Popeye, piolin, minie mouse y otros “Fósiles de dibujos animados” en un museo

Buscando algunas novedades en el mundo del arte en nuestro mundo actual descubrí algo interesante y singular, en el cual aparece el artista Filip Hodas (1) quien en reciente trabajo imagina un mundo en el que algunos de los personajes de dibujos animados más icónicos han seguido el camino de los dinosaurios.

(Popeye el marino soy…)

Es decir, presenta los esqueletos o fósiles de Popeye, Pluto, Minie y Mickie Mouse, RicoMcPato, piolin, etc.

(Piolin: Que lindo gatito…)

En este blog que almacena algunos artículos relacionados al arte y temas afines quiero almacenar algunas imágenes de Filip Rodas. Asimismo destaco algunas paginas culturales del arte actual en todas sus facetas o detalles singulares, que no son mías. Incluyendo una tienda online donde se venden algunos artículos originales. (2)

Filip Hodas le llamo a esta exposición como serie de “Cartoon Fossils”, donde ha creado representaciones en 3D que presentan los cráneos de personajes conocidos en caricaturas o dibujos animados.

Esta no es la primera serie en la que Hodas ha imaginado un mundo que se ha movido más allá de su universo actual de dibujos animados. Su serie titulada Pop Culture Dystopia presenta representaciones en 3D de un futuro postapocalíptico en el que los iconos de la cultura pop son reliquias antiguas. (3)

También hay personajes animados mas actuales como Bob Sponge:

Hasta siempre: Carlos Tigre sin Tiempo (C.V.P.)

(1)= https://www.behance.net/Filiphds?fbclid=IwAR0V-clYgeQ6sVWwuhDMP7ApPqOulZ7KOOc6f31nDeCcmrY1Y_pvyKs76to

(2)= https://mymodernmet.com/filip-hodas-cartoon-fossils/

(3)= https://mymodernmet.com/es/filip-hodas-cartoon-fossils/

Piezas esculturales, animatrónicas o criaturas extrañas.

Actualmente las artes, como la escultura, tiene diversas formas de mostrarse ante el publico que gusta el arte. Las únicas cosas que se pueden considerar comunes con épocas pasadas es la exclusividad, los precios altos y la originalidad que tiene con ver con la visión singular del escultor o su influencia de la forma que se acerca a los gustos humanos actuales. Al menos de un sector importante o que le interesa.

Así pude ver a algunos artistas que se encuentran en revistas de arte o exhibiciones exclusivas o diversas, que siempre se dan y/o actualizan sobre estos temas.

 Jordan Wolfson (1), un escultor de treinta y nueve años cuyo trabajo es representante de un tiempo caótico, enloquecedor y temeroso.

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“Female Figure”, que se estrenó en la galería de David Zwirner en Nueva York en 2014, es un simulacro de mujer de piel de silicona, manchada de suciedad, con una peluca rubia platino, un traje de stripper blanco y una máscara de bruja verde-negra con pico .  ¿La pieza expresaba misoginia o una crítica de ella? 

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El trabajo de Wolfson es propiedad de instituciones culturales y colecciones privadas en los Estados Unidos, Europa y Asia. El Museo Stedelijk, en Amsterdam, presentó una retrospectiva de Wolfson en dos partes en 2016 y 2017; el año que viene, se hará cargo del Kunsthaus Bregenz, el museo de arte contemporáneo más importante de Austria.

Los partidarios del trabajo lo ven como un comentario melancólico sobre un futuro de máquina solitario y esclavizado mutuamente, y un reflejo de la cáustica crueldad de los humanos.

Los detractores, de los cuales hay muchos, interpretan el trabajo de Wolfson como una expresión nociva de privilegio, apropiándose casualmente del dolor que parece poco probable que haya experimentado personalmente. 

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Algunos críticos en Nueva York consideran que Wolfson es la manifestación perfecta de los impulsos más desagradables de la vida en línea. “Al igual que Keith Haring y Kenny Scharf en la década de los ochenta encarnaban la cultura del arte callejero, equivalente a lo que es el trolling en Internet.

Kim Seungwoo (1976, Corea del Sur) es otro escultor moderno que con su circulo negro, ver fotos abajo, hace una interpretacion personal de lo que para el representa un circulo de 70 cm de diametro, en un ambiente oscuro y para ello uso metales como acero y cobre. El precio de su trabajo lo ofrece por $29,000.00 dolares.

Finalmente,  apreciemos otra escultura de Seungwoo, quien usando los mismos materiales , de acero y cobre, hace la estatua de la venus de milo con dimensiones de 202cm de altura, 60cm de ancho y 55cm de profundidad. Su precio es de $132,000.00 dolares.

 

Hasta siempre.

Carlos Tigre sin Tiempo (CTsT=CVP)

Datos adicionales:

(1)= https://en.wikipedia.org/wiki/Jordan_Wolfson

 

Arte socialista a precio capitalista

Aparentemente, los cuadros que representaban a musculosos trabajadores y campesinos para difundir la ideología soviética tenían que haber pasado a la historia junto con la URSS. Sin embargo, ha ocurrido justo lo contrario. El gobierno soviético desapareció hace tiempo, pero su arte sigue vivo. RBTH ha descubierto la razón por la cual el realismo socialista se ha convertido en uno de los géneros más demandados y caros en el mercado del arte contemporáneo.

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El 2014 podría considerarse el año del realismo socialista. A principios de año, la casa de subastas Sotheby’s inauguró en Londres una exposición sin ánimo de lucro bajo el nombre Soviet Art. Soviet Sport. La exposición contaba con unas 40 obras de realismo socialista, buena parte de los cuales pertenece al Instituto del Arte Realista Ruso de Moscú.

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En mayo, se inauguró en Londres una exposición del pintor soviético Víktor Popkov (que ya había pasado por Moscú y Venecia). Solo los primeros días recibió cerca de 3.000 visitas. La prensa incluyó esta exposición entre los cinco eventos más interesantes del momento en la capital británica. Lo que es más, se prevé que antes de que acabe el año se abrirá también en Londres un museo dedicado por completo al realismo socialista.
Por último, Sotheby’s subastó en junio una colección de realismo socialista de la Confederación Internacional de Artistas, una organización rusa heredera de las uniones profesionales soviéticas de artistas. Dos décimas partes de los trabajos obtuvieron unas valoraciones muy altas, alcanzando un importe total de 4,5 millones de libras.

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La jefa de la sección de pintura rusa de Sotheby’s, Frances Asquith, declaró: “En los últimos diez años se han visto relativamente pocos ejemplos de realismo socialista en el mercado con calidad de museo. Los coleccionistas entienden que el valor de este tipo de obras —como la de Georgui Nisskii, adquirida por el triple de su valor de tasación— reside en lo acertado de la composición y en la novedad de la paleta de colores, y no tanto en la exactitud con la que el artista plasma los principios del realismo socialista”.
Actualmente el realismo socialista está experimentando un renacimiento. El espectador está redescubriendo a pintores que dedican sus lienzos a musculosos deportistas, campesinos y trabajadores, así como a las manifestaciones y a la cotidianidad de las fábricas.

Historias accesibles al pueblo llano destinadas a educar en el espíritu socialista conformaron la corriente dominante en el arte soviético desde 1930 a 1980. El segundo gran principio de este método de expresión artística consistía, como escribían entonces, “en crear una representación veraz de la realidad basada en un momento histórico concreto”, lo que durante años excluyó del plano oficial todos los logros de la vanguardia rusa.
El gobierno no solo incentivaba a los pintores del realismo socialista con encargos estatales, viajes para fomentar la creatividad, premios y otros beneficios, sino que también los controlaba por medio de la censura.
El realismo socialista era, en esencia, una forma de propaganda, ideología concentrada en una expresión artística comprensible para todo el mundo. Su presencia durante largas décadas llegó a hartar tanto a los ciudadanos soviéticos que, tras el colapso de la URSS, desapareció de los museos y exposiciones durante 15 años. Se puso de manifiesto un cansancio psicológico generalizado de todo lo que estaba relacionado con la ideología soviética.
Pero en la década del 2000 la situación comenzó a cambiar: empezaron a aparecer coleccionistas interesados precisamente en esta corriente y las casas de subastas incluían este tipo de obras. Por ejemplo, la casa de subastas Sovkom —líder en el mercado del realismo soviético en Rusia— vendió en diez años más de 50.000 lotes y alcanzó los primeros récords de precio con los principales representantes de esta corriente como Deineka, Samojválov, Niskii, Bubnov, Plastov y muchos otros.
En Londres, Nueva York, Berlín, Frankfurt y Roma se han organizado y se siguen organizando exposiciones de realismo soviético en cuyas entradas se concentran invariablemente largas colas.
En Minneapolis se ha abierto un museo de arte ruso en el que se expone la colección de Raymond Johnson, un destacado artista norteamericano que fue de los primeros en detectar el potencial artístico del realismo soviético. En los años 90 compró por un precio simbólico los trabajos de numerosos pintores soviéticos, reuniendo la mayor colección de pintura realista rusa fuera de la URSS.
El realismo socialista en el mercado del arte

Millonarios rusos provocan un boom en el mercado del arte
Todo lo soviético se convirtió en objeto comercial en el periodo de la perestroika: el realismo socialista se vendía junto con las matrioshkas y los extranjeros lo percibían como algo exótico, algo kitsch.
Actualmente, según asegura el propietario de la casa de subastas moscovita Sovkom, Yuri Tiujtin, esa moda ya ha pasado entre los extranjeros. Sin embargo, hay coleccionistas y marchantes arte con una gran afición por esta corriente. Uno de ellos, el crítico de arte y galerista Matthew Boun, considera que el mayor logro del arte ruso en el siglo ХХ no es la vanguardia rusa, como se creyó durante muchos años, sino el arte del realismo socialista.
Según Tiujtin, entre los grandes compradores destacan actualmente los chinos, quienes están barriendo todo el mercado de académicos rusos como los Takachov, Ivanov, Ossovski, Maksímov, Moiseenko y Mílnikov.

“Ahora se pueden adquirir obras de museo a buenos precios”, aclara el experto. “Aunque el precio de las obras del realismo socialista se ha multiplicado por 10 y 20 en los últimos 10-20 años. Hablamos de un mercado de obras maestras, claro, pero también hay otro de cuadros más baratos, que rondan los 3.000-10.000 dólares. Entre los rusos, este segmento de mercado tiene una demanda constante: los motivos les resultan familiares y claros, una enorme cantidad de personas se educó con estos materiales”.

 

* Texto de RBTH, 10 Julio 2014

¿Muerte de los museos o cultura histórica?

Los museos son el archivo histórico o cultural de un país o pueblo. Son una fuente real de llegar a la verdad histórica de un país en todos los aspectos registrados o almacenados en los diversos museos.

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Cuando un museo muere es porque ya no tiene apoyo de su gobierno, no hay apoyo monetario en donaciones o el publico no asiste y contribuye con el dinero que paga en su entrada.

También pueden quebrar por mala administración del dinero o malas decisiones política económicas de sus gobernantes o hasta desastres naturales como terremotos, inundaciones, tornados, etc.

En USA se conocen algunos casos como el museo de arte metropolitano de Fresno-California en el 2010, lo cual se atribuyo a gastos excesivos en su renovación y a una caída de las donaciones.

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 Otros museos y/o institutos de arte, en estados como Detroit, han caído en bancarrota y pueden desaparecer.

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Sin embargo la mayoría de ellos persisten si la combinación local, donante y publico se mantiene en acciones de apoyo positivo hacia los mismos.

Por ejemplo, hay un pequeño museo en New York que fue usado hasta 1917, como corte y prisión de los reos de aquellos tiempos.

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Dicho lugar se mantiene abierto al publico y es un testimonio objetivo de la vida de la ciudad en el siglo XX.

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También hay museos sobre la historia de las computadoras, como el de California donde se aprecia como eran y funcionaban las primeras computadoras. Incluso apreciamos -abajo- como algunos coleccionistas compran algunas de estas antiguas PC a precios altos.

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Los museos que tratan sobre lo ocurrida en las ultimas guerras mundiales siempre son interesantes, llenas de coloridos, vehículos o artefactos militares diversos. Los escolares tienen una buena fuente de información histórica.

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 Asimismo para los estudiantes universitarios o técnicos pueden asistir a exhibiciones de barcos, submarinos, etc. Los cuales pueden revisar interior y exteriormente.

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Otro tipo de museos que dan mucha información sobre algún hecho o tiempo histórico son las fotografías como vemos abajo:

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También las exhibiciones con maquetas (ver abajo) son interesantes y didácticas para todos. Por supuesto que los estudiantes de arquitectura o ingeniería pueden usarlo como modelos didácticos o inspiración al hacer o diseñar sus proyectos.

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El arte, la pintura, escultura o exposiciones artísticas diversas siempre tienen acogida en un publico que valora la cultura, el conocimiento real o histórico.

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 Ojala mas personas entiendan esto y le dediquen un tiempo para visitar museos o exposiciones artísticas  lo cual no solo le servirá para obtener un buen nivel cultural o histórico  sino para motivar a los hijos a estudiar estos temas que lo acerquen a la verdad histórica o cultural de su país o el mundo.

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Hasta siempre

Carlos Tigre sin Tiempo (CTsT)

Pintura de Zeng Fanzhi se vendió por $23.3 millones

Una pintura de Zeng Fanzhi se vendió por 23.3 millones dólares USA en una subasta de Sotheby  la noche del sábado en Hong Kong , estableciendo un nuevo precio récord para una obra de un artista contemporáneo asiático.

La pintura de Zeng Fanzhi es titulado ‘ La última cena ‘ y se inspira en el mural de Leonardo da Vinci del siglo 15 con el mismo nombre.

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La gran pintura – casi 13 metros de ancho – se vendió después de una guerra de ofertas que duró más de 10 minutos entre dos compradores en el teléfono. Una multitud de 600 personas en una sala llena en el centro de convencion y exhibicion en Hong Kong  aplaudió varias veces ya que los precios aumentaron lentamente hasta el resultado final.

El ganador de la subasta no fue identificado por la empresa.

La obra que se vendio por los coleccionistas suizo Guy y Mariam Ullens , batió el récord asiático contemporáneo anterior establecido por la artista japonés Takashi Murakami con una escultura de nombre  “My Lonesome Cowboy “. Esa escultura  se vendió por  $15.100.000 dólares en una subasta de Sotheby en 2008.

Sotheby ‘s  es una casa de subastas dijo que vendió $ 1.3 billones en el arte contemporáneo del año pasado (2012) , frente a los $ 872 millones en 2010. 

” La última cena “, fue una de las 61 obras asiáticas modernas y contemporáneas de arte que se ofrecen en el 40  aniversario de la casa de subastas de operaciones en Asia. En total, 55 de las 61 pinturas y esculturas.

 

* Resumido y traducido de Jason Chow (WSJ), 6 Octubre 2013

 

Exposiciones diversas al 2012

De un conjunto de exposiciones diversas que pude ver el 2012 me parece que la siguiente recopilación de fotos y vídeos me queda de muestra y  recuerdo. Aunque reconozco  que hay muchos mas que no pude ver o publicar aquí.

En las primeras 4 fotos (abajo) vemos que el tema de la mujer, sus vestidos, adornos, apariencia sexy o desnudez ha  logrado gran publicidad en estos tiempos.

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Abajo vemos a Lara Kurtz (33) puede que no la quieran publicar en traje de baño en la revista “Sports Illustrated”; sin embargo en sus adornos si llama la atención a un publico femenino que gusta de usar o vestir estos adornos. También vemos la foto de una mujer aficionada, con los brazos cruzados, a la cerámica domestica…

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Diseñadores  y artesanos de cosas originales o exclusivas siempre tienen una oportunidad en lugares como el mercado “Astoria” de New York. En la foto de abajo vemos a Marijana Sprajc. También vemos un par de fotos periodísticas las cuales muestran exposiciones singulares en New York. 

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Abajo vemos a la serpiente del arco iris (“Rainbow Serpent”), mostrada en una exposición en Alemania. Fue hecha de cilindros de gasolina y reflejan a una serpiente comiéndose ella misma. Se le considera  un símbolo de suerte.

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Abajo vemos una curiosa exposición  donde un niño disfruta en ver a un robot dentro de un ambiente que le llamo la atención.

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A continuación un par de fotos que muestran como las piernas o los cuerpos sin cabeza  pueden ser obras artísticas. 

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Finalmente vemos adornos con rostros humanos.

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Hasta siempre.

CTsT

Arte urbano o clásico en Rusia

El Arte Clásico es muy rico y variado en la cultura rusa como podemos apreciar en varias fotos abajo; sin embargo existe otro tipo de arte mas moderno, el cual se le conoce como arte urbano o callejero el cual podemos verlo y apreciarlo en las ultimas fotos presentadas en este articulo, donde se usa como cuadros gigantes a edificios abandonados. Lo mismo comparto un vídeo de Youtube sobre este tipo de arte actual.

Dentro del arte ruso “popular” y conocido a nivel mundial tenemos a las gigantes y simpáticas matrioskas:

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Aunque todavía mucha gente cree que el arte solo es la pintura; sin embargo el arte abarca mas especialidades como la escultura, música y artesanía en ilimitadas formas que tienen relacion directa a la imaginación humana.

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A continuación vemos 5 obras de arte ruso clásico que pertenecen a la colección de Rostropovich-Vishnevskaya:

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Karl Bryullov: Retrato de Aurora Demidova.

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Gabinete en esmalte y cobre que data de finales de 1700.

 

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Una pintura de Vladimir Borovikovsky (arriba y abajo).

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Abajo vemos un tablero de ajedrez hecho de mármol y mosaicos que datan del siglo XIX.

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Al arte urbano también se le conoce como “El arte callejero” (ver fotos mas abajo) y a continuación veamos el siguiente vídeo de un pintor ruso:

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Hasta siempre

CTsT

Ai Weiwei revive lo que china olvida

Ai Weiwei es un original artista chino, quien, ademas, es un disidente político el cual trata de mostrar en sus obras las contradicciones de los políticos chinos como pueden ser una sociedad de economía moderna; pero no le dan una libertad a su población para acceder el Internet o a los medios independientes internacionales.

Por otro lado, la originalidad de Ai Weiwei es que usa su arte para mostrar su mensaje al mundo actual. A continuación veamos algunas de sus obras y fotos las cuales fueron vistas el 2012 en su exposición que realizo en el museo Hirshhorn en Washington (USA).

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Hasta siempre.

CTsT.

Para mayor información revisa este enlace: http://en.wikipedia.org/wiki/Ai_Weiwei

“El arte actual es decepcionante”

Pintor dijo no estar interesado en el arte contemporáneo y dio como ejemplo las obras del célebre Andy Warhol, que según su percepción no son de valor

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El artista plástico Fernando de Szyszlo calificó de “decepcionante” el arte actual. En entrevista con la Agencia Andina, el pintor, que viene presentando una muestra con obra inédita, dijo no estar interesado en el arte contemporáneo por poseer “conceptos que no tienen nada que ver con la pintura”.

Dio como ejemplo los cuadros de Andy Warhol, que alcanzan grandes cotizaciones pero que no son, en su opinión, valiosos.

“Cuando uno mira el arte fríamente, esos retratos de Marilyn Monroe o Mao Tse Tung de Andy Warhol no se explica cómo hay gente que puede pagar cuatro millones de dólares”, mencionó.

Fernando de Szyszlo

De acuerdo a su análisis, el público que compra este tipo de arte se siente entendido en la materia por adquirir piezas que sus amigos no comprenden y que les va a chocar.

“No hay que olvidarse que el urinario de Duchamp se expuso en 1917, hace casi cien años. Ahora ya a nadie le choca”, mencionó el artista.

El artista aseguró que cada vez hay más personas que se están dando cuenta de la pérdida de“profundidad y sentido, de significado” de las nuevas propuestas.

Indicó que autores como su amigo Mario Vargas Llosa en su libro La civilización del espectáculo o los textos del recientemente fallecido crítico de arte Robert Hughes comparten esta visión suya sobre el estado actual.

NADA TIENE PESO
Ante la pregunta de si el arte actual depende más del marketing que de otro aspecto, indicó que “es peor que eso”.

“El arte que se produce ahora, se ha perdido profundidad. Se ha vuelto todo light. La novela, la pintura. Nada tiene peso. Eso se ha extendido a la vida humana. El amor ni el sexo tiene peso. Ahora el sexo es una gimnasia”, precisó.

En opinión de Fernando de Szyszlo es una mala época para el arte y la civilización. Sin embargo, recuerda que periodos así ya se han vivido con anterioridad.

“El siglo XVIII es uno muy malo. Hay grandes pintores. Pero cuando uno ve a Boucher y a esos pintores de la corte de los Luises, son unos artistas insoportables. El único que ha sobrevivido es Antoine Watteau “, sentenció el artista.

* “El Comercio”, 9 Diciembre del 2012

Curiosidades artisticas 11 (Amanecer egipcio, vidrio y espacio)

A continuación vemos el detalle de una escultura egipcia de un templo que se muestra en el museo Metropolitano.

 

 Abajo vemos otra escultura egipcia de una mujer que data del primer faraón alrededor del ano 3,100 antes de cristo. Que también se exhibe en el Museo metropolitano de New York.

 

Abajo vemos la escultura de la dama de bruselas (aprox. 2695-2649 antes de Cristo), prestado por el museo Royal de Bélgica.

 

Abajo vemos 3 esculturas mas de esta exposición llamada “Dawn of Egyptian Art” (amanecer del arte egipcio) que se inicio en abril de este año en el museo metropolitano de New York. Arriba esta la estela de Raneb con un halcon en su parte superior (cerca de 2880 antes de Cristo), representando al Dios Horus. Abajo a la izquierda una mujer cerca del cuarto milenio antes de cristo y al otro lado un chacal.

 

La siguiente escultura, hecha en vidrio, se llama “Island Universe” (Isla del universo), realizada por Josiah McElheny

 

A continuación observamos una exposición de pintura espacial (“Painting in Space”), la segunda foto es la “flama violeta y oro” de Lauren Luloff. Finalmente en la tercera foto de este grupo (abajo) se aprecian una especie de alfombras que su autor las denomina “Mensaje en contexto.”

 

El escultor Tom Sachs ha creado una exposición de modelo de la misión a marte como se aprecia en la foto siguiente:

 

 Abajo se ve un grupo de pintores aficionados que tratan de imitar o aprender de los pintores consagrados…

 

Abajo vemos un cuadro que se presenta en la fundación de Filadelfia y se llama “Seurat’s Models over Cezanne’s Card Players.

 

Abajo vemos 3 objetos expuestos en el museo americano de arte Whitney, el cual es denominado las nubes (The Clouds) lo cual los críticos del arte lo califican como vivencias alucinantes de una vida humana frágil.

 

Finalmente apreciamos la escultura de un hipopótamo hecho, aproximadamente, 3650 anos antes de Cristo y se expone en el museo metropolitano , durante la exposición denominada: “El amanecer del arte egipcio.”

 

 Hasta siempre.

CTsT

La Primavera del arte Árabe

Primero fue el 11-S, después la Primavera Árabe y el derrocamiento de muchos regímenes totalitarios. El mundo islámico ha dado un giro radical en la última década y los cambios parecen imparables. Pero hayotra Primavera Árabe de la que se habla mucho menos, pero que también está presente y con mucha fuerza: hablamos del «boom» del arte islámico en todo el mundo. Basta con echar un vistazo a los grandes museos (LouvreMetropolitanVictoria & Albert) para poder constatarlo. Todos ellos atesoran importantes colecciones de arte islámico y recientemente han modernizado y ampliado sus espacios dedicados a él.

El premio es bienal y ésta es su segunda edición

Desde hoy y hasta el 15 de julio, Casa Árabealberga en su sala de exposiciones de Madrid(Alcalá, 62) una interesante selección de 22 obras de arte contemporáneo. Son las obras del ganador y los finalistas de un prestigioso premio, el Jameel Prize, que reconoce creaciones inspiradas en el arte, la artesanía o el diseño de tradición islámica. Se trata de una interesante iniciativa puesta en marcha por el Victoria & Albert Museum de Londres, en colaboración con la Abdul Latif Jameel Community Iniciatives, cuyo objetivo de enriquecer la visión de la cultura islámica en Occidente. Los artistas no tienen que ser musulmanes ni proceder de países islámicos. El premio es bienal y ésta es la segunda edición. Si las obras premiadas en la primera edición (2009) viajaron por seis museos de Oriente Medio, las de la segunda (2011) lo harán por Ocidente: París, Madrid y distintos puntos de Estados Unidos.

De la mano de Tim Stanley, comisario de la colección de Oriente Medio del Victoria & Albert -museo que atesora la mejor colección de arte islámico del mundo- y miembro del Consejo Científico del Museo del Louvre, y Sadia Touqan, co-comisaria de la exposición y especialista en arte contemporáneo y diseño de Oriente Medio, visitamos la exposición.

Los artistas premiados

El artista más joven presente en la muestra es Noor Ali Chagani. Nació en Pakistán en 1982; vive y trabaja en Lahore. Su obra escultórica «Infinity» se inspira en la pintura miniaturista mogola: en su caso la convierte en tridimensonal gracias a ladrillos en miniatura. Esta pieza reflexiona sobre la idea de la propiedad de la tierra, pero también sobre el concepto de cobijo y protección.

En el lado opuesto, la artista de más edad de la exposición es Monir Shahroudy (Irán, 1923). Vive y trabaja en Teherán. Esta octogenaria artista tiene una biografía fascinante. Se formó en Nueva York, trabajó con Warhol. Volvió a Irán y trabajó como consejera de Farah Diva. Cuando estalla la revolución en su país ella estaba en Estados Unidos. Su obra quedó confiscada o fue destruida. Quedó en el anonimato hasta que resurgió en la última década. Su obra se vio en la Bienal de Venecia y ahora vuelve a estar en activo. En la exposición vemos su obra «Birds of Paradise» (un mosaico hecho con trozos de espejo), inspirada en la pluma de un gorrión que se cayó en el balcón de su casa en Teherán.

Hadieh Shafie nació en Irán en 1983. Vive y trabaja en Estados Unidos. Presenta dos coloristas trabajos inspirados en los movimientos místicos del sufismo. Los sufíes utilizan el lenguaje del amor para describir la relación con Dios. Shafie escribe la palabra amor en sufí en miles y miles de tiras de papel enrolladas y colocadas unas juntos a otras.

(Libro de 260,000 paginas)

Hayv Kahraman (Irak, 1981) se exilió a los 11 años: vive y trabaja en Estados Unidos. Su obra es abiertamente de denuncia. Dos de sus trabajos pertenecen a una serie, «Baraja». Semejan cartas de una baraja en madera, de gran tamaño, y en ellas denuncia el trauma de la diáspora iraquí. En una tercera obra muestra a un león herido que escupe esas mismas cartas de la diáspora.

Rachid Koraïchi es el ganador del premio. Nació en Argelia en 1947 y vive y trabaja a caballo entre Túnez y Francia. En sus trabajos reivindica el trabajo textil como un medio tan digno como la pintura. En la obra premiada, «Los maestros invisibles», celebra las vidas y el legado de los catorce grandes maestros del sufismo. Está inspirada en los estandartes que llevan en las procesiones rituales. Es una llamada a la tolerancia.

 Sharifi mezcla con mucho humor pasado y presente de Irán

Soody Sharifi nació en Irán en 1955 y vive y trabaja en Estados Unidos. En sus trabajos se inspira en los manuscritos iluminados persas de los siglos XIV al XVII. Escanea estos manuscritos y crea collages digitales que denomina «maxiaturas». En ellas mezcla con mucho humor pasado y presente y pone sobre la mesa muchas de las contradicciones de la sociedad iraní. Así, en una de las obras aparecen mujeres desnudas bañándose (son las figuras originales), mientras que las mujeres actuales que incluye están en la piscina completamente tapadas. En otra obra es capaz de incluir un desfile de modas (fotógrafos incluidos) en una recepción en el salón del trono del Sha (harén incluido).

 

Bita Ghezelayagh (Italia, 1966) vive y trabaja entre Londres y Teherán. Encerrados en una vitrina se exhiben tres túnicas de fieltro, inspiradas en las capas tradicionales de los pastores iraníes. En ellas vemos colgados, a modo de objetos de protección, símbolos que retoma de la cultura popular de su país: coronas, tulipanes, llaves e incluso la imagen de un héroe de la guerra irano-iraquí.

De padres iraníes, Babak Golkar nació en 1977 en Estados Unidos. Vive y trabaja en Canadá. Esa dualidad biográfica Oriente-Occidente también está muy presente en su trabajo. En «Negotiating the space for possible coexistences, Nº 5», el dibujo en 3D sacado de una alfombra tradicional da lugar a un rascacielos. Tal como está expuesto en la sala, el propio rascacielos parece surgir de la alfombra.

El egipcio Hazem El Mestikawy (1965, vive y trabaja entre El Cairo y Viena) utiliza papel de periódico reciclado y cartón para hacer sus geométricas instalaciones escultóricas. «Bridge», presente en la exposición, está creado tanto por periódicos en árabe como en inglés. Una forma de simbolizar ese puente entre Oriente y Occidente, pesente en muchos de estos artistas, pero también un puente entre las tradiciones del Egipto faraónico y el Egipto actual.

Finalmente, Aisha Khalid (Pakistán, 1972), muy célebre en su país. Aborda en su trabajo las tensiones heredadas del pasado colonial de su país. Hoy mantiene dos lenguas oficiales: el urdu y el inglés. Parte de esta idea en su obra «Name, Class, Subject», una especie de libro escolar (mitad en urdu, mitad en inglés). Cada idioma comienza desde un extremo distinto. Otra de sus obras expuestas es un impresionante mantón tejido de Cachemira que cuelga del techo de la sala. Si lo miramos de frente es un bello y rico paño tejido en hilo de oro, pero por detrás está perforado por 300.000 alfileres chapados en oro, que simbolizan la agonía de la Cachemira ocupada. Esta región ha sufrido un largo conflicto entre Pakistán y La India.

 

* Por NATIVIDAD PULIDO / MADRID/ 18/04/2012

Exposicion de chicos malos en USA

Actualizando este Blog quiero publicar algo de mi material que no pude publicar antes, como esta singular exposicion denominada “Bad Boys” (Chicos malos) en la galeria Gagosian de  New York y con fotos tomadas por un fotografo del NYT: Josua Bright.

En la primera foto,abajo, vemos la cabeza de un toro con una expresion poco agradable, cuyo titulo es traducida como fin de una era (“End of an Era”) puesto por su autor: Damien Hirst’s.

En la segunda pieza ,abajo, vemos una espectacular “pared” con diamantes artificiales de diferentes tamanos y presentados en filas. Se dice que esta pieza se ofrece en 10 millones de dolares.

 

A continuacion vemos el detalle en un diamante trabajado para esta exposicion:

En la tercera pieza, abajo,  vemos una pieza llamada“Pig Pen” hecha por Sterling Ruby la cual engloba esta exposicion de los “Bad Boys”…


En la cuarta pieza y ultima presentada ,en mi blog, se aprecia una bus que servia para el transporte de presos a las prisiones y vean el cambio que le han hecho, incluyendo un sistema de luces y sonidos dentro del bus…

Creo que estas piezas exhibidas aqui nos dan una idea de porque el nombre de esta exposicion, y de porque el arte contemporaneo tiene tanta variedad en estos tiempos. Hay para todos los gustos…No lo creen asi??

Hasta siempre.

CTsT

Como funcionan las cosas para Damian Ortega

En una exhibicion en Boston-USA, a principios de Noviembre del 2009, Damian Ortega hizo una exhibicion de sus trabajos donde se pregunta:  ¿Cuál es la diferencia entre un artista y un mecánico?. De esta respuesta salen sus obras, las cuales presento algunas, a continuacion:


Arriba vemos a un Volkswagen 1989, desmantelado el cual uso para fundamentar su idea.

Abajo veamos un Video en You tube sobre la exhibicion de la foto inicial:

También tiene un lado serio que se hace evidente cuando se considera el estado del “Beetle” (escarabajo) como el coche del pueblo, y su historia de producción y consumo en México.

A raíz de los diagramas en el manual de reparación, el Sr. Ortega desmonta el vehículo y los componentes de la suspensión del techo. El resultado es una especie de sacrificio ritual. En las demás obras que conforman su “Trilogía Beetle”, el Sr. Ortega arrastró un vehículo con una soga y enterrado uno fuera de una fábrica de Volkswagen.


Damian Ortega, de 42 años, tiene su sede en Berlín, pero nació en la Ciudad de México. Ambos lugares ocupan un lugar destacado en su trabajo. En un breve vídeo que acompaña a la exposición, el Sr. Ortega cita paisaje urbano de Berlín de transición como una influencia importante. Pero sus materiales de arte – de tortillas a los escarabajos – a menudo son elementos básicos de la vida mexicana.
 

Las obras datan de 1996 hasta la actualidad y reflejan un dominio de la post-conceptual, bienal de lenguaje amistoso del círculo Orozco. Aun así, la cultura festival de arte es a veces un objetivo de humor irónico del señor Ortega. Cambios frecuentes en la escala de mantener las cosas interesantes.  (ver foto arriba)

 

la ultima foto (abajo) está escudriñando los granos de maíz numerados en “Clasificado Cob.”
También es fascinante la manera del Sr. Ortega se burla de los supuestos acerca de los objetos comunes cuando se trabaja con sus propiedades materiales. Para la escultura “Construcción del módulo Tortillas” (1998), que una torre de ingeniería arquitectónica de tortillas de maíz por la cocción a una crujiente y de asignación de fechas juntos.

 

Hasta siempre.

CTsT

Nota:

Para mayor informacion consulta este enlace fuente: (Ingles)

http://www.nytimes.com/2009/10/30/arts/design/30ortega.html

Coreografa alemana que reformo la danza (fotos)

Pina Bausch fue una destacada coreógrafa alemana, quien reforma la danza, mediante una combinación de un potente drama y movimientos de sueño. Pina murió el ultimo 30 de junio, a los 68 anos en Wuppertal, Alemania.

Abajo vemos una coreografía de Pina Bausc, en 1995, de la pieza “Café Müller” presentada en el Festival Avignon en Francia.

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Abajo vemos a danzantes en la produccion de  Gluck’s “Iphigenie auf Tauris”  en el festival internacional de Edinburgh en 1996

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Pina  Bausch nacio el 27 de julio de 1940, in Solingen, cerca de Düsseldorf-Alemania. Ella empezo a estudiar danza a los 14 en la escuela de  Folkwang  en Essen, la cual era dirijida por Kurt Jooss, la mas grande figura alemana de la danza antes de la segunda guerra mundial

Despues de graduarse en 1958 ella continuo sus estudios en USA. Abajo vemos a Ms. Bausch actuando en “Danzon” en Wuppertal en 2007. (Foto: Uwe Schinkel)

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Ruth Amarante y Jorge Puerta Armenta, abajo en Ms. Bausch’s “Nefés,” una exploracion de Estambul-Turquia, parte del festival de musica de la academia de Brooklyn en 2006.

(Foto: Stephanie Berger for The New York Times

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Miembros del “Tanztheater Wuppertal” actuando en “Nelken” (“Carnations”) in Wuppertal, Alemania en 2008.
(Foto: Uwe Schinkel)

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Bailarinas ensayando “The Rite of Spring” en Julio 2007 en el festival frances de Avignon.
(Foto: Anne Christine Poujoulat/Agence France-Presse)

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Clémentine Deluy en “Bamboo Blues” en 2008. Esta es una secuencia de la poderosa danza inspirada por la cultura india. Incluye proyeccion de videos y musica de los indios contemporaneos. (Foto: Angelos Giotopoulos)

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Otra escena de “Orfeo and Euridice” en el amtiguo teatro Epidaurus en Grecia en Julio 2008.
(Foto: Evie Fylaktou/European Pressphoto Agency)

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Danzantes realizando la pieza “Wiesenland” en el teatro de la Ville en Paris en enero 2009.
(Foto: Franck Fife/Agence France-Presse — Getty Images)

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Abajo vemos una escena de “Tanzabend” en Wuppertal-Alemania- en Junio 2009.
(Foto: Rolf Vennenbernd/European Pressphoto Agency)

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Danzantes ensayando la obra “Tanzabend” en la casa de  Opera en Wuppertal, Alemania, en Junio 2009.
(Foto: Rolf Vennenbernd/European Pressphoto Agency)

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Hasta siempre.

Carlos Tigre sin Tiempo (CTsT)

Arte con Botones desde España

Una barcelonesa de 40 años hace arte con botones encontrados en cajones

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Otra manera de expresar arte con botones. Se expone en Bellvitge Art exposiciones que se realizan en el Hospital Universitario de Bellvitge de L’Hospitalet de Llobregat una exposición de cuadros original y realizada desde otro punto de vista artístico ya que esta realizada con botones. Cuadros abstractos con botones sacados, como dice su autora Gloria Garcia de “El Calaix de L’Avia” (El cajón de la abuela) título de su exposición.

Gloria Garcia barcelonesa de 40 años residente en L’Hospitalet de Llobregat ha plasmado su original arte con los botones que siempre hay por casa o en un cajón que no se utilizan y quedan olvidados.

Una manera original y diferente de hacer arte. Bellvitge Art es una serie de exposiciones de arte o fotograficas que se crean para entretener y distraer a los pacientes y familiares de los enfermos del Hospital Universitari de Bellvitge además de ser un handicap para los ciudadanos artistas que quieran mostrar sus obras.


* RAMON COSTA – L’Hospitalet de Llobregat – 12/06/2009

La obra de Rafael Guastavino, que cambió la imagen de Nueva York

La obra del arquitecto valenciano más importante del siglo XIX, Rafael Guastavino , que cambió la imagen de Nueva York, se exhibirá en el Aeropuerto de Valencia con motivo de la inauguración de la nueva línea que conecta Valencia con la ciudad estadounidense, según informaron fuentes de la Generalitat en un comunicado.

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Al respecto, destacaron que los espacios que construyó en el cambio del siglo XIX al XX son ahora parte inseparable de la iconografía urbana americana, y sus obras están consideradas fragmentos indiscutibles del Patrimonio Arquitectónico del país americano.

La exposición es fruto de un acuerdo de colaboración entre el Consorcio de Museos y Federación de Empresas de la Comunidad Valenciana de Contratistas de obra pública (Fecoval) para promocionar de la figura de este importante arquitecto valenciano.

La muestra está integrada por un total de 120 fotografías actuales e históricas, y material documental norteamericano de alcance global que refleja el momento histórico en el que este arquitecto y su compañía desarrolla su actividad.

Desde Generalitat destacaron que esta exposición ya obtuvo una gran acogida entre el público en el momento de su inauguración convirtiéndose en una de las más destacadas de la programación expositiva del Consorcio de Museos. Previamente, estuvo expuesta en la sala gótica del Centro del Carmen durante los primeros meses del año, donde batió récords de asistencia, con más de 60.000 visitantes.

A través del acuerdo con Fecoval, el Consorcio de Museos exhibe ahora la muestra en el Aeropuerto de Valencia donde estará a disposición del público, quedando abierto el camino a nuevas itinerancias.

Rafael Guastavino está considerado uno de los arquitectos españoles de mayor proyección internacional, sobre todo en EEUU gracias a sus innovaciones técnicas. Es autor de más de 1.000 edificios y en su conjunto más de 3.000 intervenciones en Estados Unidos, en su mayor parte en Nueva York, explicaron las citadas fuentes.

Metropolitan Museum, Columbia University, Grand Central Terminal, Federal Reserve Bank, en Nueva York, Harvard University y Boston Public Library en Boston, National Museum, the National Academy of Science, the National Archives, en Washington, iglesias en toda la geografía estadounidense, se cuentan entre los edificios y conjuntos en los que participó junto con los arquitectos de más prestigio profesional del momento y que ahora son parte inseparable de su patrimonio arquitectónico. Cuando en febrero de 1908 fallece Rafael Guastavino i Moreno The New York Times publicó una necrológica en la que lo describe como “el arquitecto de Nueva York”.

Nacido en Valencia en 1842, Rafael Guastavino Moreno se traslada a Barcelona en 1861 para comenzar sus estudios en la Escuela de Maestro de Obras de la Ciudad Condal. Comienza su trayectoria profesional como constructor y arquitecto en 1866, antes de haber terminado sus estudios, indicaron.

Despertar industrial de Nueva York

Según la comisaria de la exposición, la historiadora Mar Loren, “sus primeras obras responden al acelerado crecimiento de la ciudad y su despertar industrial, concentrándose en el mercado de las arquitecturas residenciales burguesa del ensanche y en la construcción de contenedores para las nuevas actividades industriales”.

Rafael Guastavino presenta en los inicios de su carrera sus ideas en exposiciones nacionales e internacionales, buscando conscientemente una proyección de sus primeros trabajos en España.

Su llegada a Estados Unidos con su hijo en 1881, la fundación de su propia Compañía Constructora en 1888, la modernización del sistema tabicado cerámico y su proyecto empresarial desembocan en la reinvención de un nuevo tipo de espacios públicos para la metrópolis americana moderna. Sus formas cerámicas abovedadas cualifican el espacio colectivo y se introducen en la nueva realidad estadounidense.

En 1883 comenzó su carrera profesional en Estados Unidos, cinco años después funda su Compañía constructora y dos años más tarde abre su propia fábrica de productos cerámicos, manteniendo durante los primeros años la doble actividad profesional de arquitecto y constructor como traslación de su concepción integradora de diseño arquitectónico y construcción.

A partir de 1886 abandonó el ejercicio de la arquitectura y su trabajo como constructor se convierte en el vehículo definitivo para integrarse en el mercado.

Para Mar Loren, “los Guastavino son testigo de la redefinición de la identidad nacional que tiene lugar en el cambio de siglo XIX al XX, con un cambio profundo de su población que desde este momento se caracterizará por una nueva diversidad étnica y religiosa llegada de todos los rincones del mundo en busca del sueño americano.

Diversidad, cultura y una nueva conciencia colectiva junto con el primigenio y sagrado poder del dinero son parámetros que conforman las políticas de identidad nacional y van a dar forma a la ciudad moderna estadounidense”.


* EFE , 13.06.09