Mar Figueroa Nacio en Guayaquil, Ecuador y fue criada entre Ecuador y Jersey City (New Jersey). En Ecuador, asistio a una escuela rural que su bisabuelo fundó y ayudó con las tareas del rancho y en Jersey City, asistio al programa Visual Performance High School en la Universidad de Nueva Jersey City y comenzo a asistir a programas previos a la universidad en becas en NYU y RISD.
En 2015, se graduo y desde entonces ha estado desarrollando su estudio y práctica de diseño. Actualmente vive en la Ciudad de México creando obras de arte para su próxima exposicion en la Galería Eve Leibe en Londres.
La Hacienda fue una oda para el rancho de su familia en las montañas de Coastal Ecuador. Estaba inmersa en un entorno de tradiciones pre hispanas, baladas andinas y conversaciones de inmigrantes. Asi desarrollo un interés en las historias que trajeron a las personas a la cocina de su madre. Su educación bicultural alimenta el interés en los estudios pre-hispanos y la cultura de los inmigrantes.
El Proyecto de Mar Figueroa es utilizar su espacio de residencia en el campo para promover su investigación en la herencia ancestral de las tribus andinas, y crear una serie de pinturas que abren aún más la conversación sobre la identidad indígena y latina.
Crecer su conocimiento de la cultura ecuatoriana y peruana indígena se limitó a los fragmentos de información pasados a través de historias familiares y secciones pre hispanas de los museos de Nueva York.
Este límite creó una perspectiva en la historia de los nativos americanos era un capítulo terminado en lugar de una historia en curso.
Hoy, su objetivo es reconstruir escenas, antepasados, rituales de los incas, quechua, paracas, chachapoya, moche, jivaroan, valdivia y más tribus en forma de pintura que abordarían esta idea errónea y mostrarían persistencia indígena entre las comunidades de inmigrantes latinos.
Entre las cinco obras de arte cargadas en su aplicación se encuentra una escena de la preparación de Colada Morada, una bebida morada pre hispana andina hecha de harina de maíz azul, especias y varias frutas. Tradicionalmente se consume el día del difunto, conocido a nivel mundial como “Day of the Dead”, un feriado en honor a nuestros antepasados y familiares fallecidos.
En el Imperio Inca, esta importante fecha fue celebrada por un ritual en el que los cuerpos momificados de nuestros antepasados serían desenterrados y llevados a casas para ser limpiados y compartir esta bebida púrpura.
Hoy, solo consumimos la bebida y comemos pan de aspecto momia. El restaurante de mi familia prepararía una gran cantidad de la bebida porque tenía una gran demanda entre los inmigrantes andinos en New Jersey y New York. La experiencia de presenciar la persistencia de su comunidad para continuar participando en un ritual ancestral que ha sobrevivido al colonialismo y la migración es su inspiración para esta investigación y documentación más profundas, que plasma en sus obras actuales.
Los estadounidenses han crecido acostumbrados a las fotos de Abraham Lincoln en blanco y negro, reproducidas en los medios tonos de nuestros libros de historia. Las imágenes siguen siendo esenciales.
Thomas Jones, un escultor que estudió de cerca la cara de Lincoln, señaló que puso una expresión formal, una «máscara de hierro», siempre que necesitaba lucir presidencial. Ese aspecto está presente en cada fotografía; En solo uno hay incluso una media sonrisa. (*)
Abraham Lincoln, painted by W.F.K. Travers in 1864 or 1865.
Pero hace tres años, en un edificio municipal en Nueva Jersey, me paré ante un espléndido lincoln vivo, a todo color, con tono de piel realista, ojos brillantes mirando a la distancia, la obra de la luz parpadeando en su rostro. Fue una de las tres pinturas completas de Lincoln, que existe. Estaba terminando un libro sobre el viaje en tren de Lincoln de 1861 a Washington y tratando de encontrar cuentas de lo que se sentía como para estar en su presencia mientras viajaba por el país. De repente, tuve esa experiencia.
La inmensa pintura, 9 pies de altura (2.75mts.), me abrumó durante esa primera visita. Encontrar este enorme Lincoln reafirma su presencia física y moral en un momento en que casi todos los aspectos de nuestra historia se sienten al día con las capturas. Hasta cierto punto, es un guardián de tradición, tocando una copia de la Constitución, mientras que George Washington aparece sobre su hombro izquierdo en una imagen y un busto enmarcado. Pero el retrato también reafirma una afirmación que era obvio para los estadounidenses del tiempo de Lincoln: que era la fuerza impulsora detrás de la emancipación. Retrata a un presidente con conciencia, decidido a terminar la esclavitud. Junto a la Constitución, la 13ª Enmienda se representa en una mesa cerca de una estatua de un afroamericano liberado. Detrás de él, se entrega un globo para que el espectador pueda ver Haití, el país que Lincoln reconoció oficialmente por primera vez en 1862.
Este animado retrato de nuestro 16º presidente, recientemente restaurado, ha resurgido después de décadas de cerca del olvido, escondido a simple vista, donde fue visto por muy pocos estadounidenses fuera de los compañeros de la ciudad que le presentaron en su camino para pagar los boletos de estacionamiento y las facturas de agua.
El Congreso debatió su compra para el Capitolio en numerosas ocasiones a fines del siglo XIX y principios del XX, pero se desvió al precio. Como los legisladores consideraron su destino durante esos años, colgaba en el Capitolio, generalmente en la sala de comité naval. Finalmente, fue comprado por un Rockefeller, luego adquirido por otro, Geraldine Rockefeller Dodge, quien lo instaló en un edificio, ella donó a la ciudad de Madison, N.J., en memoria de su hijo. Ese edificio, dedicado en 1935, se convirtió en el Borough Hall y un santuario a la democracia local.
En los últimos años, sin embargo, los fideicomisarios de la fundación que mantienen el edificio comenzó a darse cuenta de que tenían algo especial. En 2017, aprendieron que un busto en su poder era una creación del gran escultor francés Auguste Rodin. Mirando alrededor de otros artefactos, vieron la pintura de Lincoln en una nueva luz y se propuso estudiar su procedencia.
Desde entonces, han descubierto la nueva información, gracias a un informe interno de un erudito en la Universidad de Marshall, Stefan Schoeberlein. Para comenzar, tuvieron que desaprender algunas de las afirmaciones inestables en el registro histórico. Cuando el Congreso estaba debatiendo la compra, se habían dicho muchas historias del artista, W.F.K. Travers, quien fue descrito como un inmigrante alemán ansioso por luchar en la Guerra Civil, pero rechazada por una condición médica. Según estas cuentas, Travers se reunió con Lincoln en la calle en 1864 y se ofreció a hacer su parte creando una gran pintura. Lincoln accedió a la solicitud de Travers.
Después del asesinato de Lincoln, Travers completó la pintura en Europa, luego lo vendió a un diplomático estadounidense en Frankfurt. En 1876, se mostró prominentemente en la exposición centenaria en Filadelfia, donde, según Lore, Mary Todd Lincoln se desmayó al verlo.
Schoeberlein ha descubierto algunos agujeros en este registro: no está claro que Travers ha intentado unirse al ejército. Puede haber pintado Lincoln en 1865, no 1864, eso explicaría la prominencia de la 13ª enmienda. Y era más holandés que alemán, aunque había vivido en una variedad de lugares, incluidos Honduras, Grecia e Italia. Además, no hay evidencia de que alguien se haya desmayado al ver la pintura. Nada de esto disminuye el poder de la pintura.
Como los amigos de Lincoln sabían bien, hubo un rango infinito para sus expresiones faciales, un labio que se acurrucó de cierta manera, arrugas que arrugaron con alegría cuando contó una historia, y esos «ojos lejanos», como se describió un estrecho conocido. Walt Whitman escribió que Lincoln tenía una cara «como un Hoosier Miguel Ángel, tan horrible, se vuelve hermosa», pero también dotada de cualidades raras, tan difíciles de capturar como «un perfume salvaje o un sabor a fruta». Esperaba que un gran pintor algún día capturaría su «color peculiar» y «las líneas, los ojos, la boca, la expresión». No era optimista. «Los retratos actuales son todos fracasos», concluyó.
¿Levantó Travers a el nivel casi inalcanzable de Whitman? Eso es para que el público decida. Pero los ojos lejanos están presentes aquí, y la máscara de hierro se ha ido. Es un retrato detenido, mejor que los demás, y digno de una audiencia más amplia. Washington está lleno de pinturas mediocres de Lincoln, incluido un retrato no distinguido que cuelga en la oficina ovalada, pintada en 1915, y una pintura problemática en el comedor estatal de la Casa Blanca, de un Lincoln sentado, por G.P.A. Healy. Tiene calidades de redención: la cara está bien renderizada, pero se cortó de un proyecto más grande, un estudio de grupo, y muestra a Lincoln en una posición incómoda, sus largas piernas metidas incómodamente debajo de él. Cerca, en la habitación este, George Washington se muestra de pie a su altura completa en el famoso retrato de Lansdowne de Gilbert Stuart.
Lincoln debería estar de pie, también.
Abraham Lincoln, painted by W.F.K. Travers in 1864 or 1865.
Durante su ascenso político, los miembros de la audiencia se emocionarían a medida que él estaba de pie, un imponente 6 pies 4, y se lanzaba sobre las promesas de la Declaración de Independencia, a todos los estadounidenses. Algo de ese sentimiento está presente aquí. Un amigo cercano de Lincoln’s, Ward Hill Lamon, escribió, «En mi juicio, el retrato de Travis [SIC] es la imagen más realista del Sr. Lincoln que he visto en lienzo …, [TI] presenta una semejanza real del hombre. , con sus rasgos robustos e irregularidades de apariencia personal, fiel a la vida «.
No está claro lo que se espera para el retrato, que escapó por poco la destrucción en un incendio de almacén al principio de su historia. Pero la Fundación Hartley Dodge, que lo posee, parece más que dispuesto a compartir. Nicolas W. Platt, el presidente de la Fundación, dijo que considerarían préstamos a una institución «que puede hacer que ver a esta extraordinaria pieza de la herencia de nuestra nación esté disponible para una gran audiencia». En cualquier caso, es emocionante saber que nuestro presidente más familiar se ha vuelto un poco menos familiar, gracias a la restauración. Y ahora tenemos una nueva forma de verlo.
Leonardo da Vinci (1452-1519) fue un multifacetico artista y científico de la edad media, cuyas obras o proyectos todavía perduran o asombran a las generaciones actuales que se detienen un momento de sus vidas para leer y ver lo que hizo. (1)
Quiero compartir algunas de sus creaciones que se muestra en el libro “Math and theMona Lisa” auspiciado por la organización cultural Smithsonian. (2)
Realmente es increíble como pudo tener ideas o hizo diagramas que generaciones posteriores les sirvieron de base para hacer cosas que actualmente usamos. Entre las cosas que hizo están los diagramas sobre bicicletas, automóviles, tanques, puentes, paracaídas, casco para estar bajo el agua y hasta submarinos. También hizo experimentos sobre proyectiles y su trayectoria, la disección y entendimiento de la estructura anatómica de algunos animales y humana (anatomía), el estudio de plantas (Botánica), geometría, física e ingeniería.
(Diagrama de Leonardo da Vinci donde muestra “las Proporciones del cuerpo humano”.)
Leonardo da Vinci nunca se caso y no hay evidencia de romances o hijos que tuvo. Se dedico su tiempo completo a realizar todos sus proyectos, basado en ideas o curiosidades que tuvo a lo largo de su vida.
Se dice que Leonardo da Vinci, cuando era joven y se hizo un autoretrato como “La mona Lisa” ; pero esto no se comprobó oficialmente. Mas bien, lo mas probable es que el real nombre de “la mona Lisa” fue Lisa Gherardini, esposa de un mercader fiorentino. (3)
Asimismo esta pintura fue realizado entre 1503 a 1506
Lo que si esta comprobado es su autoretrato en sus últimos ahos de vida como se muestra a continuación:
Aparte de la mona lisa Leonardo hizo el portarretrato de otras dos mujeres, donde hace un esbozo geométrico previo, como muestro a continuación:
Otro de los cuadros femeninos famosos es el de la virgen de las rocas, el cual data de 1483 y se encuentra en el museo de Louvre en París (Francia). Ver abajo:
También observamos un rudimentario telescopio que leonardo uso para hacer un estudio de los rayos de luz:
De sus minuciosas observaciones de la naturaleza dibujaba cosas como “los logaritmos naturales en la naturaleza” (usados en matemáticas). Si lo comparamos con sus equivalentes actuales veamos la siguiente información visual:
También lo podemos ver en algunas escaleras de edificios o esculturas diseñadas por Leonardo y una de las cuales tiene el vaticano:
Finalmente, “la ultima cena de Cristo” hecha por 1498 y que almaceno en este Blog.
Actualmente es muy difícil que aparezca otro leonardo da Vinci; pues ahora la ciencia o tecnología es muy detallada o especializada. Por tanto, por mas inteligente que sea una persona le faltaría tiempo de vida para dedicarse a aprender y dominar todos los aspectos de la ciencia y el arte como lo hizo Leonardo en su tiempo, donde todavía la ciencia era muy primitiva.
Una pintura de Zeng Fanzhi se vendió por 23.3 millones dólares USA en una subasta de Sotheby la noche del sábado en Hong Kong , estableciendo un nuevo precio récord para una obra de un artista contemporáneo asiático.
La pintura de Zeng Fanzhi es titulado ‘ La última cena ‘ y se inspira en el mural de Leonardo da Vinci del siglo 15 con el mismo nombre.
La gran pintura – casi 13 metros de ancho – se vendió después de una guerra de ofertas que duró más de 10 minutos entre dos compradores en el teléfono. Una multitud de 600 personas en una sala llena en el centro de convencion y exhibicion en Hong Kong aplaudió varias veces ya que los precios aumentaron lentamente hasta el resultado final.
El ganador de la subasta no fue identificado por la empresa.
La obra que se vendio por los coleccionistas suizo Guy y Mariam Ullens , batió el récord asiático contemporáneo anterior establecido por la artista japonés Takashi Murakami con una escultura de nombre «My Lonesome Cowboy «. Esa escultura se vendió por $15.100.000 dólares en una subasta de Sotheby en 2008.
Sotheby ‘s es una casa de subastas dijo que vendió $ 1.3 billones en el arte contemporáneo del año pasado (2012) , frente a los $ 872 millones en 2010.
» La última cena «, fue una de las 61 obras asiáticas modernas y contemporáneas de arte que se ofrecen en el 40 aniversario de la casa de subastas de operaciones en Asia. En total, 55 de las 61 pinturas y esculturas.
* Resumido y traducido de Jason Chow (WSJ), 6 Octubre 2013
A continuación vemos el detalle de una escultura egipcia de un templo que se muestra en el museo Metropolitano.
Abajo vemos otra escultura egipcia de una mujer que data del primer faraón alrededor del ano 3,100 antes de cristo. Que también se exhibe en el Museo metropolitano de New York.
Abajo vemos la escultura de la dama de bruselas (aprox. 2695-2649 antes de Cristo), prestado por el museo Royal de Bélgica.
Abajo vemos 3 esculturas mas de esta exposición llamada “Dawn of Egyptian Art” (amanecer del arte egipcio) que se inicio en abril de este año en el museo metropolitano de New York. Arriba esta la estela de Raneb con un halcon en su parte superior (cerca de 2880 antes de Cristo), representando al Dios Horus. Abajo a la izquierda una mujer cerca del cuarto milenio antes de cristo y al otro lado un chacal.
La siguiente escultura, hecha en vidrio, se llama “Island Universe” (Isla del universo), realizada por Josiah McElheny
A continuación observamos una exposición de pintura espacial (“Painting in Space”), la segunda foto es la “flama violeta y oro” de Lauren Luloff. Finalmente en la tercera foto de este grupo (abajo) se aprecian una especie de alfombras que su autor las denomina “Mensaje en contexto.”
El escultor Tom Sachs ha creado una exposición de modelo de la misión a marte como se aprecia en la foto siguiente:
Abajo se ve un grupo de pintores aficionados que tratan de imitar o aprender de los pintores consagrados…
Abajo vemos un cuadro que se presenta en la fundación de Filadelfia y se llama “Seurat’s Models over Cezanne’s Card Players.
Abajo vemos 3 objetos expuestos en el museo americano de arte Whitney, el cual es denominado las nubes (The Clouds) lo cual los críticos del arte lo califican como vivencias alucinantes de una vida humana frágil.
Finalmente apreciamos la escultura de un hipopótamo hecho, aproximadamente, 3650 anos antes de Cristo y se expone en el museo metropolitano , durante la exposición denominada: “El amanecer del arte egipcio.”
Enrique Galdos Rivas, peruano, artista, pintor, cantante, enamorado de la vida, nace un 2 de julio de 1933 . En este blog quiero almacenar un resumen de su vida artistica en el arte de la pintura con color, y como dicen los expertos en el tema: «Cuando uno puede identificar por el trazo y color de una obra pictórica a su autor, tenemos un caso de forma, colorido y temática que revela la característica y particularidades de un artista. Cuando uno observa un cuadro finamente compuesto, de colorido festivo y luminosidad ardiente, entonces estamos frente a una pintura de Galdos Rivas.»
FICHA PERSONAL PREMIOS Y DISTINCIONES
Nombre completo: Enrique Gerardo Galdos Rivas
Fecha de Nacimiento: 2 de Julio de 1933.
Hobby: Cantar boleros y tangos.
Lema: Hay que reírse, cantar, tomar.
Sino fuera pintor hubiera sido: arquitecto.
En qué lugares vivió aparte de Lima: Argentina y Brasil.
Apelativos: El mago del color
Técnica preferida: Óleo sobre tela.
Anécdotas: Miles, voy a sacar un libro.
El humor: Es parte de mi vida.
El canto: Un sentimiento.
Color favorito: Rojo.
Prefiere pintar: Todo lo que me rodea en la vida.
Innovación: Crear.
Lugar preferido para estar: Mi taller.
El público: Compartido
Galdos Rivas en 10 años: Seguir alegrando la vida.
I Premio Escuela de Bellas Artes de Lima, 1959
II Premio Municipalidad de Lima, 1960
II Premio Feria de Octubre, 1960
Mención Honrosa, Salón Hebraica 1963
Mención Honrosa, VII Bienal de Sao Paulo (Brasil), 1963
V Premio, II Bienal Americana de Arte, Córdova (Argentina) 1964
I Premio Salón Municipal de San Isidro, 1964
I Premio Gulf & South American Steamship Co.
II Premio Egresados de Bellas Artes (beca Argentina), 1967
II Premio Bienestar Social y Arte, 1968
Mención Honrosa, VI Salón Grabado ICPNA, 1970
I Premio Sesquicentenario de Lima, 1971
Seleccionado en el Perú, Premio Cristóbal Colón, Madrid, 1984
Profesor Emérito, Escuela Nacional Superior de Bellas Artes, 1995
Homenaje a la labor artística, Asociación Stella Maris, 2003
A finales del siglo XX, el pintor Lucian Freud llegó a dominar la escena artística londinense como pocos antes que él. Su obra controvertida fue la demanda tanto a través de los años 1980 y 1990, a menudo estableciendo récords de ventas.
Lucian Freud, nieto del célebre psicoanalista Sigmund Freud, nació en Berlín (Alemania) el 8 de diciembre de 1922, el segundo de tres hijos. Fue nombrado por su madre, Lucie y su padre Ernst. Quien fue un arquitecto.
En Berlín, los Freud llevó una cómoda vida de clase media (en una época de grave inestabilidad política en Alemania). Cuando Hitler llegó al poder en 1933, los padres de Luciano vio cómo su vida puede cambiar, incluso para los Judios seculares. Ellos emigraron a Inglaterra ese mismo año.
Lucian Freud murió el 20 de julio del 2011
Freud se convirtió en un ciudadano naturalizado británico en 1939. Desde muy temprana edad, el joven Freud había mostrado un interés por el arte, el cual fue impulsado por su familia. Incluso su abuelo, Sigmund, reconoció su inclinación por darle una serie de reproducciones en color de meses de Brueghel.
En Londres, Freud y sus hermanos se inscribieron en una escuela mixta privada progresiva, Dartington Hall. Freud demostró ser un estudiante rebelde, a menudo saltando la clase de arte porque no le gustaba el profesor. En lugar de obtener una educación en Dartington, Freud adquirió una mala reputación.
Después de dos años, sus padres le inscribieron en Bryanston, una escuela preparatoria que no era mixta y que fue progresiva para prohibir el castigo corporal.
Así el rebelde de Freud, que amaba el aire libre, pasaba muchas horas en las llamadas «carreras de castigo». Finalmente, Bryanston cansado de su comportamiento rebelde lo expulsaron.
En 1937, Freud se produjo una notable talla de la piedra arenisca de un caballo de tres patas. Por «la fuerza» de esta pieza, fue aceptado en la Escuela Central de Artes y Oficios en Londres. Freud continuó entre las aventuras de la bohemia que produjo algunas de sus obras de arte extraordinaria.
* Traducido, Resumido y editado por CTsT
NOTA:
Para mayor información revisa este enlace en Wikipedia:
Un joven pintor, John Bramblitt, de 37 años, quedo ciego el año 2001, cuando estaba en sus 29 años, por una enfermedad de origen desconocido. Aunque se sospecha que dicho origen puede haber empezado cuando el tenía dos años de edad y tuvo un ataque cerebral lo cual lo condujo a un diagnostico de epilepsia.
A pesar de que la ceguera le robo sus ilusiones juveniles de ser un escritor y pintor; sin embargo se esfuerza por corregir eso de alguna manera; a pesar de su ceguera y la falta de entendimiento de sus metas, lo cual siendo ciego no le ven sentido. Pero el se defiende diciendo que un ciego tiene una vision diferente e las cosas y que son validas de tratar de representarse graficamente de alguna manera…
John reflexiona que él al perder su visión, también perdió su libertad, lo cual le duele más. El se siente atrapado en su propia mente…
Dice que el aprovecha las auras que su epilepsia le permite visualizar y allí comienza a pintar…eso le permite visualizar el brillo de los colores
Bramblitt debe tomar diariamente su medicación para evitar sus ataques de epilepsia, los cuales han disminuido considerablemente y la pintura es uno de los factores importantes que lo han ayudado en esa mejora de su salud.
* Traducido y resumido por CTsT (NYT, 17 Febrero 2009)
El mes pasado el New York Times presento algunas fotos, dibujos o diagramas los cuales los tituló como “Notable Opinion Art of 2008” .
En esta oportunidad he seleccionado algunas que me parecen notable por todo lo que puede expresar una foto, dibujo o caricatura. Aquí se puede considerar como un buen ejemplo aquel dicho que dice que una imagen vale más que mil palabras.
Art by Mike Slack ; Trials of the Saints
(Juicio de los santos)
By Olaf Hajek; Did Your Shopping List Kill a Songbird?
(¿Hizo su lista de compras para matar a un ruiseñor?)
By Edel Rodríguez; Make Peace With Mugabe
(Hacer la paz con Mugabe)
By Ronald J. Cala II; China’s Loyal Youth
(Los jovenes leales de la China)
By Brian Stauffer ; Death Comes Ashore
(Viene la muerte en la tierra)
By Brian Rea ; From Beirut to 9/11
(De Beirut a Setiembre 11)
By Max; How to Publish Without Perishing
(¿Como publicar sin perecer?)
By Karen Barbour ; Trouble in the Other Middle East
(Otros Problemas en el medio oriente)
Este es una exhibicion de espejos con figuras sagradas en una galeria de arte de Coney Island en New York.
Este es un arte que lo consideran sicodelico y fue hecho por el pintor Alex Grey, y su esposa Allyson Grey (pueden ver sus fotos mas abajo)
Esta exhibicion va acompanado de una instalacion surrealista con pinturas neorealistas y de musica ambiental orquestada y teatralizada, donde se trata de reverenciar a la vida, el amor y las interconexiones universales.
A continuacion veamos mas fotos , tomadas por Librado Romero (NYT):
Alex Grey, “Seraphic Transport Docking on the Third Eye” (2004) = Trabajo Seráfico de acoplamiento del Tercer Ojo
Fotos: Librado Romero/The New York Times (NYT)
En esta imagen se aprecia a Mr. Grey, quien representa la piel de las personas de forma transparente, subrayando los musculos, huesos, organos y sistema circulatorio, los cuales son penetrados o rodeados por campos de energia cosmica.
La capilla de los espejos sagrados (The Chapel of Sacred Mirrors) es un pasadizo con paredes rojas donde estan colgadas una serie de 20 pinturas como podemos apreciar en las fotos. Dichas pinturas empezaron a realizarse en los inicios de los 80
«Christ» (1982-85)=Cristo
«Sophia» (1989) = Sofia
Arriba se aprecia un primer plano, de los autores de esta exposicion.
El arte contemporáneo se suele definir como el arte elaborado después de la Segunda Guerra Mundial. Los museos de arte denominan arte contemporáneo a las colecciones de este período. Pero, veamos algunas fotos de exposiciones diversas, en USA, para poder entender mejor esta breve definicion que escribo aqui.
En sentido estricto, el arte contemporáneo es el hacer artístico que se desarrolla en nuestra época, aunque el concepto de la contemporaneidad puede ser entendido de diferentes maneras:
extendido al arte de toda la Edad Contemporánea (que comienza a finales del siglo XVIII) o limitado al arte del siglo XX, al arte del mundo actual (que se entendía era el posterior a la Segunda Guerra Mundial — 1945; y, actualmente se entiende que es el surgido de la caída del muro de Berlín — 1989) o al arte surgido en la historia inmediata del más cercano presente (tomando como hito, por ejemplo, el atentado de las Torres Gemelas de Nueva York — 2001).
Para mayor confusión, el concepto de Arte moderno no se aplica al Arte de la Edad Moderna (siglos XV al XVIII), sino a nuestro arte contemporáneo.
Lo mismo ocurre con los conceptos de arquitectura moderna, pintura moderna y pintura contemporánea; o con el menos usado concepto de arte postmoderno (desde los años 1970).
A continuacion veamos la subdivision que se hace, en ingles, del arte contemporaneo:
1950s Abstract Expressionism
Bay Area Figurative Movement
Lyrical Abstraction
New York Figurative Expressionism
New York School
1960s Abstract expressionism
Bay Area Figurative Movement
Color field
Computer art
Conceptual art
Fluxus
Happenings
Hard-edge painting
Lyrical Abstraction
Minimalism
Neo-Dada
New York School
Nouveau Réalisme
Op Art
Performance art
Pop Art
Postminimalism
Washington Color School
1970s
Arte Povera
Ascii Art
Body art
Artist’s book
Feminist art
Installation art
Land Art
Lowbrow (art movement)
Photorealism
Postminimalism
Process Art
Video art
1980s Appropriation art
Demoscene
Electronic art
Figuration Libre
Graffiti Art
Live art
Mail art
Postmodern art
Neo-conceptual art
Neoexpressionism
Transgressive art
Video installation
1990s Cynical Realism
Information art
Internet art
Massurrealism
New media art
Young British Artists
2000s Pluralism
Relational art
Software art
Sound art
Street art
Stuckism
Superflat
Videogame art
VJ art
Elena Climent nació en la Ciudad de Mexico en 1955, (la hija del artista español Enrique Climent).
Elena tomó clases de arte en la Ciudad de Mexico, Valencia y Barcelona, pero es fundamentalmente autodidacta.
En 1972 tuvo su primera exposición en la Ciudad de Mexico y en 1988 había un solo show en el Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de Mexico. De 1992 a 2005 fue representada por el Mary-Anne Martin / Bellas Artes en Nueva York y la Galería GAM (antigua Galería de Arte Mexicano) en la Ciudad de Mexico.
A continuacion veamos algunos de los detalles de una de sus ultimas obras, presentada en NY, en las cuales ha dibujado, en murales, los lugares de trabajo de algunos escritores.
Esta obra, el mural, tiene como titulo: “At Home With Their Books,” (En casa con sus libros). El mural tiene una medida de 10 pies de alto (3 metros) y 30 pies de ancho (9 metros). Asimismo lo ha ordenado de forma cronologica.
El colombiano Fernando Botero, uno de los más importantes artistas vivos latinoamericanos y el más cotizado, dijo hoy en una entrevista con la Agencia EFE que su obra es muy extensa porque lleva muchos años trabajando: «Nada me divierte más que pintar».
«Soy un trabajador incansable; no considero la pintura un trabajo, no es una obligación, lo hago por placer; no he encontrado más que me divierta más que pintar», comentó el artista.Botero, que hoy presentó en la ciudad de Vigo (noroeste de España) su colección «Abu Ghraib-El Circo», explicó que se encierra a diario doce horas en su estudio parisino trabajando.
«Por eso mi obra es tan extensa; llevo casi sesenta años como pintor profesional», subrayó.Aunque pasa temporadas en sus estudios de Nueva York y en verano en Italia, la «segunda patria» de Fernando Botero es París. «Es mi lugar favorito, llevo casi cuarenta años viviendo aquí; París es la segunda patria para todos los pintores», reconoció.Pese a la pasión que siente por la pintura, Fernando Botero reconoció a Efe: «Yo había querido ser escultor toda la vida, pero para ello tenía que dejar de pintar».
«Hoy en día me considero más pintor que escultor, en el sentido de que he dedicado más tiempo de mi vida a la pintura. La diferencia entre pintura y escultura es que cuando pinto un cuadro sólo yo intervengo, sin embargo, en una escultura pueden llegar a intervenir varias manos artesanas».El pintor de Medellín reconoció que la inspiración le viene de forma espontánea. «Uno no sabe hasta el mismo día qué va a pintar. De pronto digo: ‘este tema me apasiona, voy a hacer algo sobre él’, y ya está. Lo maravilloso del arte es no saber qué vendrá».
Los característicos personajes de Botero se han convertido desde hace años en la marca del arte latinoamericano en todo el mundo.Sin embargo, remarca que la mayor parte de los artistas latinoamericanos siguen actualmente corrientes internacionales (abstraccionismo, conceptualismo, minimalismo,…), si bien él se define como «un pintor figurativo y local».De su paso por España en el año 1952, Botero recordó que visitaba casi a diario las salas del Museo del Prado, situado justo enfrente de la pensión donde se alojaba, para copiar las pinturas de Goya, Tintoretto o Tiziano, y admitió que Velázquez es sin duda el artista español que más sensaciones le transmite.
Con importantes exposiciones de pintura y escultura en salas y espacios de todo el mundo, Botero dijo recordar con especial «placer» sus esculturas en el Paseo de la Castellana, una de las grandes avenidas de la ciudad de Madrid.»Colocar las esculturas en el Paseo de la Castellana es una de las exposiciones que más placer me produjo por la gran cantidad de gente que la pudo ver y por la comunicación que se estableció. Fue muy controvertida, pero muy divertida, había gente que portaba carteles contra mi obra», afirmó.
El célebre artista español ,Miquel Barceló, culmina su colosal cúpula para la Sala de los Derechos Humanos en la sede europea de la ONU, que se inaugura el próximo martes en presencia del rey de España. Se trata de la mayor obra de arte donada a Naciones Unidas en décadas.
Miquel Barceló necesitó nueve meses y 35.000 kilos de pintura para dar forma a «un mar en movimiento» de 1.400 metros de superficie. swissinfo tuvo oportunidad de ver el trabajo en plena fase de creación.
La visita tuvo lugar con el secretismo propio de la entrada en una central nuclear o un centro de inteligencia militar. Corrían los días de marzo de 2008 cuando este cronista tuvo el raro privilegio de entrar en la Sala XX del futuro Consejo de Derechos Humanos de las Naciones Unidas.
Montado a unos gigantescos andamios a pocos palmos de la inmensa cúpula, el trabajo se presentaba aún a medio concluir ante un selecto grupo de visitantes. Prohibición expresa y terminante de tomar fotografías, incluso con los teléfonos móviles.
Ante nuestros ojos se desplegaba la obra de Miquel Barceló.
Un trabajo de proporciones hercúleas que se había iniciado el 10 de septiembre de 2007. Comenzaba así a tomar forma el proyecto que nació durante una visita del rey Don Juan Carlos a Ginebra en 2005.
En ese viaje, Naciones Unidas propuso al monarca español la realización de una segunda contribución artística a la sede europea de la ONU, tras los murales realizados por Josep María Sert en 1936, poco antes de la Guerra Civil.
A tal fin nació la fundación mixta ONUART, constituida por el Estado español y un conglomerado de empresas punteras entre las que se cuentan algunas de las principales firmas de la Península.
A partir de la culminación de los trabajos, la Sala XX de las Naciones Unidas pasará a llamarse ‘Sala de los Derechos Humanos y de la Alianza de las Civilizaciones.
« Suiza es un país lleno de sorpresas y Ginebra una ciudad cosmopolita que me hizo sentir un exilado de lujo »
Miquel Barceló, artista mallorquín «Una cueva y un mar en perpetuo movimiento»
La creación de esta gigantesca obra no fue tarea fácil e implicó innumerables desafíos técnicos. Entre los asistentes de Miquel Barceló se cuentan especialistas en partículas físicas, ingenieros, arquitectos y restauradores de patrimonio.
Incluso un cocinero llegado expresamente de París. Como explicaría a los medios de comunicación el propio Barceló (Felanitx, Mallorca, 1957) fue muy difícil encontrar las materias adecuadas para dar forma a su sueño.
«En numerosas ocasiones llegué a pensar en tirar la toalla», comentó. Pero, afortunadamente, el artista mallorquín salió victorioso en su apuesta al encontrar los materiales capaces de generar las inmensas estalactitas y dar con las resinas y pinturas adecuadas tras meses de experimentación constante.
De hecho, la creación de Miquel Barceló tiene una característica muy singular. Según el punto de vista que adopte el visitante, la obra cambia por completo en una metamorfosis infinita de colores y formas.
Si el observador da una vuelta alrededor de las imponentes estalactitas verá a cada paso un nuevo aspecto de una pieza que parece contar con vida propia. Sin duda, una experiencia singular.
La obra «recuerda a una cueva y un mar en perpetuo movimiento», en palabras de su autor. Para su realización utilizó pistolas de ‘paintball’, un complejo código de colores, 35.000 kilos de pintura y una poderosa manguera para inyectar el Nepóxido.
Este material resistente y de fuerte textura es el que finalmente permitió que la pintura cuajara y las estalactitas se aguantaran en su sitio. La pintura es ignífuga y resistente «como para llegar a durar más que el propio edificio que la alberga».
Durante los meses de trabajo, Miquel Barceló se instaló a orillas del Lago Leman con su equipo de colaboradores. El artista, que tiene casas en París, Mali y Mallorca, afirmó disfrutar de su estancia en suelo helvético. «Suiza es un país lleno de sorpresas y Ginebra una ciudad cosmopolita que me hizo sentir un exilado de lujo», comentó el pintor. Igualmente recordó que Jorge Luis Borges consideraba a Ginebra como «la ciudad más propicia para la felicidad».
Financiación española
España ha asumido la totalidad de los costes, no sólo de la creación artística, sino también de la remodelación y amueblamiento de la sala. Tras los trabajos, la Sala XX se convertirá en uno de los mayores y más modernos centros de negociación del Palacio de las Naciones.
Dispondrá de los más avanzados sistemas audiovisuales, informáticos, de interpretación y de telecomunicaciones. El costo total de los trabajos fue desvelado el pasado martes por el embajador español ante la ONU, Javier Garrigues, igualmente vicepresidente de la Fundación ONUART.
La suma es de 18,5 millones de euros financiados en un 40% por el Estado español y el 60% restante por el conglomerado de empresas que componen la Fundación ONUART. Entre ellas se cuentan algunos de los principales nombres de los negocios españoles como Telefónica, Repsol, La Caixa, Caja Baleares, Iberdrola, Caixa Catalunya, Caixa Galicia o el Grupo Santander, entre otras.
Este próximo martes 18, la obra verá la luz pública en vísperas del 60 Aniversario de la Declaración Universal de los Derechos Humanos. La ceremonia contará con la presencia de los Reyes de España, el presidente José Luis Rodríguez Zapatero, el presidente de Suiza Pascal Couchepin y el secretario general de la ONU, Ban Ki-Moon, entre las 700 personalidades invitadas.
A partir del mes de diciembre, la obra de Miquel Barceló será testigo de las reuniones del Consejo de los Derechos Humanos de la ONU y, posiblemente, sirva de inspiración a los diplomáticos para dar con algunas soluciones a los numerosos problemas que enfrenta el mundo.
* swissinfo, Rodrigo Carrizo Couto (16 de noviembre del 2008)
Pablo Picasso (1881-1973) fue uno de los genios del arte del siglo 20. Actualmente se estan exponiendo algunos cuadros de el en New York, resaltando su vida amorosa -«Lujuria y ambicion»- en los anhos de 1932.
Actualmente se esta realizando una exposición «Picasso de Marie-Thérèse ‘» en Galerías Acquavella (New York), y para asegurarse de que el centro de la imagen, «Le Rêve» ( «El Significado de los sueños»), famosa por sus $139 millones de dolares de precio.
Las pinturas en Acquavella, giran alrededor de 1932,y se les llama «Picasso en el amor»,como la fuente de Arte.
«La musa erótica en este caso es Marie-Thérèse Walter, una adolescente francesa que se unió a Picasso en una calle de París en 1927, cuando Picasso tenía 45 y era casado. Pronto fueron amantes. El se encontró rejuvenecido, caminando en el aire. Pintó muchos cuadros utilizandola como modelo. Algunos cuadros están en la exposición.
(Foto de Marie-Therese Walter)
El resto de la historia no es tan feliz. En 1935, Marie-Thérèse tenía su niño, pero perdió la atención de Picasso, quien encontró otras amantes y nuevas esposas, aunque se mantiene en contacto afectuoso con la Sra. Walter a través de los años.
Cuatro años después de la muerte de Picasso, ella se suicidó.
Hasta siempre.
CTsT
Mayor informacion De Pablo Picasso visita este enlace:
Veamos algunas obras del arte Chino que data de los siglos 17:
“The Kangxi Emperor’s Southern Inspection Tour” , pintura que representa un viaje de inspección del emperador Kangxi en 1698
Photo: Mactaggart Art Collection, University of Alberta Museums, Edmonton
“Landscapes after Ancient Masters, Leaf F: Wang Hui, Cloudy Mountains, After Gao Kegong”. Este cuadro muestra lo accidentado de esa zona, después de los ancianos maestros y representa la niebla en las montañas. Corresponde al año de 1674.
Photo: Metropolitan Museum of Art
Arriba vemos otro cuadro sobre el viaje de inspección del emperador Kangxi en 1698.
Photo: Mactaggart Art Collection, University of Alberta Museums, Edmonton
Un detalle de las montañas que se resalta durante el viaje del emperador Kangxi en 1698
Photo: Metropolitan Museum
Fotos: Librado Romero/The New York Times (NYT)
«Sophia» (1989) = Sofia
Arte, Literatura, Filosofía, Religión, Turismo y Gastronomía 
