Mar Figueroa Nacio en Guayaquil, Ecuador y fue criada entre Ecuador y Jersey City (New Jersey). En Ecuador, asistio a una escuela rural que su bisabuelo fundó y ayudó con las tareas del rancho y en Jersey City, asistio al programa Visual Performance High School en la Universidad de Nueva Jersey City y comenzo a asistir a programas previos a la universidad en becas en NYU y RISD.
En 2015, se graduo y desde entonces ha estado desarrollando su estudio y práctica de diseño. Actualmente vive en la Ciudad de México creando obras de arte para su próxima exposicion en la Galería Eve Leibe en Londres.
La Hacienda fue una oda para el rancho de su familia en las montañas de Coastal Ecuador. Estaba inmersa en un entorno de tradiciones pre hispanas, baladas andinas y conversaciones de inmigrantes. Asi desarrollo un interés en las historias que trajeron a las personas a la cocina de su madre. Su educación bicultural alimenta el interés en los estudios pre-hispanos y la cultura de los inmigrantes.
El Proyecto de Mar Figueroa es utilizar su espacio de residencia en el campo para promover su investigación en la herencia ancestral de las tribus andinas, y crear una serie de pinturas que abren aún más la conversación sobre la identidad indígena y latina.
Crecer su conocimiento de la cultura ecuatoriana y peruana indígena se limitó a los fragmentos de información pasados a través de historias familiares y secciones pre hispanas de los museos de Nueva York.
Este límite creó una perspectiva en la historia de los nativos americanos era un capítulo terminado en lugar de una historia en curso.
Hoy, su objetivo es reconstruir escenas, antepasados, rituales de los incas, quechua, paracas, chachapoya, moche, jivaroan, valdivia y más tribus en forma de pintura que abordarían esta idea errónea y mostrarían persistencia indígena entre las comunidades de inmigrantes latinos.
Entre las cinco obras de arte cargadas en su aplicación se encuentra una escena de la preparación de Colada Morada, una bebida morada pre hispana andina hecha de harina de maíz azul, especias y varias frutas. Tradicionalmente se consume el día del difunto, conocido a nivel mundial como “Day of the Dead”, un feriado en honor a nuestros antepasados y familiares fallecidos.
En el Imperio Inca, esta importante fecha fue celebrada por un ritual en el que los cuerpos momificados de nuestros antepasados serían desenterrados y llevados a casas para ser limpiados y compartir esta bebida púrpura.
Hoy, solo consumimos la bebida y comemos pan de aspecto momia. El restaurante de mi familia prepararía una gran cantidad de la bebida porque tenía una gran demanda entre los inmigrantes andinos en New Jersey y New York. La experiencia de presenciar la persistencia de su comunidad para continuar participando en un ritual ancestral que ha sobrevivido al colonialismo y la migración es su inspiración para esta investigación y documentación más profundas, que plasma en sus obras actuales.
Recientemente estaba revisando libros, en una biblioteca local, de las imagenes de objetos artisticos diversos muy caros; cuando repentinamente, dentro del libro cayo un recorte periodistico que comparto aqui y me hizo investigar sobre los detalles del mismo. Asimismo, los resultados los comparto abajo. Tambien agrego una estatua original que se encuentra en el «Madison Square Park» (New York) realizado por un artista Pakistani-americano quien realizo este proyecto publico. Veamos:
Un museo privado japonés pagó un récord de $ 1.1 millones por una lámpara de Tiffany en una subasta ayer en Manhattan. (New York, 22 abril 1995) (*)
La lámpara de vidrio con plomo, con un tono estampado en rosa y naranja impactante después de las hojas de la enredadera de Virginia, se vendió al Museo Louis Comfort Tiffany en Nagoya.(Japon)
El registro anterior de cualquier objeto Tiffany, $ 770,000, establecido en 1992, se eclipsó dos veces durante la venta. Una lámpara Spider-Web se vendió por $ 783,500.
La colección de objetos de Tiffany del Sr. Mecom fue la más grande jamás subastada. Las 74 lámparas y otros artículos vendidos en Sotheby’s en el Upper East Side trajeron $ 7.7 millones, más del doble de la cifra realizada para cualquier subasta previa de una colección Art Nouveau o Tiffany.
Madison Square Park recibe al aclamado artista estadounidense paquistaní Shahzia Sikander (54) ,el primer proyecto público, «Havah. . . Para respirar, aire, vida «, un sorprendente par de figuras femeninas, a la vista hasta el 4 de junio. Aparece una escultura en la azotea del juzgado vecino de la División de Apelaciones, Primer Departamento de la Corte Suprema del Estado de Nueva York (en la foto arriba, instalación media). El segundo monumento adorna el parque en sí, donde un componente de realidad aumentada ayuda a los visitantes a ubicar a su altísimo compañero.
Si ingresa a Madison Square Park en la Quinta Avenida y la calle 25 desde ahora hasta principios de junio, una figura femenina resplandeciente y dorada que sostiene con confianza en un tribunal desde dentro de un césped cercado lo saludará.
Es tres veces del tamaño de la persona promedio, es una de las dos esculturas que conforman la nueva instalación oportuna de MSP, Haváh … para respirar, aire, vida, que se centra en la justicia y el empoderamiento de las mujeres. (**)
Sikander, una aclamada artista multidisciplinario nacida en Pakistán, entrenó en la tradición miniaturista mogol intensiva laborista, pero comenzó a cuestionar y desmantelar audazmente motivos paternalistas tradicionales y significados al principio de su carrera mientras formulaba su propia iconografía distintiva feminista. Los proyectos de Sikander han evolucionado a lo largo de los años, pero su exploración de narrativas basadas en la experiencia femenina se ha mantenido constante, subrayando el inmenso valor de vidas que a menudo han sido duras, sacrificadas y no reconocidas.
Hasta siempre.
Carlos Tigre sin Tiempo (CAVP)
(*)= The New York Times: «A Record $1 Million For a Tiffany Lamp» , April 23, 1995
Los estadounidenses han crecido acostumbrados a las fotos de Abraham Lincoln en blanco y negro, reproducidas en los medios tonos de nuestros libros de historia. Las imágenes siguen siendo esenciales.
Thomas Jones, un escultor que estudió de cerca la cara de Lincoln, señaló que puso una expresión formal, una «máscara de hierro», siempre que necesitaba lucir presidencial. Ese aspecto está presente en cada fotografía; En solo uno hay incluso una media sonrisa. (*)
Abraham Lincoln, painted by W.F.K. Travers in 1864 or 1865.
Pero hace tres años, en un edificio municipal en Nueva Jersey, me paré ante un espléndido lincoln vivo, a todo color, con tono de piel realista, ojos brillantes mirando a la distancia, la obra de la luz parpadeando en su rostro. Fue una de las tres pinturas completas de Lincoln, que existe. Estaba terminando un libro sobre el viaje en tren de Lincoln de 1861 a Washington y tratando de encontrar cuentas de lo que se sentía como para estar en su presencia mientras viajaba por el país. De repente, tuve esa experiencia.
La inmensa pintura, 9 pies de altura (2.75mts.), me abrumó durante esa primera visita. Encontrar este enorme Lincoln reafirma su presencia física y moral en un momento en que casi todos los aspectos de nuestra historia se sienten al día con las capturas. Hasta cierto punto, es un guardián de tradición, tocando una copia de la Constitución, mientras que George Washington aparece sobre su hombro izquierdo en una imagen y un busto enmarcado. Pero el retrato también reafirma una afirmación que era obvio para los estadounidenses del tiempo de Lincoln: que era la fuerza impulsora detrás de la emancipación. Retrata a un presidente con conciencia, decidido a terminar la esclavitud. Junto a la Constitución, la 13ª Enmienda se representa en una mesa cerca de una estatua de un afroamericano liberado. Detrás de él, se entrega un globo para que el espectador pueda ver Haití, el país que Lincoln reconoció oficialmente por primera vez en 1862.
Este animado retrato de nuestro 16º presidente, recientemente restaurado, ha resurgido después de décadas de cerca del olvido, escondido a simple vista, donde fue visto por muy pocos estadounidenses fuera de los compañeros de la ciudad que le presentaron en su camino para pagar los boletos de estacionamiento y las facturas de agua.
El Congreso debatió su compra para el Capitolio en numerosas ocasiones a fines del siglo XIX y principios del XX, pero se desvió al precio. Como los legisladores consideraron su destino durante esos años, colgaba en el Capitolio, generalmente en la sala de comité naval. Finalmente, fue comprado por un Rockefeller, luego adquirido por otro, Geraldine Rockefeller Dodge, quien lo instaló en un edificio, ella donó a la ciudad de Madison, N.J., en memoria de su hijo. Ese edificio, dedicado en 1935, se convirtió en el Borough Hall y un santuario a la democracia local.
En los últimos años, sin embargo, los fideicomisarios de la fundación que mantienen el edificio comenzó a darse cuenta de que tenían algo especial. En 2017, aprendieron que un busto en su poder era una creación del gran escultor francés Auguste Rodin. Mirando alrededor de otros artefactos, vieron la pintura de Lincoln en una nueva luz y se propuso estudiar su procedencia.
Desde entonces, han descubierto la nueva información, gracias a un informe interno de un erudito en la Universidad de Marshall, Stefan Schoeberlein. Para comenzar, tuvieron que desaprender algunas de las afirmaciones inestables en el registro histórico. Cuando el Congreso estaba debatiendo la compra, se habían dicho muchas historias del artista, W.F.K. Travers, quien fue descrito como un inmigrante alemán ansioso por luchar en la Guerra Civil, pero rechazada por una condición médica. Según estas cuentas, Travers se reunió con Lincoln en la calle en 1864 y se ofreció a hacer su parte creando una gran pintura. Lincoln accedió a la solicitud de Travers.
Después del asesinato de Lincoln, Travers completó la pintura en Europa, luego lo vendió a un diplomático estadounidense en Frankfurt. En 1876, se mostró prominentemente en la exposición centenaria en Filadelfia, donde, según Lore, Mary Todd Lincoln se desmayó al verlo.
Schoeberlein ha descubierto algunos agujeros en este registro: no está claro que Travers ha intentado unirse al ejército. Puede haber pintado Lincoln en 1865, no 1864, eso explicaría la prominencia de la 13ª enmienda. Y era más holandés que alemán, aunque había vivido en una variedad de lugares, incluidos Honduras, Grecia e Italia. Además, no hay evidencia de que alguien se haya desmayado al ver la pintura. Nada de esto disminuye el poder de la pintura.
Como los amigos de Lincoln sabían bien, hubo un rango infinito para sus expresiones faciales, un labio que se acurrucó de cierta manera, arrugas que arrugaron con alegría cuando contó una historia, y esos «ojos lejanos», como se describió un estrecho conocido. Walt Whitman escribió que Lincoln tenía una cara «como un Hoosier Miguel Ángel, tan horrible, se vuelve hermosa», pero también dotada de cualidades raras, tan difíciles de capturar como «un perfume salvaje o un sabor a fruta». Esperaba que un gran pintor algún día capturaría su «color peculiar» y «las líneas, los ojos, la boca, la expresión». No era optimista. «Los retratos actuales son todos fracasos», concluyó.
¿Levantó Travers a el nivel casi inalcanzable de Whitman? Eso es para que el público decida. Pero los ojos lejanos están presentes aquí, y la máscara de hierro se ha ido. Es un retrato detenido, mejor que los demás, y digno de una audiencia más amplia. Washington está lleno de pinturas mediocres de Lincoln, incluido un retrato no distinguido que cuelga en la oficina ovalada, pintada en 1915, y una pintura problemática en el comedor estatal de la Casa Blanca, de un Lincoln sentado, por G.P.A. Healy. Tiene calidades de redención: la cara está bien renderizada, pero se cortó de un proyecto más grande, un estudio de grupo, y muestra a Lincoln en una posición incómoda, sus largas piernas metidas incómodamente debajo de él. Cerca, en la habitación este, George Washington se muestra de pie a su altura completa en el famoso retrato de Lansdowne de Gilbert Stuart.
Lincoln debería estar de pie, también.
Abraham Lincoln, painted by W.F.K. Travers in 1864 or 1865.
Durante su ascenso político, los miembros de la audiencia se emocionarían a medida que él estaba de pie, un imponente 6 pies 4, y se lanzaba sobre las promesas de la Declaración de Independencia, a todos los estadounidenses. Algo de ese sentimiento está presente aquí. Un amigo cercano de Lincoln’s, Ward Hill Lamon, escribió, «En mi juicio, el retrato de Travis [SIC] es la imagen más realista del Sr. Lincoln que he visto en lienzo …, [TI] presenta una semejanza real del hombre. , con sus rasgos robustos e irregularidades de apariencia personal, fiel a la vida «.
No está claro lo que se espera para el retrato, que escapó por poco la destrucción en un incendio de almacén al principio de su historia. Pero la Fundación Hartley Dodge, que lo posee, parece más que dispuesto a compartir. Nicolas W. Platt, el presidente de la Fundación, dijo que considerarían préstamos a una institución «que puede hacer que ver a esta extraordinaria pieza de la herencia de nuestra nación esté disponible para una gran audiencia». En cualquier caso, es emocionante saber que nuestro presidente más familiar se ha vuelto un poco menos familiar, gracias a la restauración. Y ahora tenemos una nueva forma de verlo.
La venta en Sotheby’s el martes fue un punto de referencia para Kahlo y fue el trabajo más valioso del arte latinoamericano que se vendió en la subasta. (*)
Un autorretrato de Frida Kahlo, un artista conocido por su intensidad emocional cruda, vendida por $ 34.9 millones en Sotheby’s el martes por la noche, estableciendo un punto de referencia de subastas para las ilustraciones más caras de un artista latinoamericano.
Completado cinco años antes de su muerte en 1954, la pintura al óleo, «Diego y yo», es uno de los autorretratos finales de Kahlo y un ejemplo de la intimidad inquietante que ha atraído colectores a sus pinturas. El trabajo ofrece una ventana a su matrimonio turbulento con el muralista mexicano Diego Rivera, quien se representa en él justo por encima de los ojos llorosos del artista.
Al establecer un nuevo alto para un artista latinoamericano en la subasta, Kahlo superó un punto de referencia establecido por Rivera en 2018, cuando una de sus pinturas se vendió en subasta por $ 9.76 millones, o el equivalente de $ 10.75 millones hoy en día, contando con la inflación.
El portavoz de un Sothaby identificó al comprador de la pintura como Eduardo F. Costantini, el fundador de un museo en Buenos Aires. El trabajo fue comprado para su colección privada. El portavoz se negó a revelar la identidad del vendedor.
La oferta ganadora por $ 34.9 millones después de que las tarifas fueron tomadas por Anna Di Stasi, Director de Arte Latinoamericano de Sotheby. Se había asegurado una gran venta incluso antes de que comenzara la subasta porque Sotheby’s tenía una garantía de la casa y una oferta irrevocable de un tercero.
Kahlo, quien nació en 1907 en la Ciudad de México, comenzó a pintar en 1926 mientras se estaba recuperando de un accidente de autobús que la había dejado con dolor crónico. Desarrolló una rica iconografía que tocaba los reinos de la vida y la muerte, mezclando la violencia y la vulnerabilidad de maneras que a menudo sorprendían a los espectadores al empujar las normas de género. Ella murió a las 47.
«Es una pieza de calidad de los museos», Brooke Lampley, el presidente de Sotheby y el jefe mundial de ventas globales de bellas artes, dijeron de «Diego y yo». Añadió que las instituciones culturales habían expresado interés en la obra de arte, pero esa demanda de colectores privados había sido alta. «Frida está ahora en la lista de deseos de coleccionistas que recolectan grandes obras maestras de arte moderno».
La última vez que «Diego y yo» se vendió en Sotheby’s fue en 1990, cuando se convirtió en el primer trabajo de un artista latinoamericano que venderá por más de $ 1 millón. El valor de las pinturas de Kahlo ha aumentado sustancialmente desde la década de 1980, cuando uno de sus retratos se vendió por $ 85,000. Algunos historiadores de arte atribuyen el precio saltar a la disponibilidad cada vez más limitada de sus pinturas.
«Frida se está convirtiendo en uno de los artistas más populares del mundo», dijo Gregorio Luke, el ex director del Museo de Arte Latinoamericano de California. Explicó que las leyes mexicanas previenen la mayoría de las ventas de artistas prominentes del siglo XIX y XX, como Kahlo, desde dentro del país. «Así, el precio es el resultado del interés de Pent-Up masivo en el artista y muy poco inventario», dijo. «Probablemente hay menos de 20 a 30 pinturas de ella en el mercado».
Por otro lado, a mediados del mes anterior (octubre 2021), en Londres fue ofrecido una obra llamada «The Love is in the Bin», como se aprecia en el articulo periodistico mostrado a continuacion:
La pregunta para quienes no somos millonarios, podria ser interesante conocer, si nos ganamos una loteria y nos volvemos millonarios; entonces pagariamos esas millonarias sumas de dinero por los cuadros arriba mostrados: Si o No y porque?
«En estos tiempos del uso intensivo del internet, telefonos inteligentes y otros dispositivos con tecnologia de punto estan desplazando al Cine, TV, Radio y Teatros clasicos hasta hace poco tiempo; salvo que ellos se actualizen y usen app en dispositivos modernos o se creen empresas como Netflix o TV al gusto y tiempo del usuario hasta por su telefono. La radio musical clasica, con empresas como Spotify estan siendo desplazadas.
En cuanto al teatro parece el mas vulnerable o dificil de actualizar; salvo los teatros shows como en Broadway, New York, que son casi como atractivos turisticos obligatorios de visitar para cualquier turista nacional o internacional.
Volviendo a esta noticia se trata de un pueblo en long island (New York) en el cual debido a una poca asistencia, bajos ingresos y altos impuestos que se debe pagar estan haciendo que el teatro deSmithsonian se venda y probablemente cambie de giro.«
* CTsT=CAVP
Veamos algunos detalles de la noticia traducida y resumida: (*)
El ex director ejecutivo del Consejo de Artes Escénicas Smithtown, que posee el Teatro sin fines de lucro, ha puesto la propiedad a la venta por $ 1.6 millones en medio de una disputa con los líderes de la Junta de la Organización.
Kenneth Washington dijo la semana pasada que el Consejo le debe más de $ 90,000 en alquiler de devolución por usar el teatro los últimos 10 meses. El presidente de la Junta, Mike Mucciolo y el vicepresidente, Keith Blum, disputaron esa figura, diciendo que Washington había aceptado una reducción de la renta durante la pandemia, que cerró temporalmente el Centro Smithtown para las artes escénicas y cortó radicalmente sus ingresos.
«Estoy vendiendo el edificio porque tengo 66 años y quiero liquidar mis activos para poder pasar al siguiente capítulo de mi vida», dijo Washington en una entrevista telefónica la semana pasada.
Después de 18 años de producir con orgullo y presentar entretenimiento en vivo en Smithtown, me he trasladado a Carolina del Sur».
La compra es «la única forma en que nosotros, como junta, puede garantizar que este teatro vaya a durar mucho más allá de todos nosotros y puede ayudar a esta comunidad para obtener más generaciones», dijo Blum.
El teatro-cine es único y alberga de 10 a 12 producciones de escenarios infantiles y principales al año, junto con eventos especiales y clases de niños. Durante la pandemia, la programación cambió al aire libre a la sociedad histórica de Smithtown.
El listado de ventas con Jack Jawdat en New York Commercial Bienes Raíces describe el edificio de 360 asientos, de 8,600 pies cuadrados de 1933.
En un recorrido por el teatro, mostraron daños por agua en las paredes, ventanas de vidrieras rotas y adornos externos que faltan. Mucílico dijo que el edificio necesitaba $ 250,000 en reparaciones.
Según la presentación del IRS de mayo, los ingresos anuales más altos del Consejo en los últimos cinco años fueron de $ 1.4 millones en 2019. Esa figura incluye ventas de boletos, regalos y subvenciones.
Según los registros de propiedad y las solicitudes del IRS, Washington compró el teatro en 2001 por $ 405,000 de un circuito de teatro de artistas unidos a través de una compañía de responsabilidad limitada, Smithtown Theater Holding Company.
Él y su esposa, Laura, fueron empleados asalariados de la organización sin fines de lucro. La organización sin fines de lucro pagó la empresa de holding $ 73,750 en alquiler en 2020.
La portavoz de Smithtown, Nicole Garguilo, dijo que los líderes de la ciudad vieron la supervivencia del teatro como esencial «basado en un récord comprobado con pueblos vecinos (Patchogue, Babylon, Riverhead), todos los cuales tienen centros de artes escénicas. «Necesita un ancla para atraer el tráfico de pies a la economía local, y además de eso, tiene innumerables jóvenes que van allí para clases de actuación, audiciones, actuaciones, muchos artistas talentosos que salen y continúan para perseguir a las carreras».
Historias culturales como esta que se pueden clasificar como cultura historica; ademas de hechos singulares como nos explican que hace un siglo, el diseño del paisaje era un mundo de hombres. Pero dos mujeres crearon un jardín para todas las edades.
El jardín de Dumbarton Oaks en Washington-Georgetown, es uno de los grandes jardines de Estados Unidos, conocido por los diseñadores de paisajes e historiadores de todo el mundo, apreciado por un grupo protector de vecinos, pero generalmente no tan conocido como merece ser en la capital de USA. El jardín está abierto al público. (*)
¿Qué me gusta del jardín? Casi todo. El diseño, los árboles, las salas del jardín, la artesanía, los cimientos intelectuales y las referencias históricas, y el hecho de que el paisaje es tanto de variedad como de unidad. Si alguna vez un jardín fue una obra de arte, es esta.
El conjunto de 16 acres es tan refinado que trasciende el período en el que se hizo, pero debemos dejar de lado esta cualidad atemporal por un momento y reflexionar sobre sus orígenes y las dos mujeres notables, mecenas y diseñadora, que lo crearon como un hace siglo.
Mildred Bliss y su esposo, Robert Bliss, compraron la propiedad en 1920; la diseñadora, Beatrix Jones Farrand, la visitó por primera vez en 1921, pero no expuso su visión del jardín hasta 1922. Le tomó el resto de esa década alcanzar la forma que ahora reconocemos, y las principales adiciones al complejo de casas y algunas importantes Las alteraciones del jardín ocurrieron después de que los Blisses cedieran la propiedad a la Universidad de Harvard en 1940, y después de que Farrand se retirara.
Cuando Farrand compartió su concepto en 1922, de espacios de jardín entre árboles viejos existentes, Bliss respondió para decir que la hizo «ronronear de alegría». El lenguaje podría sugerir un diletante en conversación con otro, pero ambas mujeres desafiaron esos estereotipos. Como dijo la fallecida arquitecta paisajista Diana Balmori, la idea de que Farrand «hiciera jardines para damas ricas y los diseñara mientras tomaban el té» no podría haber estado más lejos de la verdad.
En el momento de la comisión de Georgetown, Farrand era un arquitecto paisajista bien establecido y había diseñado el primer jardín de rosas de la Casa Blanca. Ella fue la única mujer entre los 11 miembros fundadores de la Sociedad Estadounidense de Arquitectos Paisajistas.
Otras diseñadoras de jardines notables aparecieron poco después de Farrand, pero cuando ella comenzó, una mujer era una rareza en la profesión. Entre los obstáculos que enfrentó estaba un perfil de 1897 en el New York Sun. “La señorita Jones tiene 25 años y es atractiva. Es alta y delgada, y su belleza es de un tipo majestuoso que desafía toda descripción «. El relato, aparentemente de una mujer que diseñó paisajes «desde cero», fue desenterrado por la biógrafa de Farrand, Jane Brown.
Brown señala en «Beatrix: The Gardening Life of Beatrix Jones Farrand» que en el momento en que el periódico estaba obsesionado con la apariencia de Farrand, ella estaba drenando un pantano de 25 acres, colocando un cementerio y limpiando una parcela boscosa de 40 acres en un bosque. paisaje.
Farrand nació en la privilegiada sociedad neoyorquina. Su tía era la novelista Edith Wharton, la familia era cercana a ese otro cronista del set brahmán, Henry James, y los invitados a la cena incluían al retratista de sociedad John Singer Sargent. Sus padres se separaron cuando ella tenía 10 años. Para Beatrix, que nunca llevó su corazón en la manga, esto la acercó a su madre, Mary, y alimentó su determinación de triunfar en un mundo de hombres. La joven Beatrix pasaba los veranos con su madre en Reef Point, su propiedad en Bar Harbor, Maine, desarrollando sus conocimientos de jardinería y plantas. Más formalmente, estudió en el Arnold Arboretum de Harvard en Boston bajo la tutela de su primer director, un león de la horticultura estadounidense llamado Charles Sprague Sargent.
En 1895, cuando tenía 23 años, Farrand y su madre emprendieron un extenso viaje de estudios por Europa, contemplando jardines históricos y contemporáneos en Italia, Alemania, Francia e Inglaterra. En más de seis meses de gira, escribe Brown, Farrand “había acumulado una gran colección de fotografías, hizo muchos bocetos y notas preliminares, y todo esto contribuyó a su depósito de estilos e ideas de diseño. De los jardines italianos, en particular, había aprendido lecciones duraderas «.
Farrand y su madre regresaron a Europa con frecuencia antes de la Primera Guerra Mundial, mezclándose con personas como Wharton, James y los propietarios expatriados de varios jardines y villas mediterráneos. Parecían personajes de una novela de Wharton o James o un cuadro de Sargent.
Pero si la familia de Farrand estaba bien conectada, Mildred Barnes Bliss estaba bien conectada y era rica. Ella era la heredera de una fortuna construida con patentes medicinales. Se casó con Robert Bliss, un diplomático de carrera educado en Harvard, en 1908. Sus viajes por Sudamérica – él fue enviado a Buenos Aires – despertaron su interés por el arte y los artefactos precolombinos. Cuando más tarde se mudaron a París, Mildred se sintió atraída por coleccionar arte bizantino, guiada por un esteta y banquero expatriado llamado Royall Tyler.
Después de la Primera Guerra Mundial, regresaron a Washington en busca de una propiedad donde eventualmente pudieran retirarse y albergar sus crecientes colecciones, y se establecieron en una finca conocida como The Oaks, una casa federal desgastada y muy alterada ubicada detrás de R Street NW. , pero con un terreno que se extendía hacia el norte hasta el lado más alejado de un valle de un arroyo, más de 50 acres en la ciudad. Tenía una pendiente pronunciada, especialmente en el lado este de la casa, y aunque el terreno era rústico, crudo y salpicado de dependencias, tenía muchos árboles viejos y un potencial enorme.
Mientras se realizaba una remodelación al por mayor de la casa, Mildred Bliss necesitaba encontrar un paisajista para el jardín. Supo de Farrand a través de Edith Wharton, a quien Bliss conoció en París durante la guerra. También puede haber recordado que Farrand, años antes, había trabajado en un jardín para la madre de Bliss.
Los nuevos propietarios del renombrado Dumbarton Oaks querían un lugar de campo en la ciudad. Los espacios formales para el entretenimiento y las alusiones neoclásicas siempre iban a ser parte de la mezcla de paisajes, pero Farrand no quería «la apariencia de disfrazarse tan repelente en muchos jardines modernos», y Bliss estuvo de acuerdo.
Decidieron que las terrazas debían tener una jerarquía de materiales: ladrillos en los niveles superiores cerca de la casa cambiando a piedra más rústica en la parte inferior. Esta gradación alimentó el concepto básico de todo el sitio como un paisaje que es formal, luego informal y finalmente pastoral.
Los creadores de grandes jardines tienden a ser formidables horticultores o arquitectos excepcionales de espacios de jardín. En Inglaterra, en este momento, la jardinera Gertrude Jekyll y el arquitecto Edwin Lutyens estaban creando paisajes para todas las edades. Aquí, Farrand era Jekyll y Lutyens en uno. «No creo que la gente aprecie cuánto ha reunido [Farrand] para hacer estas cosas increíbles», dice Judith Tankard, autora de «Beatrix Farrand: jardines privados, paisajes públicos».
Caminando a través de una cascada de terrazas desde el invernadero de la casa hasta el anfiteatro en Lovers ’Lane Pool, en el límite este, no sientes que has descendido 50 pies. No hay sentido de la gravedad. «Su capacidad para hacer frente a las pendientes de ese sitio es brillante», dice Thaïsa Way, directora de estudios de jardines y paisajes del instituto. «Para mí, eso es el poder de la arquitectura del paisaje: diseñado y cómodo, pero también diseñado para que sea hermoso».
Los espacios íntimos del jardín llevaban alusiones históricas y literarias especiales. Alrededor de la fuente en Arbor Terrace, las inscripciones y esculturas honran tanto a la «Divina Comedia» de Dante como a un amigo y jardinero italiano. El pequeño y dulce anfiteatro de ladrillo y césped que rodea la piscina Lovers ‘Lane Pool es un guiño al teatro al aire libre de la Academia Arcadia de la Roma del siglo XVIII. El Star Garden está inspirado en la traducción de Chaucer de un tratado filosófico romano.
Las referencias son de múltiples capas y el jardín en sí es una síntesis de los estilos italiano, francés e inglés. Pero no es un pastiche; su propio carácter auténtico está moldeado por su compleja respuesta a su entorno, clima, paleta de plantas y los cielos proteicos del Atlántico Medio. Desde los bordes norte de las terrazas elevadas, el cielo es una parte integral de la vista.
Incluso cuando Robert Bliss se jubiló en 1933, él y su esposa estaban haciendo planes para ceder la propiedad a Harvard, allanando el camino para que la casa, su biblioteca y las galerías posteriores se convirtieran en un lugar donde los académicos pudieran estudiar el arte y el paisaje bizantino y precolombino.
La transferencia se produjo en 1940. Mildred Bliss continuó dando forma al jardín y las adiciones al instituto hasta su muerte en 1969, pero Farrand, que tenía planes de desarrollar su propia propiedad en Bar Harbor como lugar de estudio del paisaje, se despidió del jardín. en 1947. Otros hicieron algunos cambios importantes en el jardín, en particular la asistente en jefe de Farrand, Ruth Havey, quien instaló el vistoso y barroco Pebble Garden donde solía estar la cancha de tenis. Alden Hopkins reemplazó el boj en la Elipse con el icónico seto de carpe. Pero el jardín de Dumbarton Oaks es la obra maestra de uno de los mejores arquitectos paisajistas de Estados Unidos y uno que solo podría haberse logrado con Mildred Bliss como su mecenas y colaboradora de diseño.
La asociación condujo directamente a algo más abstracto pero no menos importante: el papel de Dumbarton Oaks como incubadora del campo relativamente nuevo de la historia del paisaje. Un programa para académicos residentes ha hecho del sitio un centro de estudio global durante décadas, y un simposio y conferencias anuales han explorado muchos temas, incluidos los paisajes de guerra y los efectos de los descubrimientos botánicos en la sociedad. Un simposio a principios de la década de 1980 ayudó a revivir la reputación de Farrand, que para entonces estaba algo olvidado.
Vale la pena señalar, sin duda, que uno de los jardines más grandes del mundo fue creado por dos mujeres en una época en la que las mujeres estaban limitadas por las convenciones. «No es intrascendente que eligiera hacer su proyecto más íntimo con otra mujer, y otra mujer que estaba establecida y tenía una autoridad real», dice Way.
“Igual de significativo fue el tipo de ambición que compartían las mujeres, tanto para el jardín como para la institución”, dice John Beardsley, ex director de estudios de paisaje en Dumbarton Oaks.
Este campo de estudio se formalizó a principios de la década de 1970, pero echó raíces en la década de 1950, en un momento en que Bliss expandió enormemente su colección de libros y manuscritos raros sobre jardines. «Dumbarton Oaks realmente ha sido la cuna en este país del campo, un campo que ahora se ha convertido en uno de los campos más primarios en la historia del arte», dijo la historiadora del paisaje Therese O’Malley en una entrevista de historia oral en 2009 para Dumbarton. Robles.
¿Cómo eran las mujeres? Farrand parece haber estado siempre contenido emocionalmente, cordial pero no familiar. Su relación con Mildred Bliss como alma gemela era más cercana que con otros clientes. Bliss la llamaba «Trix» y Farrand firmaba cartas con «Tuyo muy afectuosamente». Pero incluso este vínculo se debilitó después de que Farrand se retiró. Un jardinero en Maine la recordaba cuando tenía unos 80 años paseando por su jardín todos los días, vestida con tweeds y usando un bastón pero recta, como sus paredes.
Bliss era un alma más aventurera y se desempeñó como esposa de un diplomático en el extranjero (más tarde se convirtió en la anfitriona consumada de Georgetown), pero también formó parte de un círculo de anticuarios expatriados. Llegó a Georgetown con la única ambición de crear su propia versión del siglo XX de la villa renacentista italiana como un santuario de las humanidades. A los 80 regresó a sus viejos lugares en Europa y Oriente Medio y visitó una excavación arqueológica en los desiertos de Siria. Ella fue una fanática del fitness de toda la vida y viajó con una maleta solo para sus pesas de ejercicio.
En nuestra época fracturada, los derechistas verían a Bliss y Farrand como elitistas de la Costa Este; los de la izquierda los verían como figuras del privilegio blanco. Los considero artistas colaboradores que le dieron al mundo una comprensión más profunda de la importancia de los jardines para la civilización y un hermoso refugio para visitantes de todos los orígenes.
Dentro de estos espacios verdes, hay una terraza o camino o recinto para dar santuario a tu alegría, tristeza, dolor, contemplación. «Este jardín significa mucho para mucha gente de formas que ni siquiera nos damos cuenta», dijo la exdirectora de jardines y terrenos, Gail Griffin, entrevistada por Dumbarton Oaks. «Creo que representa la serenidad».
Buscando algunas novedades en el mundo del arte en nuestro mundo actual descubrí algo interesante y singular, en el cual aparece el artista Filip Hodas (1) quien en reciente trabajo imagina un mundo en el que algunos de los personajes de dibujos animados más icónicos han seguido el camino de los dinosaurios.
(Popeye el marino soy…)
Es decir, presenta los esqueletos o fósiles de Popeye, Pluto, Minie y Mickie Mouse, RicoMcPato, piolin, etc.
(Piolin: Que lindo gatito…)
En este blog que almacena algunos artículos relacionados al arte y temas afines quiero almacenar algunas imágenes de Filip Rodas. Asimismo destaco algunas paginas culturales del arte actual en todas sus facetas o detalles singulares, que no son mías. Incluyendo una tienda online donde se venden algunos artículos originales. (2)
(RicoMcPato)
Filip Hodas le llamo a esta exposición como serie de «Cartoon Fossils», donde ha creado representaciones en 3D que presentan los cráneos de personajes conocidos en caricaturas o dibujos animados.
Esta no es la primera serie en la que Hodas ha imaginado un mundo que se ha movido más allá de su universo actual de dibujos animados. Su serie titulada Pop Culture Dystopia presenta representaciones en 3D de un futuro postapocalíptico en el que los iconos de la cultura pop son reliquias antiguas. (3)
También hay personajes animados mas actuales como Bob Sponge:
Actualmente las artes, como la escultura, tiene diversas formas de mostrarse ante el publico que gusta el arte. Las únicas cosas que se pueden considerar comunes con épocas pasadas es la exclusividad, los precios altos y la originalidad que tiene con ver con la visión singular del escultor o su influencia de la forma que se acerca a los gustos humanos actuales. Al menos de un sector importante o que le interesa.
Así pude ver a algunos artistas que se encuentran en revistas de arte o exhibiciones exclusivas o diversas, que siempre se dan y/o actualizan sobre estos temas.
Jordan Wolfson (1), un escultor de treinta y nueve años cuyo trabajo es representante de un tiempo caótico, enloquecedor y temeroso.
«Female Figure», que se estrenó en la galería de David Zwirner en Nueva York en 2014, es un simulacro de mujer de piel de silicona, manchada de suciedad, con una peluca rubia platino, un traje de stripper blanco y una máscara de bruja verde-negra con pico . ¿La pieza expresaba misoginia o una crítica de ella?
El trabajo de Wolfson es propiedad de instituciones culturales y colecciones privadas en los Estados Unidos, Europa y Asia. El Museo Stedelijk, en Amsterdam, presentó una retrospectiva de Wolfson en dos partes en 2016 y 2017; el año que viene, se hará cargo del Kunsthaus Bregenz, el museo de arte contemporáneo más importante de Austria.
Los partidarios del trabajo lo ven como un comentario melancólico sobre un futuro de máquina solitario y esclavizado mutuamente, y un reflejo de la cáustica crueldad de los humanos.
Los detractores, de los cuales hay muchos, interpretan el trabajo de Wolfson como una expresión nociva de privilegio, apropiándose casualmente del dolor que parece poco probable que haya experimentado personalmente.
Algunos críticos en Nueva York consideran que Wolfson es la manifestación perfecta de los impulsos más desagradables de la vida en línea. «Al igual que Keith Haring y Kenny Scharf en la década de los ochenta encarnaban la cultura del arte callejero, equivalente a lo que es el trolling en Internet.
Kim Seungwoo (1976, Corea del Sur) es otro escultor moderno que con su circulo negro, ver fotos abajo, hace una interpretacion personal de lo que para el representa un circulo de 70 cm de diametro, en un ambiente oscuro y para ello uso metales como acero y cobre. El precio de su trabajo lo ofrece por $29,000.00 dolares.
Finalmente, apreciemos otra escultura de Seungwoo, quien usando los mismos materiales , de acero y cobre, hace la estatua de la venus de milo con dimensiones de 202cm de altura, 60cm de ancho y 55cm de profundidad. Su precio es de $132,000.00 dolares.
El oro es un elemento químico o un metal precioso blando de color amarillo; sin embargo su valor histórico y comercial es considerable y actualmente quien posee mas cosas de oro es símbolo de buen estatus económico , de lujo o protección monetaria en tiempos de escasez laboral o económica. Ademas es uno de los metales más utilizados en las joyerías por su composición elemental y su rareza y por ser un metal difícil de encontrar en la naturaleza y en la tierra, abunda más en el interior de las montañas. También se usa en la industria y la electrónica por su resistencia a la corrosión.
«Este metal se encuentra normalmente en estado puro, en forma de pepitas y depósitos aluviales. Es un elemento que se crea gracias a las condiciones extremas en el núcleo colapsante de las supernovas. Cuando la reacción de una fusión nuclear cesa, las capas superiores de la estrella se desploman sobre el núcleo estelar, comprimiendo y calentando la materia hasta el punto de que los núcleos más ligeros, como por ejemplo el hierro, se fusionan para dar lugar a los metales más pesados (uranio, oro, etc.). Un estudio sugiere que el oro del planeta provino de la colisión de estrellas de neutrones. Otras teorías apuntan a que el oro se forma de gases y líquidos que se elevan desde la estructura interna de la Tierra, los cuales se trasladan a la superficie a través de fallas de la corteza terrestre; Sin embargo, las presiones y temperaturas que se dan en el interior de la Tierra no son suficientes como para dar lugar a la fusión nuclear de la cual surge el oro.»(1)
El oro es la raíz de muchos mitos, en los que ha representado el sol, las riquezas no contadas e incluso la divinidad. Un símbolo de estatus universal desde la antigüedad, la belleza, la tacto y la maleabilidad del metal lo han convertido en el material más deseable del adorno humano.
Ahora veamos 7 objetos hechos de oro y destacados por el New York Times recientemente. (2)
Este collar ceremonial, el gorgo de Shannongrove, fue descubierto en un pantano irlandés en el siglo XVIII y ahora se encuentra en el Victoria and Albert Museum de Londres. Desde finales de la Edad del Bronce, muestra sofisticadas técnicas de persecución y estampado. (Ver abajo)
Sotheby’s celebrará el Midas Touch, su primera venta dedicada exclusivamente al oro, el 14 de octubre en Londres. El evento contará con la «Canción de la sirena» de Marc Quinn (2010), un busto de oro sólido de 18 quilates de Kate Moss, que pesa 8.021 gramos (17 libras).
La joyera con sede en Londres Ute Decker demostró las cualidades escultóricas del oro con sus pendientes Praise of Shadows. Ella usa solo oro de comercio justo, que puede rastrear su origen a pequeñas operaciones mineras en países como Perú y Uganda.
Las joyas hechas completamente de oro se pusieron de moda durante la austeridad posterior a la Segunda Guerra Mundial, coincidiendo con el ascenso de la mujer fuerte e independiente. Aquí, para una foto de Vogue de 1969, Marisa Berenson llevaba capas de cadenas y anillos de oro de Bulgari.
Durante los años sesenta y setenta, el taller en París de Georges Lenfant, ahora dirigido por su hijo Jacques, creó brazaletes de oro con diseños y texturas intrincados, como este en Hancocks, un comerciante de Londres.
Se ha desarrollado una variedad aparentemente infinita de habilidades de orfebrería desde que los mesopotámicos demostraron técnicas de cloisonné, filigrana y granulación hace más de 3.000 años. Aquí, el brillo característico de la orfebrería italiana del joyero Marco Bicego se crea utilizando el bulino, una herramienta tradicional que produce una textura fina y pulida.
Para los Juegos de Atenas de 2004, la joyera griega Elena Votsi creó un diseño de medalla olímpica que todavía se usa en la actualidad. Sus diseños de joyas escultóricas, como el anillo de arriba, coinciden con la moda actual de las piezas de declaración, y el oro pulido es su material preferido. «Es como un lienzo donde puedo contar mi historia», dijo.
El Ibis es un ave que tiene el cuello largo y el pico curvado hacia abajo, y normalmente se alimentan en grupo, sondeando el barro para obtener la comida, generalmente crustáceos. (1)
American White Ibis (Eudocimus albus), Myakka River State Park, Florida, USA
Según el folklore, el ibis es el último animal que se refugia antes de un huracán, y el primero en reaparecer después del paso de la tormenta.
El ibis era objeto de veneración religiosa en el antiguo Egipto; particularmente asociado con el dios Dyehuty (Thot).
Abajo veremos una danza clasica de un grupo chino (Shanghai) quien representa una historia de aves (Ibis) en peligro, contada a través del arte de la danza. El nombre de la obra es ‘Soaring Wings’, la cual ademas se enfoca en la extinción de la vida silvestre.
Ambientada en la China del siglo 20 y representada por «el Shanghai Dance Theatre» desde 2014, el programa tuvo una duración limitada en Nueva York y Boston.
La obra refleja la difícil situación de la vida real del Ibis con cresta, un pájaro majestuoso que alguna vez se contabilizó en decenas de miles y que habitó gran parte del este de Asia y Rusia. Pero en la década de 1970, la caza, la contaminación y el dragado de los humedales habían aniquilado completamente a la especie, salvo siete individuos en las estribaciones de Qinling en China.
Hoy en día, gracias al seguimiento por GPS, a las prohibiciones de pesticidas y a la estricta vigilancia de nidos, se ha logrado expandir a casi 2,000 aves.
Soaring Wings, fue escrita por el dramaturgo Luo Huaizhen, sigue a un joven leñador que encuentra a Ibises dormitando en el bosque. Él instantáneamente se enamora del líder de la bandada; es un romance basado en la fascinación, uno con el que muchos observadores de aves y ornitólogos se pueden identificar. Pero el entorno encantador toma un giro sombrío a medida que la muerte y la destrucción dominan el mundo de los ibis. La iluminación se oscurece, el fondo se vuelve negro, y las aves pierden su plumaje por capas más sobrias.
A medida que el espectáculo entra en su segundo acto, la pluma vuelve a aparecer en el punto de mira. Esta vez, un grupo de bailarines se turna para lanzarlo al aire, atrapándolo antes de besar el suelo. La escena es tan desconcertante como reveladora. (2)
Al pasar de la calidez descuidada de una aldea agrícola a la severidad estéril de una ciudad moderna, «el drama muestra la erosión de la vida anterior a la actualidad». En el proceso, «[los animales] se caen y desaparecen; es la forma en que expresamos nuestra falta de conocimiento gradual de las especies naturales «.
Pero al final viene la esperanza, a medida que surge una nueva clase de conservacionistas. Para ese propósito, Soaring Wings se eleva por encima de sus límites como una obra de arte silenciosa. «El resto lo hace la audiencia y su imaginación».
Si el ballet demuestra algo, es que necesitamos comprender mejor cómo afectamos a las aves y a nuestro planeta.
Leonardo da Vinci (1452-1519) fue un multifacetico artista y científico de la edad media, cuyas obras o proyectos todavía perduran o asombran a las generaciones actuales que se detienen un momento de sus vidas para leer y ver lo que hizo. (1)
Quiero compartir algunas de sus creaciones que se muestra en el libro “Math and theMona Lisa” auspiciado por la organización cultural Smithsonian. (2)
Realmente es increíble como pudo tener ideas o hizo diagramas que generaciones posteriores les sirvieron de base para hacer cosas que actualmente usamos. Entre las cosas que hizo están los diagramas sobre bicicletas, automóviles, tanques, puentes, paracaídas, casco para estar bajo el agua y hasta submarinos. También hizo experimentos sobre proyectiles y su trayectoria, la disección y entendimiento de la estructura anatómica de algunos animales y humana (anatomía), el estudio de plantas (Botánica), geometría, física e ingeniería.
(Diagrama de Leonardo da Vinci donde muestra “las Proporciones del cuerpo humano”.)
Leonardo da Vinci nunca se caso y no hay evidencia de romances o hijos que tuvo. Se dedico su tiempo completo a realizar todos sus proyectos, basado en ideas o curiosidades que tuvo a lo largo de su vida.
Se dice que Leonardo da Vinci, cuando era joven y se hizo un autoretrato como “La mona Lisa” ; pero esto no se comprobó oficialmente. Mas bien, lo mas probable es que el real nombre de “la mona Lisa” fue Lisa Gherardini, esposa de un mercader fiorentino. (3)
Asimismo esta pintura fue realizado entre 1503 a 1506
Lo que si esta comprobado es su autoretrato en sus últimos ahos de vida como se muestra a continuación:
Aparte de la mona lisa Leonardo hizo el portarretrato de otras dos mujeres, donde hace un esbozo geométrico previo, como muestro a continuación:
Otro de los cuadros femeninos famosos es el de la virgen de las rocas, el cual data de 1483 y se encuentra en el museo de Louvre en París (Francia). Ver abajo:
También observamos un rudimentario telescopio que leonardo uso para hacer un estudio de los rayos de luz:
De sus minuciosas observaciones de la naturaleza dibujaba cosas como “los logaritmos naturales en la naturaleza” (usados en matemáticas). Si lo comparamos con sus equivalentes actuales veamos la siguiente información visual:
También lo podemos ver en algunas escaleras de edificios o esculturas diseñadas por Leonardo y una de las cuales tiene el vaticano:
Finalmente, “la ultima cena de Cristo” hecha por 1498 y que almaceno en este Blog.
Actualmente es muy difícil que aparezca otro leonardo da Vinci; pues ahora la ciencia o tecnología es muy detallada o especializada. Por tanto, por mas inteligente que sea una persona le faltaría tiempo de vida para dedicarse a aprender y dominar todos los aspectos de la ciencia y el arte como lo hizo Leonardo en su tiempo, donde todavía la ciencia era muy primitiva.
Aparentemente, los cuadros que representaban a musculosos trabajadores y campesinos para difundir la ideología soviética tenían que haber pasado a la historia junto con la URSS. Sin embargo, ha ocurrido justo lo contrario. El gobierno soviético desapareció hace tiempo, pero su arte sigue vivo. RBTH ha descubierto la razón por la cual el realismo socialista se ha convertido en uno de los géneros más demandados y caros en el mercado del arte contemporáneo.
El 2014 podría considerarse el año del realismo socialista. A principios de año, la casa de subastas Sotheby’s inauguró en Londres una exposición sin ánimo de lucro bajo el nombre Soviet Art. Soviet Sport. La exposición contaba con unas 40 obras de realismo socialista, buena parte de los cuales pertenece al Instituto del Arte Realista Ruso de Moscú.
En mayo, se inauguró en Londres una exposición del pintor soviético Víktor Popkov (que ya había pasado por Moscú y Venecia). Solo los primeros días recibió cerca de 3.000 visitas. La prensa incluyó esta exposición entre los cinco eventos más interesantes del momento en la capital británica. Lo que es más, se prevé que antes de que acabe el año se abrirá también en Londres un museo dedicado por completo al realismo socialista. Por último, Sotheby’s subastó en junio una colección de realismo socialista de la Confederación Internacional de Artistas, una organización rusa heredera de las uniones profesionales soviéticas de artistas. Dos décimas partes de los trabajos obtuvieron unas valoraciones muy altas, alcanzando un importe total de 4,5 millones de libras.
La jefa de la sección de pintura rusa de Sotheby’s, Frances Asquith, declaró: “En los últimos diez años se han visto relativamente pocos ejemplos de realismo socialista en el mercado con calidad de museo. Los coleccionistas entienden que el valor de este tipo de obras —como la de Georgui Nisskii, adquirida por el triple de su valor de tasación— reside en lo acertado de la composición y en la novedad de la paleta de colores, y no tanto en la exactitud con la que el artista plasma los principios del realismo socialista”. Actualmente el realismo socialista está experimentando un renacimiento. El espectador está redescubriendo a pintores que dedican sus lienzos a musculosos deportistas, campesinos y trabajadores, así como a las manifestaciones y a la cotidianidad de las fábricas.
Historias accesibles al pueblo llano destinadas a educar en el espíritu socialista conformaron la corriente dominante en el arte soviético desde 1930 a 1980. El segundo gran principio de este método de expresión artística consistía, como escribían entonces, “en crear una representación veraz de la realidad basada en un momento histórico concreto”, lo que durante años excluyó del plano oficial todos los logros de la vanguardia rusa. El gobierno no solo incentivaba a los pintores del realismo socialista con encargos estatales, viajes para fomentar la creatividad, premios y otros beneficios, sino que también los controlaba por medio de la censura. El realismo socialista era, en esencia, una forma de propaganda, ideología concentrada en una expresión artística comprensible para todo el mundo. Su presencia durante largas décadas llegó a hartar tanto a los ciudadanos soviéticos que, tras el colapso de la URSS, desapareció de los museos y exposiciones durante 15 años. Se puso de manifiesto un cansancio psicológico generalizado de todo lo que estaba relacionado con la ideología soviética. Pero en la década del 2000 la situación comenzó a cambiar: empezaron a aparecer coleccionistas interesados precisamente en esta corriente y las casas de subastas incluían este tipo de obras. Por ejemplo, la casa de subastas Sovkom —líder en el mercado del realismo soviético en Rusia— vendió en diez años más de 50.000 lotes y alcanzó los primeros récords de precio con los principales representantes de esta corriente como Deineka, Samojválov, Niskii, Bubnov, Plastov y muchos otros. En Londres, Nueva York, Berlín, Frankfurt y Roma se han organizado y se siguen organizando exposiciones de realismo soviético en cuyas entradas se concentran invariablemente largas colas. En Minneapolis se ha abierto un museo de arte ruso en el que se expone la colección de Raymond Johnson, un destacado artista norteamericano que fue de los primeros en detectar el potencial artístico del realismo soviético. En los años 90 compró por un precio simbólico los trabajos de numerosos pintores soviéticos, reuniendo la mayor colección de pintura realista rusa fuera de la URSS. El realismo socialista en el mercado del arte
Millonarios rusos provocan un boom en el mercado del arte Todo lo soviético se convirtió en objeto comercial en el periodo de la perestroika: el realismo socialista se vendía junto con las matrioshkas y los extranjeros lo percibían como algo exótico, algo kitsch. Actualmente, según asegura el propietario de la casa de subastas moscovita Sovkom, Yuri Tiujtin, esa moda ya ha pasado entre los extranjeros. Sin embargo, hay coleccionistas y marchantes arte con una gran afición por esta corriente. Uno de ellos, el crítico de arte y galerista Matthew Boun, considera que el mayor logro del arte ruso en el siglo ХХ no es la vanguardia rusa, como se creyó durante muchos años, sino el arte del realismo socialista. Según Tiujtin, entre los grandes compradores destacan actualmente los chinos, quienes están barriendo todo el mercado de académicos rusos como los Takachov, Ivanov, Ossovski, Maksímov, Moiseenko y Mílnikov.
“Ahora se pueden adquirir obras de museo a buenos precios”, aclara el experto. “Aunque el precio de las obras del realismo socialista se ha multiplicado por 10 y 20 en los últimos 10-20 años. Hablamos de un mercado de obras maestras, claro, pero también hay otro de cuadros más baratos, que rondan los 3.000-10.000 dólares. Entre los rusos, este segmento de mercado tiene una demanda constante: los motivos les resultan familiares y claros, una enorme cantidad de personas se educó con estos materiales”.
El país nórdico de Islandia tiene unos 40.000 kilómetros cuadrados y ha permitido conseguir estas fotos que se pueden considerar artísticas, singulares y que son pruebas del paso de vida humana por aquellos parajes solitarios. (1)
Aquí podemos ver algunas fotos desde una excavadora abandonada hasta un avión de la Marina de los EE.UU. Dicho avión estaba en ruta a la base militar de Keflavik cuando se quedó sin combustible y aterrizo de emergencia en las arenas de la costa sur de Islandia. El avión todavía se encuentra ahí hoy en día.
La mayoría de los camiones abandonados, carros y estructuras inferiores tienen historias no contadas sobre por qué fueron olvidados. Quizas nunca sepamos por qué fueron abandonados.
Þorsteinn H Ingibergsson es un fotógrafo autodidacta con talento que reside actualmente en Reykjavík, Islandia. Ingibergsson dirige una empresa contratista de éxito y ha estado tomando fotos increíbles durante más de 20 años. El trabajo de Ingibergsson ha sido publicado en varias revistas y periódicos. Su obra está muy extendida en toda la web.
A Mario Testino lo define la mezcla: destaca en los salones más elegantes para luego confundirse entre lo underground, aprecia la locura tanto como la sobriedad, es el maestro que captura el efímero esplendor de la moda y a la vez es el fotógrafo oficial de la Familia Real Británica. (1)
Este viernes, en los ambientes del MATE barranquino, Testino fue nombrado presidente de la oficina peruana del World Monuments Fund (2), la principal organización privada dedicada a la salvaguarda de los monumentos más preciados del mundo, y que en el Perú ha desarrollado una veintena de proyectos de conservación de nuestro patrimonio histórico. Un honor que tiene algo de esta mezcla que fascina a Testino: el fotógrafo que captura el instante, ahora el comisionado en proteger lo que debe ser permanente.
Por cierto, la restauración de la casa barranquina que acoge a la Asociación Mario Testino es suficiente prueba de la idoneidad del artista internacional para el puesto. «Cuando me puse a restaurar esta casa, la gente no se esperaba lo que resultó. Muchos me preguntaban por qué ponía de mi dinero y mi tiempo en algo así, cuando podría estar comprando cosas».
Sin embargo, Testino está decidido a profundizar en el camino emprendido por la recuperación del patrimonio cultural. «Dejé el Perú hace 38 años y he estado abocado en todo lo que fuera nuevo, lo último, lo desconocido.
Ahora añoro mucho lo conocido, me falta ese balance en mi vida. Aceptar la presidencia del World Monuments Fund Perú significa ayudar en todo lo que pueda», afirma.
¿Cuál es tu visión como presidente del World Monuments Fund Perú? Hay muchos monumentos históricos que debemos recuperar y es importante identificar las joyas que tenemos. En ese sentido, la labor que ha hecho el World Monuments Fund con la Ruta del Barroco Andino en la periferia del Cusco es impresionante. Cuando fui a fotografiarlo para el ‘‘Vogue” francés, vi de cerca la reacción de la gente hacia este trabajo de recuperación. Iglesias como San Pedro Apóstol en Andahuaylillas o San Juan Bautista en Huaro y la Capilla de Canincunca, construidas en los siglos XVI y XVII con fines de evangelización. ¡Son verdaderas joyas! Debemos ir en esa dirección. También debemos desarrollar el turismo urbano. En el Perú tenemos tantas maravillas que uno se olvida que Lima también tiene lo suyo. Para mí, Barranco ha sido el comienzo. Cuando viajo alrededor del mundo y escucho a la gente hablar de su viaje a Lima y de los encantos de Barranco, me encanta. Antes el turista venía al Perú, se quedaba una noche en Lima y partía luego a la montaña. Tenemos tantos proyectos para recuperar monumentos en Lima… No soy un experto, pero voy a ser guiado por gente que sí lo es. Yo ayudaré en lo que puedo: aportar mi mirada, facilitar la comunicación, asegurar nuevos fondos…
Uno de esos proyectos de restauración contempla el trabajo en la Quinta de Presa, en el Rímac. ¿Cómo restaurar un monumento cuando todo su entorno está degradado? Cuando no le das una razón de existir a las cosas, estas vuelven a caer. Pienso que es importante pensar en el segundo uso que puedes darle a los espacios. La casa del MATE, por ejemplo, revivió al darle una nueva misión: abrirla a la gente para mostrar exposiciones. En una restauración, puedes curar un edificio histórico central y a partir de este trabajo puede crearse una dinámica que recupere los alrededores. La conservación del patrimonio puede ser también un motor del desarrollo. En Nueva York, por ejemplo, ibas a Tribeca, donde yo viví a comienzos de los años ochenta, y encontrabas una zona abandonada y peligrosa. ¡Ahora todos quieren vivir allí! Imagínate qué grandes cosas podrían suceder si arreglaras el Rímac. De allí podría salir una larga serie de mejoras.
¿Cómo cambiar la mentalidad del limeño que optó por alejarse de los barrios históricos e irse a vivir a otras zonas de la ciudad? Te pongo un ejemplo: Estas casas barranquinas son un elefante blanco y nadie las quiere restaurar. Hacerlo cuesta dinero, y además no obtendrás de ellas las comodidades que puede tener un edificio nuevo diseñado para satisfacer las necesidades de hoy. Pero, si les das un nuevo motivo para existir además de la restauración, lograrás resultados muy interesantes. A través de las leyes y de la educación, todo puede cambiar. ¡Estamos viviendo un gran momento para el Perú! Y a mí me gusta ser parte de lo que está pasando.
* Mensaje publicado por Mario Testino: «Primer día como presidente del World Monuments Fund para el Perú (13 Abril 2014)
Tratando de ponerme al día en este blog quiero compartir algunas fotos que obtuvieron los primeros lugares para la compañía «World Press Photo», fundada en 1955, cuya función principal era destacar la prensa grafica. Después de haberla visto me parecen muy buenas y siempre los primeros lugares son un tanto polémicos o subjetivos; pues dependen de la coyuntura mundial y de la visión o experiencias de los encargados de seleccionarlas y calificarlas.
Ahora si veamos las primeras 14 fotos:
1) Fotografía titulada «Señal», realizada por el estadounidense John Stanmeyer, que ha ganado el World Press Photo, según informó la organización del prestigioso galardón con sede en Amsterdam (Holanda) mediante un comunicado, hoy, viernes 14 de febrero de 2014. El jurado de la 57 edición del World Press Photo concedió hoy el galardón a la fotografía de 2013 a Stanmayer por suinstantánea, en la que un grupo de inmigrantes africanos busca cobertura para sus teléfonos móviles en la orilla de Yibuti.
2) Fotografía realizada por el alemán Markus Schreiber, de Associated Press (AP), ha ganado el primer premio en la categoría Retratos. Esta fotografía muestra a una mujer reaccionando después de el acceso a la capilla ardiente del expresidente sudafricano Nelson Mandela fuese cerrado, a las afueras de los edificios sindicales, en Pretoria (Sudáfrica).
3) Fotografía realizada por la estadounidense Sara Naomi Lewkowicz, que ha ganado el primer premio en la categoría de Temas Contemporáneos de la 57ª edición del World Press Photo, Esta fotografía, parte de una serie sobre violencia doméstica, muestra a Shane y Maggie forcejeando mientras Memphis (i) corre por la cocina en Lancaster, Estados Unidos.
4) Fotografía realizada por el francés Phillipe Lopez, de la Agencia France Presse (AFP), que ha ganado el primer premio en la categoría de Noticias de Actualidad. Esta imágen muestra a los supervivientes del tifón Haiyán, que afectó el centro de Filipinas en noviembre de 2013 y causó más de 6.200 muertos, en una procesión religiosa en Tolosa, en la isla de Leyte.
5) Fotografía titulada «Ich bin Waldviertel» realizada por la holandesa Carla Kogelman, que ha ganado el primer premio en la categoría Reportajes. Esta fotografía muestra a Hannah y Alena, dos hermanas que habitan en la localidad rural de Merkenbrechts (Austria).
6) El primer premio en la categoría Naturaleza ha sido para esta fotografía realizada por el estadounidense Steve Winter, para National Geographic. Esta fotografía muestra a un puma en el parque Griffith de Los Ángeles (Estados Unidos). Para llegar hasta el parque, que ha sido el hogar de este puma durante los últimos dos años, el animal tuvo que cruzar una de las autopistas con mayor tráfico de Estados Unidos.
7) Peter Holgersson ha ganado el primer premio en la categoría de Deportes y fotografías de acción. Esta fotografía muestra a la atleta sueca Nadja Casadei antes de recibir su último tratamiento durante su lucha contra un cáncer linfático, en Lidingö (Suecia).
8) Fotografía realizada por el alemán Julius Schrank, para Volkskrant, que ha ganado el primer premio en la categoría de Vida Cotidiana. Esta fotografía muestra a varios combatientes de la guerrilla de la minoría birmana kachin cantando durante la celebración del funeral de uno de sus comandantes, que falleció el día anterior, en una localidad asediada por la Armada birmana.
9) Fotografía realizada por el polaco Andrzej Grygiel, de la agencia polaca de noticias PAP, que ha ganado el segundo premio en la categoría Deportes y fotografías de acción de la 57ª edición del World Press Photo. En la imagen un participante en el Campeonato Internacional de Esquí, en Szczyrk (Polonia), el 24
10) El fotógrafo italiano Alessandro Penso de Onoffpicture ha ganado el primer premio de la categoría de Temas de Actualidad. Esta fotografía muestra un alojamiento temporal acondicionado para los refugiados sirios en Sofía (Bulgaria).
11) Instantánea tomada por el fotógrafo francés William Daniels, que ha ganado el segundo premio en la categoría de Temas de actualidad.
12) Fotografía realizada por el fotógrafo estadounidense Tyler Hicks, del The New York Times, que ha ganado el segundo premio en la categoría de relatos de Actualidad. En esta fotografía, que forma parte de una serie sobre el asalto a un centro comercial de Nairobi el 21 septiembre del pasado año, se observa a una mujer junto a dos niños escondidos, que finalmente lograron escapar ilesos.
13) El fotógrafo serbio de la agencia Reuters Goran Tomasevic ha ganado con su serie sobre un ataque rebelde en Damasco el primer premio en la categoría de de relatos de Actualidad.
14) Fotografía realizada por el fotógrafo mexicano Christopher Vanegas, de La Vanguardia/El Guardian, que ha ganado el tercer premio en la categoría de Temas Contemporáneos de la 57ª edición del World Press Photo. Esta fotografía muestra a varias víctimas del crimen organizado, en Saltillo, Coahuila, México.
La sala sinfónica del Auditorio Nacional de Madrid estalló de emoción con la extraordinaria voz del tenor peruano, Juan Diego Flores. Recientemente ambos se habían reunido y mantenido charlas personales.
Con humildad, MarioVargas Llosa, el agazajado de la noche, se acercó al escenario y se unió a los aplausos para estrecharle la mano al tenor peruano más exitoso que haya visto el mundo.
* Vídeo de Reporte semanal, Lima, 24 Noviembre 2013
Arte, Literatura, Filosofía, Religión, Turismo y Gastronomía 