El primer animal alterado genéticamente y aprobado para comer: Salmon

Un salmón que nunca se ha visto en la naturaleza, pero crece dos veces más rápido que el salmón regular se acercó a las estanterías y los menús de los restaurantes.

Un salmón atlántico patentado que incluye material genético de otras dos especies de peces, ha sido objeto de controversia durante años, pero ya la Administración de Drogas y Alimentos de los Estados Unidos, dijo que sus científicos habían considerado seguro para que los humanos lo coman.

El salmon es el primer animal modificado genéticamente, la agencia se ha iluminado general para el consumo humano. (1)

La Administración de Alimentos y Drogas ha otorgado la aprobación regulatoria para el salmón modificado genéticamente, diciendo que la “alimentos del pescado es segura para comer”.

Aquabounty Technologies es una empresa de biotecnología con sede en Maynard, Massachusetts, Estados Unidos. La compañía es notable por su investigación y desarrollo de peces genéticamente modificados. Su objetivo es crear productos que tengan como objetivo aumentar la productividad de la acuicultura.

El salmón alterado por genes puede tener problemas para ganar algunos consumidores y minoristas que desconfían de los peligros potenciales ambientales y de salud de comer animales modificados genéticamente. Aquí es de qué se trata todo el alboroto. (2)

¿Es segura de salmón genéticamente modificado para comer?

La FDA dice que sus científicos evaluaron rigurosamente datos extensos presentados por el fabricante, aquabounty Technologies y otros datos revisados ​​por pares “y determinó que el salmón es seguro para comer tanto para los humanos como para los animales. No hubo diferencia, desde una perspectiva de seguridad, entre comer salmón cultivado y comer salmón de Aquadvantage.

La mayoría de los estudios en los que los animales comían alimentos modificados genéticamente no muestran ningún efecto serio para la salud. Un pequeño número de estudios sugiere en posibles problemas, pero la investigación sobre la seguridad a largo plazo para los humanos es escasa.

¿Sabré qué salmón se modifican genéticamente y cuáles no?

No necesariamente. No hay regulación en los Estados Unidos que requieren que las empresas etiqueten organismos modificados genéticamente (OGM) como tal. Eso significa cualquier indicación para los consumidores que un alimento está alterado genéticamente sería voluntario. Pero la FDA emitió recomendaciones sobre cómo las compañías deben tener en cuenta los cambios genéticos en caso de que elijan hacerlo.

¿Qué otros alimentos de GMO están aprobados?

La mayoría de las remolachas de maíz, soja, algodón y azúcar, así como algunas alfalfa, papas, papaya y otros cultivos, que se cultivan en los Estados Unidos están diseñados genéticamente para producir mayores rendimientos o resistir las plagas y la sequía. Hasta el 80% de los alimentos procesados ​​vendidos en los Estados Unidos contienen OGM.

¿A qué sabe el sabor de salmon alterado por genes?

Aquabounty dice que es indistinguible el sabor del salmón de cultivo.

¿Por qué algunas personas se oponen a OGOS?

Los oponentes tienen varias preocupaciones. Primero, las alteraciones genéticas podrían cambiar la planta o el animal de maneras que podrían ser perjudiciales para las personas que lo comen. Finalmente, el salmón de Aquadvantage se cría en contenedores, no en la naturaleza, pero si las nuevas especies se abrieran en ríos y océanos, por ejemplo, algunos se preocupan de que podría alterar el entorno existente.

¿Cambiará los genes dañar el pescado?

Los datos no están claros en esto todavía. Los estudios han demostrado que los peces alterados genéticamente tienden a comer más para apoyar sus genes que promueven el crecimiento, pero Aquabounty dice que su salmón consume un 25% menos de alimento que el salmón atlántico.

En cuanto a la gastronomia sobre los pescados en general y el salmon en particular puedo decir que con un buen cheff, cocinero o persona especializada en cocinar pescados, podemos degustar un agradable almuerzo. Por ejemplo, abajo veamos las fotos de un par de platos que podemos degustar con salmon como protagonista:

(Salmon al natural , con vegetales, limon, tipo sushi. Japon)
(Salmon ahumado con puré con papas amarillas, ají, zumo de lima, perejil, tomate, cebolla picada, alcaparras, sal y pimienta al gusto. Peru)

Hasta siempre.

Carlos Tigre sin Tiempo (C.A.V.P.)

(1) = https://es.wikipedia.org/wiki/Salmo_(g%C3%A9nero)

(2) = https://time.com/4134365/the-first-genetically-altered-animal-is-approved-for-eating/

Teatros locales cambian de giro o se venden en LI-NewYork

En estos tiempos del uso intensivo del internet, telefonos inteligentes y otros dispositivos con tecnologia de punto estan desplazando al Cine, TV, Radio y Teatros clasicos hasta hace poco tiempo; salvo que ellos se actualizen y usen app en dispositivos modernos o se creen empresas como Netflix o TV al gusto y tiempo del usuario hasta por su telefono. La radio musical clasica, con empresas como Spotify estan siendo desplazadas.

En cuanto al teatro parece el mas vulnerable o dificil de actualizar; salvo los teatros shows como en Broadway, New York, que son casi como atractivos turisticos obligatorios de visitar para cualquier turista nacional o internacional.

Volviendo a esta noticia se trata de un pueblo en long island (New York) en el cual debido a una poca asistencia, bajos ingresos y altos impuestos que se debe pagar estan haciendo que el teatro deSmithsonian se venda y probablemente cambie de giro.

* CTsT=CAVP

Veamos algunos detalles de la noticia traducida y resumida: (*)

El ex director ejecutivo del Consejo de Artes Escénicas Smithtown, que posee el Teatro sin fines de lucro, ha puesto la propiedad a la venta por $ 1.6 millones en medio de una disputa con los líderes de la Junta de la Organización.

Kenneth Washington dijo la semana pasada que el Consejo le debe más de $ 90,000 en alquiler de devolución por usar el teatro los últimos 10 meses. El presidente de la Junta, Mike Mucciolo y el vicepresidente, Keith Blum, disputaron esa figura, diciendo que Washington había aceptado una reducción de la renta durante la pandemia, que cerró temporalmente el Centro Smithtown para las artes escénicas y cortó radicalmente sus ingresos.

“Estoy vendiendo el edificio porque tengo 66 años y quiero liquidar mis activos para poder pasar al siguiente capítulo de mi vida”, dijo Washington en una entrevista telefónica la semana pasada.

Después de 18 años de producir con orgullo y presentar entretenimiento en vivo en Smithtown, me he trasladado a Carolina del Sur”.

La compra es “la única forma en que nosotros, como junta, puede garantizar que este teatro vaya a durar mucho más allá de todos nosotros y puede ayudar a esta comunidad para obtener más generaciones”, dijo Blum.

El teatro-cine es único y alberga de 10 a 12 producciones de escenarios infantiles y principales al año, junto con eventos especiales y clases de niños. Durante la pandemia, la programación cambió al aire libre a la sociedad histórica de Smithtown.

El listado de ventas con Jack Jawdat en New York Commercial Bienes Raíces describe el edificio de 360 ​​asientos, de 8,600 pies cuadrados de 1933.

En un recorrido por el teatro, mostraron daños por agua en las paredes, ventanas de vidrieras rotas y adornos externos que faltan. Mucílico dijo que el edificio necesitaba $ 250,000 en reparaciones.

Según la presentación del IRS de mayo, los ingresos anuales más altos del Consejo en los últimos cinco años fueron de $ 1.4 millones en 2019. Esa figura incluye ventas de boletos, regalos y subvenciones.

Según los registros de propiedad y las solicitudes del IRS, Washington compró el teatro en 2001 por $ 405,000 de un circuito de teatro de artistas unidos a través de una compañía de responsabilidad limitada, Smithtown Theater Holding Company.

Él y su esposa, Laura, fueron empleados asalariados de la organización sin fines de lucro. La organización sin fines de lucro pagó la empresa de holding $ 73,750 en alquiler en 2020.

La portavoz de Smithtown, Nicole Garguilo, dijo que los líderes de la ciudad vieron la supervivencia del teatro como esencial “basado en un récord comprobado con pueblos vecinos (Patchogue, Babylon, Riverhead), todos los cuales tienen centros de artes escénicas. “Necesita un ancla para atraer el tráfico de pies a la economía local, y además de eso, tiene innumerables jóvenes que van allí para clases de actuación, audiciones, actuaciones, muchos artistas talentosos que salen y continúan para perseguir a las carreras”.

Hasta siempre

Carlos Tigre sin Tiempo (CAVP)

Explore el campo de 500,000 tulipanes en la granja Manorville


La primavera ha llegado, en la forma de medio millón de tulipanes plantados en una granja de Manorville en Long Island, New York. Se estan preparando para el segundo festival anual de tulipanes de la granja. A continuacion se muestran, en fotos recientes, lo que pueden esperar los visitantes. (1)

Manorville en mapa Long Island, New York.

Pero antes de ver Algunas de las fotos veamos un resumen de como se cosechan los tulipanes en granjas en los Países Bajos (Holanda)

Un crucero por los tulipanes en los Países Bajos es una excelente opción de vacaciones de primavera. Docenas de barcos fluviales navegan por los canales y ríos de los Países Bajos y Bélgica desde mediados de marzo hasta mediados de mayo, ofreciendo a los huéspedes la oportunidad de ver los espectaculares tulipanes y otras flores de bulbo de la región.

Los cruceros visitan grandes ciudades como Ámsterdam , Amberes y Bruselas , junto con pintorescos pueblos a lo largo de las vías fluviales. Sin embargo, el mayor atractivo para la mayoría de los visitantes de primavera son los tulipanes, y verá muchos de ellos en uno de estos viajes de 7 a 10 días.

Los cruceros de tulipanes siempre incluyen una excursión de medio día a los famosos Jardines Keukenhof , que se encuentran cerca del aeropuerto de Amsterdam. Estos jardines solo están abiertos durante seis u ocho semanas cada año cuando florecen las flores de bulbo, y los agricultores exhiben sus mejores tulipanes con la esperanza de que los horticultores aficionados y profesionales compren sus bulbos. Es un lugar colorido y sorprendente para pasar el día.

Además de visitar Keukenhof y conducir por el campo para ver los campos de flores florecientes de bulbo, es divertido caminar por los mercados de flores en Amsterdam para ver los paquetes de tulipanes a la venta. ¡Son tan encantadores que uno no puede evitar preguntarse cómo se empacaron tan perfectamente! Por lo tanto, visitar una granja de tulipanes de propiedad familiar y observar todo el proceso de cosecha y preparación de los tulipanes para la venta es una gran oportunidad de aprendizaje.

Solo los bulbos de tulipán se cosechan de los campos de Munster, pero también tienen grandes invernaderos donde crecen y procesan flores de tulipán cortadas entre finales de diciembre y principios de mayo de cada año. Los tulipanes para flores cortadas se cultivan en invernaderos para que los agricultores puedan controlar la temperatura de almacenamiento desde el momento en que se cosechan los bulbos a fines del verano hasta que se cosechan.

Durante la cosecha de verano, los Munsters venden muchas de sus bombillas, pero almacenan entre 7 y 8 millones de bulbos de tulipán en almacenamiento en frío, con el primer millón de bulbos plantados a mano en el invernadero a principios de diciembre. El ciclo de vida de los tulipanes en el invernadero dura aproximadamente tres semanas, con un millón de tulipanes procesados ​​por ciclo de tres semanas. Esto equivale a cosechar, procesar y agrupar 80,000 a 100,000 tallos de tulipanes por día durante esta temporada de cuatro meses de flores cortadas.

Los Munsters tienen alrededor de 20 personas que trabajan cada día en los invernaderos. Cuando el trabajo se traslada a los campos, el número de trabajadores se duplica.

Al final del ciclo de crecimiento de tres semanas en los invernaderos, los tulipanes se levantan a mano con los bulbos unidos y se colocan en estos carros. Esta es una parte importante del proceso porque aproximadamente 1 pulgada del tallo está rodeada por el bulbo.

Cuanto más largo sea el tulipán, mayor será el precio, y esta pulgada agrega un centavo al precio de cada tallo. Un centavo no parece mucho, pero representa $ 70,000 a $ 80,000 cada año para la granja.

Como se señaló anteriormente, solo se cortan las flores, dejando el tallo y las hojas. Las flores cortadas se destruyen ya que no tienen olor, por lo que no se pueden usar para perfumes. Es importante que los agricultores eliminen las flores de los campos ya que si se depositan en el suelo, los mohos o las enfermedades podrían agravarse.

Al final del verano, los bulbos se cosechan, utilizando maquinaria sofisticada que puede cosechar alrededor de dos hectáreas de bulbos por día. Antes de que se inventara esta máquina, llevó todo el verano desenterrar las bombillas a mano.

Las visitas son de 9am hasta las 5pm. La entrada es 15 dolares por personas; aunque los ninos pequenos entran gratis. (2)

Hasta siempre

Carlos Tigre sin tiempo (C.V.P.)

(1)= https://www.google.com/search?newwindow=1&sa=X&hl=en&sxsrf=ALeKk0198EKagOVqE9tKA0CFcxnFCWy3xg:1619475365578&q=long+island+tulip+festival,+waterdrinker+family+farm+%26+garden,+april+26&stick=H4sIAAAAAAAAAA3JQQqDMBAAwFPBS6H0BUuhPRQhJkWb-oG-Y02iLCYbiVHxO31pPc1hiuJaiCCqXaf1dhaDkDJ9urpr3vy8j6YVPhrMFFkYynuOG7fLZGIgHsCtjvPcXZRuKiVR10pbfKH8nb4-Hk-zR7aQF08T9G7OtKIvYcPskk3Eo0vQYyC_H6QADxgwWccl4JTIg2r-2tam6p4AAAA&ved=2ahUKEwjjyozv95zwAhWrGFkFHdupDFgQri4wJ3oECBUQBg&biw=1600&bih=700

(2)= https://www.newsday.com/lifestyle/long-island-events/waterdrinker-farm-tulip-festival-1.50184690

Mujeres creadoras de un jardin para todas las edades

Historias culturales como esta que se pueden clasificar como cultura historica; ademas de hechos singulares como nos explican que hace un siglo, el diseño del paisaje era un mundo de hombres. Pero dos mujeres crearon un jardín para todas las edades.

El jardín de Dumbarton Oaks en Washington-Georgetown, es uno de los grandes jardines de Estados Unidos, conocido por los diseñadores de paisajes e historiadores de todo el mundo, apreciado por un grupo protector de vecinos, pero generalmente no tan conocido como merece ser en la capital de USA. El jardín está abierto al público. (*)

¿Qué me gusta del jardín? Casi todo. El diseño, los árboles, las salas del jardín, la artesanía, los cimientos intelectuales y las referencias históricas, y el hecho de que el paisaje es tanto de variedad como de unidad. Si alguna vez un jardín fue una obra de arte, es esta.

El conjunto de 16 acres es tan refinado que trasciende el período en el que se hizo, pero debemos dejar de lado esta cualidad atemporal por un momento y reflexionar sobre sus orígenes y las dos mujeres notables, mecenas y diseñadora, que lo crearon como un hace siglo.

Mildred Bliss y su esposo, Robert Bliss, compraron la propiedad en 1920; la diseñadora, Beatrix Jones Farrand, la visitó por primera vez en 1921, pero no expuso su visión del jardín hasta 1922. Le tomó el resto de esa década alcanzar la forma que ahora reconocemos, y las principales adiciones al complejo de casas y algunas importantes Las alteraciones del jardín ocurrieron después de que los Blisses cedieran la propiedad a la Universidad de Harvard en 1940, y después de que Farrand se retirara.

Cuando Farrand compartió su concepto en 1922, de espacios de jardín entre árboles viejos existentes, Bliss respondió para decir que la hizo “ronronear de alegría”. El lenguaje podría sugerir un diletante en conversación con otro, pero ambas mujeres desafiaron esos estereotipos. Como dijo la fallecida arquitecta paisajista Diana Balmori, la idea de que Farrand “hiciera jardines para damas ricas y los diseñara mientras tomaban el té” no podría haber estado más lejos de la verdad.

En el momento de la comisión de Georgetown, Farrand era un arquitecto paisajista bien establecido y había diseñado el primer jardín de rosas de la Casa Blanca. Ella fue la única mujer entre los 11 miembros fundadores de la Sociedad Estadounidense de Arquitectos Paisajistas.

Otras diseñadoras de jardines notables aparecieron poco después de Farrand, pero cuando ella comenzó, una mujer era una rareza en la profesión. Entre los obstáculos que enfrentó estaba un perfil de 1897 en el New York Sun. “La señorita Jones tiene 25 años y es atractiva. Es alta y delgada, y su belleza es de un tipo majestuoso que desafía toda descripción “. El relato, aparentemente de una mujer que diseñó paisajes “desde cero”, fue desenterrado por la biógrafa de Farrand, Jane Brown.

Brown señala en “Beatrix: The Gardening Life of Beatrix Jones Farrand” que en el momento en que el periódico estaba obsesionado con la apariencia de Farrand, ella estaba drenando un pantano de 25 acres, colocando un cementerio y limpiando una parcela boscosa de 40 acres en un bosque. paisaje.

Farrand nació en la privilegiada sociedad neoyorquina. Su tía era la novelista Edith Wharton, la familia era cercana a ese otro cronista del set brahmán, Henry James, y los invitados a la cena incluían al retratista de sociedad John Singer Sargent. Sus padres se separaron cuando ella tenía 10 años. Para Beatrix, que nunca llevó su corazón en la manga, esto la acercó a su madre, Mary, y alimentó su determinación de triunfar en un mundo de hombres. La joven Beatrix pasaba los veranos con su madre en Reef Point, su propiedad en Bar Harbor, Maine, desarrollando sus conocimientos de jardinería y plantas. Más formalmente, estudió en el Arnold Arboretum de Harvard en Boston bajo la tutela de su primer director, un león de la horticultura estadounidense llamado Charles Sprague Sargent.

En 1895, cuando tenía 23 años, Farrand y su madre emprendieron un extenso viaje de estudios por Europa, contemplando jardines históricos y contemporáneos en Italia, Alemania, Francia e Inglaterra. En más de seis meses de gira, escribe Brown, Farrand “había acumulado una gran colección de fotografías, hizo muchos bocetos y notas preliminares, y todo esto contribuyó a su depósito de estilos e ideas de diseño. De los jardines italianos, en particular, había aprendido lecciones duraderas “.

Farrand y su madre regresaron a Europa con frecuencia antes de la Primera Guerra Mundial, mezclándose con personas como Wharton, James y los propietarios expatriados de varios jardines y villas mediterráneos. Parecían personajes de una novela de Wharton o James o un cuadro de Sargent.

Pero si la familia de Farrand estaba bien conectada, Mildred Barnes Bliss estaba bien conectada y era rica. Ella era la heredera de una fortuna construida con patentes medicinales. Se casó con Robert Bliss, un diplomático de carrera educado en Harvard, en 1908. Sus viajes por Sudamérica – él fue enviado a Buenos Aires – despertaron su interés por el arte y los artefactos precolombinos. Cuando más tarde se mudaron a París, Mildred se sintió atraída por coleccionar arte bizantino, guiada por un esteta y banquero expatriado llamado Royall Tyler.

Después de la Primera Guerra Mundial, regresaron a Washington en busca de una propiedad donde eventualmente pudieran retirarse y albergar sus crecientes colecciones, y se establecieron en una finca conocida como The Oaks, una casa federal desgastada y muy alterada ubicada detrás de R Street NW. , pero con un terreno que se extendía hacia el norte hasta el lado más alejado de un valle de un arroyo, más de 50 acres en la ciudad. Tenía una pendiente pronunciada, especialmente en el lado este de la casa, y aunque el terreno era rústico, crudo y salpicado de dependencias, tenía muchos árboles viejos y un potencial enorme.

Mientras se realizaba una remodelación al por mayor de la casa, Mildred Bliss necesitaba encontrar un paisajista para el jardín. Supo de Farrand a través de Edith Wharton, a quien Bliss conoció en París durante la guerra. También puede haber recordado que Farrand, años antes, había trabajado en un jardín para la madre de Bliss.

Los nuevos propietarios del renombrado Dumbarton Oaks querían un lugar de campo en la ciudad. Los espacios formales para el entretenimiento y las alusiones neoclásicas siempre iban a ser parte de la mezcla de paisajes, pero Farrand no quería “la apariencia de disfrazarse tan repelente en muchos jardines modernos”, y Bliss estuvo de acuerdo.

Decidieron que las terrazas debían tener una jerarquía de materiales: ladrillos en los niveles superiores cerca de la casa cambiando a piedra más rústica en la parte inferior. Esta gradación alimentó el concepto básico de todo el sitio como un paisaje que es formal, luego informal y finalmente pastoral.

Los creadores de grandes jardines tienden a ser formidables horticultores o arquitectos excepcionales de espacios de jardín. En Inglaterra, en este momento, la jardinera Gertrude Jekyll y el arquitecto Edwin Lutyens estaban creando paisajes para todas las edades. Aquí, Farrand era Jekyll y Lutyens en uno. “No creo que la gente aprecie cuánto ha reunido [Farrand] para hacer estas cosas increíbles”, dice Judith Tankard, autora de “Beatrix Farrand: jardines privados, paisajes públicos”.

Caminando a través de una cascada de terrazas desde el invernadero de la casa hasta el anfiteatro en Lovers ’Lane Pool, en el límite este, no sientes que has descendido 50 pies. No hay sentido de la gravedad. “Su capacidad para hacer frente a las pendientes de ese sitio es brillante”, dice Thaïsa Way, directora de estudios de jardines y paisajes del instituto. “Para mí, eso es el poder de la arquitectura del paisaje: diseñado y cómodo, pero también diseñado para que sea hermoso”.

Los espacios íntimos del jardín llevaban alusiones históricas y literarias especiales. Alrededor de la fuente en Arbor Terrace, las inscripciones y esculturas honran tanto a la “Divina Comedia” de Dante como a un amigo y jardinero italiano. El pequeño y dulce anfiteatro de ladrillo y césped que rodea la piscina Lovers ‘Lane Pool es un guiño al teatro al aire libre de la Academia Arcadia de la Roma del siglo XVIII. El Star Garden está inspirado en la traducción de Chaucer de un tratado filosófico romano.

Las referencias son de múltiples capas y el jardín en sí es una síntesis de los estilos italiano, francés e inglés. Pero no es un pastiche; su propio carácter auténtico está moldeado por su compleja respuesta a su entorno, clima, paleta de plantas y los cielos proteicos del Atlántico Medio. Desde los bordes norte de las terrazas elevadas, el cielo es una parte integral de la vista.

Incluso cuando Robert Bliss se jubiló en 1933, él y su esposa estaban haciendo planes para ceder la propiedad a Harvard, allanando el camino para que la casa, su biblioteca y las galerías posteriores se convirtieran en un lugar donde los académicos pudieran estudiar el arte y el paisaje bizantino y precolombino.

La transferencia se produjo en 1940. Mildred Bliss continuó dando forma al jardín y las adiciones al instituto hasta su muerte en 1969, pero Farrand, que tenía planes de desarrollar su propia propiedad en Bar Harbor como lugar de estudio del paisaje, se despidió del jardín. en 1947. Otros hicieron algunos cambios importantes en el jardín, en particular la asistente en jefe de Farrand, Ruth Havey, quien instaló el vistoso y barroco Pebble Garden donde solía estar la cancha de tenis. Alden Hopkins reemplazó el boj en la Elipse con el icónico seto de carpe. Pero el jardín de Dumbarton Oaks es la obra maestra de uno de los mejores arquitectos paisajistas de Estados Unidos y uno que solo podría haberse logrado con Mildred Bliss como su mecenas y colaboradora de diseño.

La asociación condujo directamente a algo más abstracto pero no menos importante: el papel de Dumbarton Oaks como incubadora del campo relativamente nuevo de la historia del paisaje. Un programa para académicos residentes ha hecho del sitio un centro de estudio global durante décadas, y un simposio y conferencias anuales han explorado muchos temas, incluidos los paisajes de guerra y los efectos de los descubrimientos botánicos en la sociedad. Un simposio a principios de la década de 1980 ayudó a revivir la reputación de Farrand, que para entonces estaba algo olvidado.

Vale la pena señalar, sin duda, que uno de los jardines más grandes del mundo fue creado por dos mujeres en una época en la que las mujeres estaban limitadas por las convenciones. “No es intrascendente que eligiera hacer su proyecto más íntimo con otra mujer, y otra mujer que estaba establecida y tenía una autoridad real”, dice Way.

“Igual de significativo fue el tipo de ambición que compartían las mujeres, tanto para el jardín como para la institución”, dice John Beardsley, ex director de estudios de paisaje en Dumbarton Oaks.

Este campo de estudio se formalizó a principios de la década de 1970, pero echó raíces en la década de 1950, en un momento en que Bliss expandió enormemente su colección de libros y manuscritos raros sobre jardines. “Dumbarton Oaks realmente ha sido la cuna en este país del campo, un campo que ahora se ha convertido en uno de los campos más primarios en la historia del arte”, dijo la historiadora del paisaje Therese O’Malley en una entrevista de historia oral en 2009 para Dumbarton. Robles.

¿Cómo eran las mujeres? Farrand parece haber estado siempre contenido emocionalmente, cordial pero no familiar. Su relación con Mildred Bliss como alma gemela era más cercana que con otros clientes. Bliss la llamaba “Trix” y Farrand firmaba cartas con “Tuyo muy afectuosamente”. Pero incluso este vínculo se debilitó después de que Farrand se retiró. Un jardinero en Maine la recordaba cuando tenía unos 80 años paseando por su jardín todos los días, vestida con tweeds y usando un bastón pero recta, como sus paredes.

Bliss era un alma más aventurera y se desempeñó como esposa de un diplomático en el extranjero (más tarde se convirtió en la anfitriona consumada de Georgetown), pero también formó parte de un círculo de anticuarios expatriados. Llegó a Georgetown con la única ambición de crear su propia versión del siglo XX de la villa renacentista italiana como un santuario de las humanidades. A los 80 regresó a sus viejos lugares en Europa y Oriente Medio y visitó una excavación arqueológica en los desiertos de Siria. Ella fue una fanática del fitness de toda la vida y viajó con una maleta solo para sus pesas de ejercicio.

En nuestra época fracturada, los derechistas verían a Bliss y Farrand como elitistas de la Costa Este; los de la izquierda los verían como figuras del privilegio blanco. Los considero artistas colaboradores que le dieron al mundo una comprensión más profunda de la importancia de los jardines para la civilización y un hermoso refugio para visitantes de todos los orígenes.

Dentro de estos espacios verdes, hay una terraza o camino o recinto para dar santuario a tu alegría, tristeza, dolor, contemplación. “Este jardín significa mucho para mucha gente de formas que ni siquiera nos damos cuenta”, dijo la exdirectora de jardines y terrenos, Gail Griffin, entrevistada por Dumbarton Oaks. “Creo que representa la serenidad”.


Hasta siempre.

Carlos Tigre sin tiempo (C.V.P.)

(*)= https://www.washingtonpost.com/magazine/2021/04/07/dumbarton-oaks-garden-design-bliss-farrand/?itid=sf_lifestyle-magazine

Popeye, piolin, minie mouse y otros “Fósiles de dibujos animados” en un museo

Buscando algunas novedades en el mundo del arte en nuestro mundo actual descubrí algo interesante y singular, en el cual aparece el artista Filip Hodas (1) quien en reciente trabajo imagina un mundo en el que algunos de los personajes de dibujos animados más icónicos han seguido el camino de los dinosaurios.

(Popeye el marino soy…)

Es decir, presenta los esqueletos o fósiles de Popeye, Pluto, Minie y Mickie Mouse, RicoMcPato, piolin, etc.

(Piolin: Que lindo gatito…)

En este blog que almacena algunos artículos relacionados al arte y temas afines quiero almacenar algunas imágenes de Filip Rodas. Asimismo destaco algunas paginas culturales del arte actual en todas sus facetas o detalles singulares, que no son mías. Incluyendo una tienda online donde se venden algunos artículos originales. (2)

Filip Hodas le llamo a esta exposición como serie de “Cartoon Fossils”, donde ha creado representaciones en 3D que presentan los cráneos de personajes conocidos en caricaturas o dibujos animados.

Esta no es la primera serie en la que Hodas ha imaginado un mundo que se ha movido más allá de su universo actual de dibujos animados. Su serie titulada Pop Culture Dystopia presenta representaciones en 3D de un futuro postapocalíptico en el que los iconos de la cultura pop son reliquias antiguas. (3)

También hay personajes animados mas actuales como Bob Sponge:

Hasta siempre: Carlos Tigre sin Tiempo (C.V.P.)

(1)= https://www.behance.net/Filiphds?fbclid=IwAR0V-clYgeQ6sVWwuhDMP7ApPqOulZ7KOOc6f31nDeCcmrY1Y_pvyKs76to

(2)= https://mymodernmet.com/filip-hodas-cartoon-fossils/

(3)= https://mymodernmet.com/es/filip-hodas-cartoon-fossils/

Piezas esculturales, animatrónicas o criaturas extrañas.

Actualmente las artes, como la escultura, tiene diversas formas de mostrarse ante el publico que gusta el arte. Las únicas cosas que se pueden considerar comunes con épocas pasadas es la exclusividad, los precios altos y la originalidad que tiene con ver con la visión singular del escultor o su influencia de la forma que se acerca a los gustos humanos actuales. Al menos de un sector importante o que le interesa.

Así pude ver a algunos artistas que se encuentran en revistas de arte o exhibiciones exclusivas o diversas, que siempre se dan y/o actualizan sobre estos temas.

 Jordan Wolfson (1), un escultor de treinta y nueve años cuyo trabajo es representante de un tiempo caótico, enloquecedor y temeroso.

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“Female Figure”, que se estrenó en la galería de David Zwirner en Nueva York en 2014, es un simulacro de mujer de piel de silicona, manchada de suciedad, con una peluca rubia platino, un traje de stripper blanco y una máscara de bruja verde-negra con pico .  ¿La pieza expresaba misoginia o una crítica de ella? 

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El trabajo de Wolfson es propiedad de instituciones culturales y colecciones privadas en los Estados Unidos, Europa y Asia. El Museo Stedelijk, en Amsterdam, presentó una retrospectiva de Wolfson en dos partes en 2016 y 2017; el año que viene, se hará cargo del Kunsthaus Bregenz, el museo de arte contemporáneo más importante de Austria.

Los partidarios del trabajo lo ven como un comentario melancólico sobre un futuro de máquina solitario y esclavizado mutuamente, y un reflejo de la cáustica crueldad de los humanos.

Los detractores, de los cuales hay muchos, interpretan el trabajo de Wolfson como una expresión nociva de privilegio, apropiándose casualmente del dolor que parece poco probable que haya experimentado personalmente. 

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Algunos críticos en Nueva York consideran que Wolfson es la manifestación perfecta de los impulsos más desagradables de la vida en línea. “Al igual que Keith Haring y Kenny Scharf en la década de los ochenta encarnaban la cultura del arte callejero, equivalente a lo que es el trolling en Internet.

Kim Seungwoo (1976, Corea del Sur) es otro escultor moderno que con su circulo negro, ver fotos abajo, hace una interpretacion personal de lo que para el representa un circulo de 70 cm de diametro, en un ambiente oscuro y para ello uso metales como acero y cobre. El precio de su trabajo lo ofrece por $29,000.00 dolares.

Finalmente,  apreciemos otra escultura de Seungwoo, quien usando los mismos materiales , de acero y cobre, hace la estatua de la venus de milo con dimensiones de 202cm de altura, 60cm de ancho y 55cm de profundidad. Su precio es de $132,000.00 dolares.

 

Hasta siempre.

Carlos Tigre sin Tiempo (CTsT=CVP)

Datos adicionales:

(1)= https://en.wikipedia.org/wiki/Jordan_Wolfson

 

Flor de Túnez actualiza los perfumes franceses

“El perfume (proveniente del latín per, «por» y fumare, «a través del humo») hacía referencia, en tiempos muy antiguos, a la sustancia aromática que desprendía un humo fragante al ser quemada. Los romanos no utilizaron la palabra perfume y según demuestra el filólogo Joan Corominas, esta aparece por primera vez en lengua catalana en la obra Lo Somni de Bernat Metge (1399) y a partir de 1528 en la literatura francesa. En la actualidad, la palabra «perfume» se refiere al líquido aromático que usa una persona, para desprender un olor agradable.” (1)

Las diferencias entre los términos colonia y perfume:  

Los perfumes son una combinación de aceites esenciales, bien naturales o bien sintéticos, agua y alcohol de alto grado. Dependiendo del nivel de concentración de aceites el aroma perdurará más o menos.

El agua de colonia tiene un nivel alcohólico y una concentración de aceites esenciales bajo (entre un 2 y 4 por ciento). En cuanto al perfume posee una concentración del 18% y con unas gotas es más que suficiente.

“La historia cuenta que Alejandro Magno era muy aficionado a utilizar perfumes, capaz de perfumar cualquier habitación con solo el aroma de su cuerpo. En la Edad Media se fabricaron ungüentos con sustancias aromáticas, musgo incluido y después de un período de utilizar animales. En los siglos XVIII y XIX se volvió al agua de flores.” (1)

Francia es famoso en varios productos o servicios  como su gastronomía o perfumes. En el caso de los perfumes tienen una trayectoria histórica interesante la cual se actualiza , según los tiempos, como veremos en esta oportunidad.

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Por su nueva fragancia, “la casa Azzaro” (2) fue a buscar la flor azahar en Túnez. Es allí donde se cosecha y luego se transforma en neroli, un aceite esencial precioso.

El olor a azahar nos transporta de inmediato al otro lado del Mediterráneo, desde donde fue importado en Francia, en el siglo XVII, por Luis XIV. Conquistado, el rey incluso tenía un invernadero en Versalles. Por su nueva fragancia, Wanted Girl, la casa Azzaro fue a encontrar la esencia de la flor en Túnez. (3)

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La recolección de flores se realiza durante tres a cuatro semanas, entre abril y mayo, según las condiciones climáticas. A 70 kilómetros al sur de Túnez. En la región, cada habitante posee sus naranjos, porque la venta de flores, cuyo precio fluctúa según la oferta y la demanda (5 euros en promedio por kilo), les proporciona ingresos adicionales.

La granja familiar del Sr. Belkhodja cubre más de 23 hectáreas. Aquí, cultivan la naranja amarga, una variedad de naranja la cual es recolectada por un centenar de mujeres, quienes recolectan hasta 12 kilos de flores por día; aunque este año, las fuertes lluvias en abril retrasaron la cosecha de dos semanas.

Sombrero en la cabeza y con guantes, los recolectores comienzan su día a las 7 am, para evitar las altas temperaturas. Seleccionan delicadamente las flores antes de colocarlas en una red al pie de los árboles. Estos se tamizan y se colocan en bolsas de yute que se envían a la planta de destilación al final del día, no muy lejos de allí.

Para obtener 1 kg de neroli a la salida del alambique, se necesitan 1000 kg de flores.

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Luego comienza la destilación (separación de líquidos por ebullición): las flores se depositan en un tanque de acero inoxidable lleno de agua a 100 ° C. De este modo se obtienen agua de azahar, utilizada para fines alimenticios, y neroli, aceite esencial para la preparación de perfumes. Se necesita 1 tonelada de flores para extraer 1 kg de neroli.

En épocas pasadas existían fragancias que eran consideradas clásicas y utilizadas por la alta sociedad de aquel entonces, pero también tenían una gran particularidad: cada uno, según la gente que la usaba tenía ciertas propiedades curativas, por ejemplo el Agua de Hungría era utilizada para acabar con los estados melancólicos o las tristezas.

Además de esto te sorprenderá saber que Luis XIV odiaba los aromas corporales, debido a que le causaban fuertes migrañas, así que los evitaba completamente.

A pesar de lo anterior, este negocio en Francia ha tenido sus altibajos donde la época más resaltante que marcó su historia fue la revolución francesa, aunque incluso allí se crearon nuevos olores, cuyos nombres eran un tanto peculiares como por ejemplo: “Le parfum à la guillotine” – “perfume a la guillotina” o “Le parfum à la Nation” – “perfume a la Nación”. Luego de la revolución y con la llegada de Napoleón, esta industria en Francia volvió a renacer y su ícono y favorito de las masas era “la Eau de Cologne de Jean”.

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En esos años además de disfrutar de baños aromáticos con un jabón perfumado muy popular en el ejército, en esa época las mujeres de la corte tomaban baños con sales perfumadas y cubrían sus cuerpos con leche aromatizada especialmente con lavanda. Los delicados fueron utilizados por la alta sociedad, sobre todo desde el año 1848, haciendo muy famoso el “l’eau impériale” – “agua imperial”, el cual era la fragancia que caracterizaba a Napoleón III, el cual era elaborado por Pierre-François Guerlain y el que marcó la historia a los aromas unisex que conocemos hoy en día, aunque no lo creas este producto tiene raíces tan profundas que aún se comercializa, en cantidades limitadas, iniciando su popularización como una auténtica leyenda en la casa Guerlain.

Definitivamente todas estas anécdotas tan particulares hacen que la historia del aroma en Francia sea realmente interesante y tras esta historia la industria de las fragancias iba surgiendo, estableciéndose fuertemente y en el año 1882 se fabrica el primer perfume con esencias sintéticas, este fue el que se llamó “Fougère Royal” – “Helecho Real” y con él se iniciaron los pasos para la producción de estos artículos con sustancias que potencian los aromas naturales; en donde nació el famoso y mítico Chanel N°5, el cual fue el primer perfume que utilizó estas sustancias.

Para esta época se tenían a los perfumes como un tesoro, tanto así que se comenzó a funcionar el arte con los aromas y se contrataban los servicios de artistas para realizar los frascos que iban a contener estos perfumes, en esta época es que nace la sociedad entre el perfumista François Coty y del vidriero René Lalique.

La historia del perfume francés no muere allí y aun hoy en día se siguen escribiendo, sin embargo, aquí nos gustaría hacer un paréntesis para mencionarte algunos de los mejores perfumes franceses de la actualidad: Los perfumes de Chanel, le da un toque especial a sus perfumes que identifican a Francia, entre los que podemos mencionar tenemos, Chanel número 5 y Chanel número 19, son un clásico de Francia con un gran aire parisino.

Por otro lado, el uso de los perfumes o colonias tienen muchas variantes, precios, calidades o razones de su uso; pero en mi caso puedo decir, por experiencia propia, que no hay como el olor de un cuerpo humano después de un tibio baño usando un jabón suave. Asimismo el perfume puede ayudar a extender o mejorar los olores del cuerpo humano; aunque ello es algo relativo pues hay personas que son alérgicas a los perfumes y otras simplemente no les agradan usar ciertos perfumes; aunque sean los mas famosos.

Hasta siempre.

Carlos Tigre sin Tiempo (CTsT)

Fuentes usadas:

(1)= https://es.wikipedia.org/wiki/Perfume

(2)= https://es.wikipedia.org/wiki/Azzaro

(3)= http://www.leparisien.fr/archives/azzaro-en-tunisie-a-la-rencontre-de-la-fine-fleur-d-un-parfumeur-09-06-2019-8089719.php

 

Siete objetos de oro que se destaca actualmente

El oro es un elemento químico o un metal precioso blando de color amarillo; sin embargo su valor histórico y comercial es considerable y actualmente quien posee mas cosas de oro es símbolo de buen estatus económico , de lujo o protección monetaria en tiempos de escasez laboral o económica. Ademas es uno de los metales más utilizados en las joyerías por su composición elemental y su rareza y por ser un metal difícil de encontrar en la naturaleza y en la tierra, abunda más en el interior de las montañas. También se usa en la industria y la electrónica por su resistencia a la corrosión. 

“Este metal se encuentra normalmente en estado puro, en forma de pepitas y depósitos aluviales. Es un elemento que se crea gracias a las condiciones extremas en el núcleo colapsante de las supernovas. Cuando la reacción de una fusión nuclear cesa, las capas superiores de la estrella se desploman sobre el núcleo estelar, comprimiendo y calentando la materia hasta el punto de que los núcleos más ligeros, como por ejemplo el hierro, se fusionan para dar lugar a los metales más pesados (uranio, oro, etc.). Un estudio sugiere que el oro del planeta provino de la colisión de estrellas de neutrones. Otras teorías apuntan a que el oro se forma de gases y líquidos que se elevan desde la estructura interna de la Tierra, los cuales se trasladan a la superficie a través de fallas de la corteza terrestre;​ Sin embargo, las presiones y temperaturas que se dan en el interior de la Tierra no son suficientes como para dar lugar a la fusión nuclear de la cual surge el oro.” (1)

El oro es la raíz de muchos mitos, en los que ha representado el sol, las riquezas no contadas e incluso la divinidad. Un símbolo de estatus universal desde la antigüedad, la belleza, la tacto y la maleabilidad del metal lo han convertido en el material más deseable del adorno humano.

Ahora veamos 7 objetos hechos de oro y destacados por el New York Times recientemente. (2)

Este collar ceremonial, el gorgo de Shannongrove, fue descubierto en un pantano irlandés en el siglo XVIII y ahora se encuentra en el Victoria and Albert Museum de Londres. Desde finales de la Edad del Bronce, muestra sofisticadas técnicas de persecución y estampado. (Ver abajo)

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Sotheby’s celebrará el Midas Touch, su primera venta dedicada exclusivamente al oro, el 14 de octubre en Londres. El evento contará con la “Canción de la sirena” de Marc Quinn (2010), un busto de oro sólido de 18 quilates de Kate Moss, que pesa 8.021 gramos (17 libras).

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La joyera con sede en Londres Ute Decker demostró las cualidades escultóricas del oro con sus pendientes Praise of Shadows. Ella usa solo oro de comercio justo, que puede rastrear su origen a pequeñas operaciones mineras en países como Perú y Uganda.

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Las joyas hechas completamente de oro se pusieron de moda durante la austeridad posterior a la Segunda Guerra Mundial, coincidiendo con el ascenso de la mujer fuerte e independiente. Aquí, para una foto de Vogue de 1969, Marisa Berenson llevaba capas de cadenas y anillos de oro de Bulgari.

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Durante los años sesenta y setenta, el taller en París de Georges Lenfant, ahora dirigido por su hijo Jacques, creó brazaletes de oro con diseños y texturas intrincados, como este en Hancocks, un comerciante de Londres.

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Se ha desarrollado una variedad aparentemente infinita de habilidades de orfebrería desde que los mesopotámicos demostraron técnicas de cloisonné, filigrana y granulación hace más de 3.000 años. Aquí, el brillo característico de la orfebrería italiana del joyero Marco Bicego se crea utilizando el bulino, una herramienta tradicional que produce una textura fina y pulida.

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Para los Juegos de Atenas de 2004, la joyera griega Elena Votsi creó un diseño de medalla olímpica que todavía se usa en la actualidad. Sus diseños de joyas escultóricas, como el anillo de arriba, coinciden con la moda actual de las piezas de declaración, y el oro pulido es su material preferido. “Es como un lienzo donde puedo contar mi historia”, dijo.

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Hasta siempre

Carlos Tigre sin Tiempo (C.V.P.)

Fuentes usadas:

(1)= https://es.wikipedia.org/wiki/Oro

(2)= https://www.nytimes.com/2018/09/22/style/jewelry-gold.html

La danza del Ibis por Shanghai Dance

El Ibis es un ave que tiene el cuello largo y el pico curvado hacia abajo, y normalmente se alimentan en grupo, sondeando el barro para obtener la comida, generalmente crustáceos. (1)

Según el folklore, el ibis es el último animal que se refugia antes de un huracán, y el primero en reaparecer después del paso de la tormenta.

 

El ibis era objeto de veneración religiosa en el antiguo Egipto; particularmente asociado con el dios Dyehuty (Thot).

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Abajo veremos una danza clasica de un grupo chino (Shanghai) quien representa una historia de aves (Ibis) en peligro, contada a través del arte de la danza. El nombre de la obra es ‘Soaring Wings’, la cual ademas se enfoca en la extinción de la vida silvestre.

Ambientada en la China del siglo 20 y representada por “el Shanghai Dance Theatre” desde 2014, el programa tuvo una duración limitada en Nueva York y Boston.

La obra refleja la difícil situación de la vida real del Ibis con cresta, un pájaro majestuoso que alguna vez se contabilizó en decenas de miles y que habitó gran parte del este de Asia y Rusia. Pero en la década de 1970, la caza, la contaminación y el dragado de los humedales habían aniquilado completamente a la especie, salvo siete individuos en las estribaciones de Qinling en China.

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Hoy en día, gracias al seguimiento por GPS, a las prohibiciones de pesticidas y a la estricta vigilancia de nidos, se ha logrado expandir a casi 2,000 aves.

Soaring Wings,  fue escrita por el dramaturgo Luo Huaizhen, sigue a un joven leñador que encuentra a Ibises dormitando en el bosque. Él instantáneamente se enamora del líder de la bandada; es un romance basado en la fascinación, uno con el que muchos observadores de aves y ornitólogos se pueden identificar. Pero el entorno encantador toma un giro sombrío a medida que la muerte y la destrucción dominan el mundo de los ibis. La iluminación se oscurece, el fondo se vuelve negro, y las aves pierden su plumaje por capas más sobrias.

A medida que el espectáculo entra en su segundo acto, la pluma vuelve a aparecer en el punto de mira. Esta vez, un grupo de bailarines se turna para lanzarlo al aire, atrapándolo antes de besar el suelo. La escena es tan desconcertante como reveladora. (2)

Al pasar de la calidez descuidada de una aldea agrícola a la severidad estéril de una ciudad moderna, “el drama muestra la erosión de la vida anterior a la actualidad”. En el proceso, “[los animales] se caen y desaparecen; es la forma en que expresamos nuestra falta de conocimiento gradual de las especies naturales “.

Pero al final viene la esperanza, a medida que surge una nueva clase de conservacionistas. Para ese propósito, Soaring Wings se eleva por encima de sus límites como una obra de arte silenciosa. “El resto lo hace la audiencia y su imaginación”.

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Si el ballet demuestra algo, es que necesitamos comprender mejor cómo afectamos a las aves y a nuestro planeta. 

Hasta siempre.

CTsT = C.V.P.

 

Fuentes usadas:

(1)=https://en.wikipedia.org/wiki/Ibis

(2)= http://www.audubon.org/news/an-endangered-birds-story-told-through-art-dance

Dron Turistico-historico en Gran Bretana (Fotos aereas)

Las fotos vistas aqui son algunas que me parecieron interesantes de compartir y que nos muestran algunos lugares que los britanicos mantienen y/o muestran como lugares historicos y/o turisticos, veamos:

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Abajo observamos  “Old Sarum” el cual data del siglo XIII

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A continuacion vemos “Stonehenge” que data de los anos 3100 antes de cristo. Nadie sabe porque fueron construidas alli; aunque tienen la creencia de que los Druidos construyeron un templo. Los pobladores de la zona consideran al stonehenge como un lugar donde hay energia mistica.

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Abajo vemos  5 fotos de Escocia y la ciudad de Glasgow:

Ahora apreciamos dos fotos del Castillo de Bamburgh que resistio a varios ataques de invasores como los vikingos en tiempos medievales. tenia una vista panoramica del borde escoces. Era el primer centro de aviso y defensa de la ciudad.

En las siguientes dos fotos apreciamos la Catedral y la ciudad de Lincoln. La catedral fue construida en 1185.

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En el siguiente par de fotos apreciamos al Castillo de Warwick, el cual se aprecia en buen estado de restauracion.

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Abajo las siguientes  4 fotos nos muestran vistas de la ciudad de londres del 2000

Finalmente veamos una mezcla final de fotos que representa la realidad geografica y arquitectonica de los britanicos

 

Hasta siempre.

Carlos Tigre sin Tiempo (C.V.P.)

Extracto de “La Guerra de la penumbra”

Este breve fragmento seleccionado es del libro cuyo título es “Guerra en la penumbra” y fue redactado por el escritor peruano Daniel Alarcón. Este libro se basa en hechos reales ocurridos en Perú en 1983: (1)

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“No se había acordado ningún tipo de táctica ni de estrategia, únicamente la lógica de una guerra a ciegas, en la penumbra de la selva: un soldado asustado disparaba un tiro; un rebelde atemorizado contestaba con otro. Los dos eran demasiados jóvenes como para hacer algo mas que enterrar sus dudas bajo la violencia y súbitamente, todos salen corriendo y la selva queda en llamas.

Fernando se abrió paso por entre la jungla durante dos días antes de encontrar el estrecho sendero al borde de la cresta de montana por donde se reagruparian. dos días, solo, siguiendo hilos de agua y porciones diminutas de sombra, que lo levaban primero en una dirección, después en otra. Sus instintos eran urbanos.

Se reunio de nuevo con sus camaradas, contaron cabezas, se afligieron en silencio por los que faltaban sin perder la esperanza de que surgieran de un momento a otro de entre la selva, sacudidos, pero vivos. Que había pasado? Ninguno sabia mas que el. Se curaron las heridas y recuperaron su osadía. De regreso a la espesura a marchar de un lado a otro, a enfrentar al enemigo, a hacer la guerra popular.”

Fernando se preguntaba: “Porque sus tíos no habían parado de trabajar hasta que la ceguera no los aniquilo. Por que los vencidos buscaban la felicidad en el trago; por que la riqueza originaba miseria. Por que la historia era cruel y fanática; por que había que derramar sangre.”

“Parado frente a un mapa de América…Fernando paso el dedo arriba y abajo sobre los picos de los andes…miro hacia arriba y logro ver por entre la espesura de la selva un trozo de cielo henchido. Todo esto volverá a ser nuestro!. Y las palabras lo llenaron de un inexplicable gozo, tal vez incluso de esperanza. Todavía estaba vivo.”

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Hasta siempre.

Carlos Tigre sin Tiempo (C.V.P.)

 

Anexo:

(1)= https://es.wikipedia.org/wiki/Daniel_Alarc%C3%B3n

Artesania y/o arte de nativos del sudoeste de USA

A continuación (abajo) veremos una bella exposición de fotos y/o avisos de artesanía diversa de los indios nativos americanos del “SouthWest” de USA, obtenidos de una revista que ellos mismos publicaron hace un tiempo atrás.

El arte de los nativos americanos son las artes visuales del sudoeste de Estados Unidos. Esta región abarca Arizona, Nuevo México y partes de California, Colorado, Nevada, Texas y Utah. (1)

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Estas artes incluyen arquitectura, cerámica, dibujo, cine, pintura, fotografía, escultura, grabado y otros medios, que van desde el pasado antiguo A las artes contemporáneas de la actualidad.

El Pueblo Ancestral, o Anasazi (hasta 1400 dC) son los antepasados de las tribus Pueblo de hoy.

Su cultura se formó en el suroeste de Estados Unidos después de que el cultivo de maíz se introdujo desde Mesoamérica hace unos 4.000 años. La gente de esta región desarrolló un estilo de vida agrario y vivió en ciudades sedentarias

Hasta siempre.

Carlos tigre sin tiempo (C.V.P.)

 

Anexo:

(1)= https://en.wikipedia.org/wiki/Art_of_the_American_Southwest

La Mona Lisa del matemático Da Vinci

Leonardo da Vinci (1452-1519) fue un multifacetico artista y científico de la edad media, cuyas obras o proyectos todavía perduran o asombran a las generaciones actuales que se detienen un momento de sus vidas para leer y ver lo que hizo. (1)

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Quiero compartir algunas de sus creaciones que se muestra en el libro “Math and theMona Lisa” auspiciado por la organización cultural Smithsonian. (2)

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Realmente es increíble como pudo tener ideas o hizo diagramas que generaciones posteriores les sirvieron de base para hacer cosas que actualmente usamos. Entre las cosas que hizo están los diagramas sobre bicicletas, automóviles, tanques, puentes, paracaídas, casco para estar bajo el agua y hasta submarinos. También hizo experimentos sobre proyectiles y su trayectoria, la disección y entendimiento de la estructura anatómica de algunos animales y humana (anatomía), el estudio de plantas (Botánica), geometría, física e ingeniería.

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(Diagrama de Leonardo da Vinci donde muestra “las Proporciones del cuerpo humano”.)

Leonardo da Vinci nunca se caso y no hay evidencia de romances o hijos que tuvo. Se dedico su tiempo completo a realizar todos sus proyectos, basado en ideas o curiosidades que tuvo a lo largo de su vida.

Se dice que Leonardo da Vinci, cuando era joven y se hizo un autoretrato como “La mona Lisa” ; pero esto no se comprobó oficialmente. Mas bien, lo mas probable es que el real nombre de “la mona Lisa” fue Lisa Gherardini, esposa de un mercader fiorentino. (3)

Asimismo esta pintura fue realizado entre 1503 a 1506

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Lo que si esta comprobado es su autoretrato en sus últimos ahos de vida como se muestra a continuación:

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Aparte de la mona lisa Leonardo hizo el portarretrato de otras dos mujeres, donde hace un esbozo geométrico previo, como muestro a continuación: 

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Otro de los cuadros femeninos famosos es el de la virgen de las rocas, el cual data de 1483 y se encuentra en el museo de Louvre en París (Francia). Ver abajo:

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También observamos un rudimentario telescopio que leonardo uso para hacer un estudio de los rayos de luz:

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De sus minuciosas observaciones de la naturaleza dibujaba cosas como “los logaritmos naturales en la naturaleza” (usados en matemáticas). Si lo comparamos con sus equivalentes actuales veamos la siguiente información visual:

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También lo podemos ver en algunas escaleras de edificios o esculturas diseñadas por Leonardo y una de las cuales tiene el vaticano:

9.1

Finalmente, “la ultima cena de Cristo” hecha por 1498 y que almaceno en este Blog.

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Actualmente es muy difícil que aparezca otro leonardo da Vinci; pues ahora la ciencia o tecnología es muy detallada o especializada. Por tanto, por mas inteligente que sea una persona le faltaría tiempo de vida para dedicarse a aprender y dominar todos los aspectos de la ciencia y el arte como lo hizo Leonardo en su tiempo, donde todavía la ciencia era muy primitiva.

 

Hasta siempre.

Carlos Tigre sin Tiempo (CTsT)

 

Fuente para mayor información:

1)= http://es.wikipedia.org/wiki/Leonardo_da_Vinci

2)= http://www.bulentatalay.com/book.htm

3)= http://www.louvre.fr/en/oeuvre-notices/mona-lisa-%E2%80%93-portrait-lisa-gherardini-wife-francesco-del-giocondo

 

El homenaje de Juan Diego Flores a Mario Vargas Llosa

La sala sinfónica del Auditorio Nacional de Madrid estalló de emoción con la extraordinaria voz del tenor peruano, Juan Diego Flores. Recientemente ambos se habían reunido y mantenido charlas personales.

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Con humildad, MarioVargas Llosa, el agazajado de la noche, se acercó al escenario y se unió a los aplausos para estrecharle la mano al tenor peruano más exitoso que haya visto el mundo. 

 

* Vídeo de Reporte semanal, Lima, 24 Noviembre 2013

Colección Fabergé de multimillonario (Huevos o joyas Zaristas)

La colección de un multimillonario ruso , fabricante de joyas zarista de la Casa de Faberge, esta en la exhibición permanente en un palacio en San Petersburgo.

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” Ahora estamos asistiendo a la emergencia de una nueva generación de museos de nuestro país”, dijo el primer ministro , Dmitry Medvedev, en la ceremonia inaugural .

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“Estos son los museos privados , financiados por nuestros ciudadanos, nuestros filántropos . “

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El museo cuenta con más de 4000 obras de arte de finales de los siglos 19 y principios del siglo 20 , incluyendo nueve famosos huevos de Fabergé imperiales anteriormente propiedad de la familia Romanov zarista.

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La colección pertenece al multimillonario ruso Viktor Vekselberg , la cabeza de aluminio , la energía y el conglomerado de telecomunicaciones Renova Group y el mayor propietario individual de los huevos de Fabergé .

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Él compró la colección en 2004 , en la casa de subastas Sotheby en Nueva York. El valor exacto de la operación se desconoce, pero se ha estimado en más de $ 90 millones de dolares.

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El palacio Shuvalovsky, recientemente renovado, alberga el museo, fue renovado a un costo de 1,2 mil millones de rublos ( $ 36.7 millones de dolares) . El proyecto fue financiado por el Enlace de Vekselberg de fundación Times, que también gestiona la colección.

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* Fuente: Ria Novosti, 20 Noviembre 2013

“Hay un compromiso con el idioma propio”

Sibylle Lewitscharoff ganó del Premio Georg Büchner, el más importante del idioma alemán, y habló con DW sobre Büchner, la novela que escribe sobre Dante Alighieri, y la importancia de la cultura en Alemania.

Este 26 de octubre, Sibylle Lewitscharoff recibe en Darmstadt el Premio Georg Büchner. Es conocida entre el gran público desde 1998, cuando ganó el Premio Ingeborg Bachmann al debutar con su novela “Pong”. Lewitscharoff es teóloga y escribió varias novelas. Deutsche Welle la entrevistó en Roma, donde habló sobre la influencia de Georg Büchner en su obra, sobre sus proyectos y sobre el idioma alemán.

Deutsche Welle: Una vez remarcó que no se siente demasiado atraída por la obra de Georg Büchner, en cuyo nombre se otorga el premio literario más importante en lengua alemana.

Villa Massimo, Roma.Villa Massimo, Roma.

No es un verdadero referente en lo que a mí respecta. Hay otros escritores a los que tomé mucho afecto y con los que siento un vínculo muy fuerte. Jean Paul Sartre, por ejemplo. Pero mi gran amor sigue siendo Franz Kafka. Con Büchner aún tengo que construir ese vínculo.

En la argumentación del jurado dice “Sibylle Lewitscharoff amplía la percepción exacta del presente alemán en el campo de lo satírico, de la leyenda y de lo fantástico”. ¿Está de acuerdo con eso?

Eso que se me adjudica es muy bonito, pero no sé si da en el clavo. Es difícil hablar así sobre sí mismo.

Ahora que está en Roma, ¿se siente inspirada para su proyecto novelístico acerca de Dante Alighieri?

El proyecto ya había nacido antes de llegar a Roma, pero es muy positivo que me hayan invitado a la Villa Massimo. Claro que aquí puedo profundizar en el tema, aunque no finalizaré la novela. Pero es una maravillosa casualidad poder estar otra vez en Roma y poder concebir una novela cuyo tema nació en esta ciudad.

Cuéntenos sobre este proyecto.

Dante Alighieri.Dante Alighieri.

Me he ocupado de Dante de manera intensiva. Es realmente un gran escritor, una gran figura literaria de su siglo. Con Dante no solo se aprende la lengua italiana, sino que se lee la mayor obra literaria que produjo la cultura cristiana. Lo que más me atrajo es sumergirme en el mundo de Dante, escribir sobre él y sobre el siglo en el que le tocó vivir. Lo que me interesó es la idea de un congreso que se ocupa de Dante y de un milagro que irrumpe, un milagro que no tiene nada que ver con Dante. ¿Qué pasaría con la humanidad se produjese otro milagro de Pentecostés?

Es decir, que se trata de un congreso sobre Dante en el que participan personas de diferentes países y con diferentes idiomas. ¿Qué papel juega allí el tema del idioma?

Tiene un rol muy importante porque se trata de la resolución de la confusión babilónica. Las personas no se entienden al hablar diferentes idiomas. Se trata de revivir un gran tema bíblico, algo nada fácil para un escritor, por supuesto. Es un tema que toca a todos: ¿qué es lo que hacemos exactamente con el idioma? ¿Qué sucede en los diferentes idiomas? Es muy interesante, a mi modo de ver.

El idioma sigue siendo un rasgo generador de identidad.

Así es. Por eso estoy muy en contra de tratar de escribir la novela universal. Eso no funciona. Uno está ligado al propio idioma y está comprometido con él y con la sociedad en la que vive. Eso no se puede internacionalizar fácilmente. Esa es la tarea de los traductores, que elaboran el original en su lengua y lo hacen accesible a su idioma. Pero eso es un proceso muy diferente a pretender internacionalizar lo que se escribe. No creo en eso en absoluto.

Es decir que su próxima novela trata sobre el entendimiento entre seres humanos que hablan diferentes idiomas. Ante ese trasfondo, ¿cuál es su opinión acerca del idioma alemán en comparación, por ejemplo, con el inglés?

Yo sólo puedo escribir en alemán. Es decir que tengo que superar ese obstáculo, tengo que hallar una solución inteligente para mis personajes, que hablan diferentes idiomas.

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Pero, sin embargo, quiero escribir una novela alemana. No puedo hacer hablar a mis figuras en diferentes idiomas. Mis lectores dejarían de leerla. Tengo que llevar de vuelta ese aspecto al alemán, pero, al mismo tiempo, tratar de los otros idiomas se trasluzcan en la novela. Una tarea bastante difícil, por cierto.

Hoy en día –al menos en Europa- hay muchos países a los que les va mal económicamente y no pueden ofrecer un futuro laboral a la juventud. Es un momento en el que las clases de alemán en los Institutos Goethe están llenas de alumnos, tanto en Grecia como en España y Portugal.

¿Cree usted que también hay un interés en la cultura alemana? ¿Es la cultura también generadora de identidad?

Yo diría que en Europa hay una identidad cultural que se da a lo largo de tradiciones muy diversas, a través del Imperio Romano, del Imperio Alemán, de los Habsburgo, eso tiene una larga historia. Sobre todo la cultura romana tuvo una gran influencia y se mantuvo a través de varias generaciones. Pero no somos concientes de ello, ya que se trata de procesos inconcientes.

¿Qué es para usted ‘cultura’?

No me gusta ampliar demasiado el concepto de cultura porque se vuelve nebuloso. Para mí, la cultura está formada por áreas tradicionales como la literatura, las artes plásticas, el teatro, la música. Pero no siempre forma parte de eso la sociedad en la que se produce cultura, ya que eso le quita solidez al concepto.

Entrevista: Jochen Kürten (CP)
Editora: Emilia Rojas