a 2000.
“En ese proyecto, me dediqué a mostrar la indiferencia criminal del resto del mundo con respecto al genocidio ruandés, que dejó un millón de muertos”, dice Jaar.

“En esa obra específica, muestro como la revista Newsweek, que es una de las dos más importantes de Estados Unidos, desconocía o ignoraba, de manera barbárica o criminal, a mi juicio, lo que estaba ocurriendo en Ruanda, semana tras semana”.

“Mataron a un millón de personas en cien días y la revista les daba portadas a temas bastante triviales”. “Muxima” En una obra más reciente, el filme “Muxima”, que se mostró el año pasado en el Pabellón Africano de la Bienal de Venecia y ahora se exhibe en la South London Gallery, Jaar propone una manera diferente de relacionarse con el tema africano.

Estoy convencido de que se puede hablar de pobreza sin humillar de nuevo a la persona de la cual se está hablando. Se puede hablar de violencia sin violentar de nuevo a la víctima Alfredo Jaar
“Muxima”, que significa “corazón” en kimbundu, un idioma angoleño, es el nombre de una canción tradicional que él grabó en seis versiones distintas en Angola en 2004 y 2005. De su amor por la música africana, surgió esta película -de 36 minutos de duración- que reflexiona sobre el pasado colonial de Angola, las consecuencias de la guerra civil (1975-2002) en que murieron unas 500.000 personas y temas apremiantes en la actualidad como el SIDA o la producción petrolera.

“Es una película que da una visión general sobre Angola hoy día, pero, más que mostrar, evoca porque yo quería dar una impresión general, pero sin usar ninguna de las imágenes insultantes que normalmente utilizan los medios de comunicación masivos sobre África”, nos dice Jaar.

“Mi desafío era cómo mostrar África, con sugerencias y sin tener que insultar de nuevo, porque estoy convencido de que se puede hablar de pobreza sin humillar de nuevo a la persona de la cual se está hablando”. “Se puede hablar de violencia sin violentar de nuevo a la víctima. Se puede hablar de víctimas sin victimarlas otra vez”.

* Manuel Toledo de BBC Mundo

Tesoros textiles de cultura Paracas se exhiben en París

De belleza y variedad cromática incomparables, los textiles de la cultura de Paracas-Necrópolis se exponen en el Museo del Quai Branly de París en una muestra excepcional a doble título.

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 Dos exposiciones sobre arte precolombino peruano se exhiben en Francia.

De belleza y variedad cromática incomparables, los textiles de la cultura de Paracas-Necrópolis se exponen en el Museo del Quai Branly de París en una muestra excepcional a doble título.

Ante todo, porque los de Paracas son considerados unos de los más bellos textiles del mundo, pero también porque es “una primicia mundial.

Nunca antes salieron del Perú y fueron expuestas en el extranjero tantas piezas de esa cultura”, señala a la AFP Daniélle Lavallée, arqueóloga especialista de Sudamérica y comisaria de la exposición.

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La exposición “Paracas, tesoros inéditos del Perú antiguo”, que permanecerá abierta al público del 1 de abril al 13 de julio próximo, permite admirar 84 piezas de unos 2.000 años de antigüedad, 46 de ellas textiles, procedentes del Museo Nacional de Arqueología Antropología e Historia del Perú.

Cuarenta y tres de esos textiles, esencialmente mantos fúnebres, que hoy pueden ser admirados en toda su majestad, han podido ser restaurados gracias a un programa de cooperación franco-peruano que llevó dos años de trabajo.

“La restauración fue financiada por el Museo del Quai Branly, pero íntegramente realizada por los restauradores del Museo Nacional de Lima”, recalca Lavallée, que señala la delicadeza y pericia de ese trabajo, cuyas etapas el visitante puede seguir paso a paso en un vídeo que acompaña la exposición.

La cultura de Paracas se desarrolló en la costa sur de Perú entre 100 AC y 200 DC, pero no fue descubierta hasta en los años 20.

En ella, como en todas las civilizaciones del antiguo Perú, “los textiles desempeñan un papel particular, y generaciones sucesivas los adoptan como símbolos de identidad y como elementos esenciales de los ritos religiosos”, lo que los convierte en “fuentes de información fundamentales” para comprender las sociedades que los fabrican, explica Lavallée.

Además, “en Perú, el textil es el origen del desarrollo de todas las artes plásticas” y de él nacen los estilos que se expresan después en la cerámica, el metal o la escultura en piedra”, agrega.

La exposición en París se inicia con una introducción que explica la situación geográfica de la península de Paracas y las principales características de la cultura, situándola en el contexto histórico de las civilizaciones preincaicas.

Tras ello, el ritual funerario de Paracas-Necrópolis es evocado mediante la reconstitución de un fardo funerario junto al cual se exponen los objetos y ofrendas que lo componen.

Una vez el contexto explicado al visitante, el cuerpo principal de la muestra deslumbra por la belleza de los mantos funerarios, ponchos, túnicas y turbantes delicadamente bordados con una gran riqueza cromática.

“Hay en ellos 190 tonos distintos”, indica Lavallée, señalando que “los tintes se conservaron perfectamente” a través del tiempo. La comisaria de la exposición se extasía en la descripción de la variedad y complejidad de los motivos bordados, cada uno de los cuales se acompaña con un pequeño texto.

“No se trata de explicar lo que significa, sino lo que representa”, dice, evocando el misterio que rodea todavía muchos aspectos de la civilización de Paracas.

“La cabeza cortada es un motivo recurrente. A menudo fue interpretada como trofeo de guerra, por analogía con otras sociedades amerindias. Pero la
interpretación puede ser otra.

Las cabezas de Paracas tienen los ojos abiertos y sonríen, contrariamente a las de otras culturas. La especialista Anne Paul (que impulsó el proyecto de esta exposición antes de fallecer en 2003) pensaba que se trataba de cabezas de antepasados, cuya presencia se consideraba protectora”, explica Lavallée.

Piezas de cerámica y orfebrería completan la exposición y permiten al visitante comprobar el parentesco de los motivos. Al final, la muestra da cuenta de las circunstancias del descubrimiento de los textiles de Paracas por el arqueólogo peruano Julio C. Tello, y el impacto que tuvo en su época.

En complemento de la exposición, el museo parisino dedica otra muestra a Elena Izcue (1889-1970), pionera de las artes decorativas en América Latina y figura esencial del redescubrimiento del arte precolombino a principios del siglo XX.

* AFP (31 de marzo, 2008)

Arquitecto Frances ganó el premio Pritzker

Jean Nouvel, el audaz arquitecto francés conocido por sus proyectos desenfrenadamente diversos como el Teatro muscular de Guthrie en Minneapolis y el exóticamente louvered el Instituto árabe de Mundo en París, ha recibido el honor primero de la arquitectura, el Premio de Pritzker.

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El señor Nouvel, 62, es el segundo ciudadano francés de tomar el premio, concedido anualmente a un arquitecto vivo por un jurado escogido por la Base de Hyatt. (Cristian de Portzamparc de Francia lo ganó en 1994.)

“Por más de 30 años Jean Nouvel ha empujado el discurso de arquitectura y praxis a nuevos límites,” el jurado de Pritzker dijo en su citación. “Su mente inquisitiva y ágil lo propulsa para tomar los riesgos en cada uno de sus proyectos, que, a pesar de variar los grados de éxito, han ensanchado mucho el vocabulario de la arquitectura contemporánea”.

Al extender ese vocabulario, el Sr. Nouvel ha desafiado la categorización fácil. Sus edificios no tienen firma inmediatamente identificable, como las curvas de Frank Gehry o los atrios llenos de luz de Renzo Piano. Pero cada uno es un golpear distintivo, es la Torre de Agbar en Barcelona (2005), un color caramelo, de torre de oficinas en forma de bala, o su centro de congresos en Lucerne, Suiza (2000), con un suave techo delgado de cobre voladizo sobre Lago Lucerne.

“Cada vez yo trato de encontrar lo que llamo el pedazo perdido del enigma, el edificio del derecho en el lugar correcto,” dijo el Sr. Nouvel.
“El viento, el color del cielo, los árboles alrededor — el edificio no es hecho para ser muy hermoso,” él dijo. “Es hecho para dar la ventaja a los alrededores. Es un diálogo”.

El premio, que incluye $100.000 y un medallón de bronce, será presentado a Nouvel el 2 de junio en una ceremonia en la Biblioteca de Congreso en Washington.

Nacido en Fumel en Francia del sudoeste en 1945, Jean Nouvel quiso originalmente ser un artista. Pero sus padres, ambos maestros, quisieron una vida más fija para él. Al final ellos cedieron por la arquitectura.

A los 20 años, Nouvel ganó el premio mayor en una competencia nacional para asistir las Beaux-Artes de Ecole D en París. Cuando él tenía 25, había abierto su propia firma de la arquitectura.

El señor Nouvel cementó su reputación en 1987 con la terminación del Instituto árabe de Mundo, uno de los “proyectos grandes” que formo parte de la comision durante la presidencia de François Mitterrand. Una vitrina para el arte de países árabes, mezcla alta tecnología con motivos árabes tradicionales.

El diseñó un satélite del Museo de Louvre en Abu Dhabi, en los Emiratos Arabes Unidos, dando un techo abovedado superficial que crea el aura de una OVNI.

Antes idear un diseño, Nouvel dijo, que él hace investigación copiosa en el proyecto y sus alrededores. “La historia, el clima, los deseos del cliente, las reglas, la cultura del lugar, Las referencias de los edificios alrededor y lo que las personas aman de la ciudad”.

“Necesito el análisis,” él dijo, notando que cada persona “es un producto de una civilización, de una cultura”. El agregó: “Yo nací en Francia después de la segunda Guerra mundial. Probablemente el movimiento más importante cultural fue el Estructuralismo. Yo no puedo hacer un edificio si yo no lo puedo analizar”.

Aunque él llegue a ser conectado a sus edificios, Jean Nouvel dijo, que él entiende, como los seres humanos, crecen y cambian con el tiempo y pueden aún un día desaparecer.

“La arquitectura es siempre una modificación temporaria del espacio, de la ciudad, del paisaje,” él dijo. “Pensamos que somos permanentes. Pero nosotros nunca sabemos”.

* Traducido y resumido del New York Times, 31 de marzo del 2008
CARLOS TIGRE sin TIEMPO (CTsT)

Abajo podemos ver un trabajo Multimedia sobre este tema (en inglés) hecho por el NYT (New York Time)


http://www.nytimes.com/packages/html/arts/20080309_GUTHRIE_FEATURE/index.html

Arquitectura en Dubai

La ciudad arabe de Dubai, hace 12 años, desde contrató al arquitecto holandés Rem Koolhaas, soltó su concepto de “la ciudad genérica,” una metrópoli que extiende edificios repetitivos y se cifró en un aeropuerto habitado por una tribu de nómadas globales con pocas lealtades locales.

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Su argumento fue que en su uniformidad profunda, la ciudad genérica fue una reflejo más exacta de la realidad urbana contemporánea que las visiones nostálgicas de Nueva York o París.

Ahora él puede tener una ocasión de crear su propia versión.

Diseñado para uno de los reveladores más grandes en los Emiratos Arabes Unidos, Nakheel, el plan maestro de Koolhaas para el propuesto 1.5-billines de dolares.

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la Ciudad Situada a orillas en Dubai simularía la densidad de Manhattan en una isla artificial apenas del Golfo Pérsico. Una combinación de torres y declaraciones indescriptibles arquitectónicas, bravas y ocasionales, establecería Dubai como un centro de la experimentación urbana así como uno de las metrópolis crecientes más rápidas de mundo.

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Rem Koolhaas usa la estrategia, que muchos arquitectos se refieren a ella como el síndrome de Bilbao, y que reduce las ciudades a parques de atracciones temáticos de diseños arquitectónicos, que enmascaran una homogeneidad fundamental.

Su estrategia es de no rechazar la tendencia actual; pero trata de localizar cada potencial escondido o sin explotar, o cuando él lo pone. Así poder encontrar el optimismo en los inevitable.

En Dubai la arquitectura de Koolhaas parece haber combinado simplemente los dos conceptos, creando un híbrido del genérico y lo fantástico. El centro del desarrollo sería la isla, que sería dividida en 25 bloques idénticos.

* Traducido y resumido de NYT (3 marzo 2008)

¿Cómo Leer Pinturas chinas?

El Museo metropolitano exhibió desde principios del mes pasado el Arte de Xuan de Qian “Wang Xizhi que Mira los Gansos”. De su terraza, el mundo es azul y verde — montañas y árboles — o casi verde.

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La primavera está por el camino; los gansos regresan. Uno, entonces dos, se bajan en el río, con más todavía invisible pero muy de cerca. ¡El pabellón que vive! La única manera. Con la ciudad en algún lugar allá, y la naturaleza por todas partes arriba aquí, él mira la subida de la niebla. El río encuentra cielo.

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La anatomía de una Obra Maestra Museo Metropolitano del Arte “Wang Xizhi que Mira los Gansos,” tinta y color en un rollo de papel, pintado alrededor de 1295 por Qian Xuan y en la vista en “la Anatomía de una Obra Maestra: Cómo Leer Pinturas chinas.”

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El tranquilo observador es el erudito-artista del siglo IV Wang Xizhi, el padre de caligrafía y modelo clásicos para vivir una vida activa en la retirada. El es representado por el pintor Qian Xuan, otro conocedor de la reclusión, en un handscroll del siglo XIII en el Museo Metropolitano del Arte.

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El rollo está en “la Anatomía de una Obra Maestra: Cómo Leer Pinturas chinas,” una exposición sobrante y estudiosa que ofrece, junto con muchos estímulos, una retirada del tumulto material — el fervor religioso, la pompa cortesa, la auto-promoción expresiva — eso llena mucho del museo.

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Esta exhibición es también un refugio del tumulto de la Semana de Asia en Nueva York, que es ahora en sesión y ha crecido en tres semanas este año.

* Traducido y Resumido de NYT (14 marzo 2008)

Niños pasan la noche en Museo de Historia natural

En este reporte podemos ver tres fotos y un video, hecho por el New York Time (al último), donde podemos apreciar a un grupo de niños pasando la noche en el museo de historia natural en New York, como parte de un programa novedoso, en los museos de USA, que se quieren promocionar de manera diferente con los niños.

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El museo de Historia natural se encuentra en el Centro de New York (Manhattan).

Esta iniciativa también se obseva en otros museos como en el de Chicago, donde podemos ver la foto de un padre, quien lleva a su hijo a pasar una noche en el museo de historia natural de chicago (abajo)
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Finalmente, podemos ver un video (en Inglés) hecho por el New York Time, recientemente:

http://video.on.nytimes.com/?fr_story=0fa4c96178109bdb7c7e78bf3f9d47a983b15df4