La Mona Lisa del matemático Da Vinci

Leonardo da Vinci (1452-1519) fue un multifacetico artista y científico de la edad media, cuyas obras o proyectos todavía perduran o asombran a las generaciones actuales que se detienen un momento de sus vidas para leer y ver lo que hizo. (1)

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Quiero compartir algunas de sus creaciones que se muestra en el libro “Math and theMona Lisa” auspiciado por la organización cultural Smithsonian. (2)

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Realmente es increíble como pudo tener ideas o hizo diagramas que generaciones posteriores les sirvieron de base para hacer cosas que actualmente usamos. Entre las cosas que hizo están los diagramas sobre bicicletas, automóviles, tanques, puentes, paracaídas, casco para estar bajo el agua y hasta submarinos. También hizo experimentos sobre proyectiles y su trayectoria, la disección y entendimiento de la estructura anatómica de algunos animales y humana (anatomía), el estudio de plantas (Botánica), geometría, física e ingeniería.

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(Diagrama de Leonardo da Vinci donde muestra “las Proporciones del cuerpo humano”.)

Leonardo da Vinci nunca se caso y no hay evidencia de romances o hijos que tuvo. Se dedico su tiempo completo a realizar todos sus proyectos, basado en ideas o curiosidades que tuvo a lo largo de su vida.

Se dice que Leonardo da Vinci, cuando era joven y se hizo un autoretrato como “La mona Lisa” ; pero esto no se comprobó oficialmente. Mas bien, lo mas probable es que el real nombre de “la mona Lisa” fue Lisa Gherardini, esposa de un mercader fiorentino. (3)

Asimismo esta pintura fue realizado entre 1503 a 1506

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Lo que si esta comprobado es su autoretrato en sus últimos ahos de vida como se muestra a continuación:

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Aparte de la mona lisa Leonardo hizo el portarretrato de otras dos mujeres, donde hace un esbozo geométrico previo, como muestro a continuación: 

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Otro de los cuadros femeninos famosos es el de la virgen de las rocas, el cual data de 1483 y se encuentra en el museo de Louvre en París (Francia). Ver abajo:

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También observamos un rudimentario telescopio que leonardo uso para hacer un estudio de los rayos de luz:

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De sus minuciosas observaciones de la naturaleza dibujaba cosas como “los logaritmos naturales en la naturaleza” (usados en matemáticas). Si lo comparamos con sus equivalentes actuales veamos la siguiente información visual:

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También lo podemos ver en algunas escaleras de edificios o esculturas diseñadas por Leonardo y una de las cuales tiene el vaticano:

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Finalmente, “la ultima cena de Cristo” hecha por 1498 y que almaceno en este Blog.

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Actualmente es muy difícil que aparezca otro leonardo da Vinci; pues ahora la ciencia o tecnología es muy detallada o especializada. Por tanto, por mas inteligente que sea una persona le faltaría tiempo de vida para dedicarse a aprender y dominar todos los aspectos de la ciencia y el arte como lo hizo Leonardo en su tiempo, donde todavía la ciencia era muy primitiva.

 

Hasta siempre.

Carlos Tigre sin Tiempo (CTsT)

 

Fuente para mayor información:

1)= http://es.wikipedia.org/wiki/Leonardo_da_Vinci

2)= http://www.bulentatalay.com/book.htm

3)= http://www.louvre.fr/en/oeuvre-notices/mona-lisa-%E2%80%93-portrait-lisa-gherardini-wife-francesco-del-giocondo

 

Pintura de Zeng Fanzhi se vendió por $23.3 millones

Una pintura de Zeng Fanzhi se vendió por 23.3 millones dólares USA en una subasta de Sotheby  la noche del sábado en Hong Kong , estableciendo un nuevo precio récord para una obra de un artista contemporáneo asiático.

La pintura de Zeng Fanzhi es titulado ‘ La última cena ‘ y se inspira en el mural de Leonardo da Vinci del siglo 15 con el mismo nombre.

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La gran pintura – casi 13 metros de ancho – se vendió después de una guerra de ofertas que duró más de 10 minutos entre dos compradores en el teléfono. Una multitud de 600 personas en una sala llena en el centro de convencion y exhibicion en Hong Kong  aplaudió varias veces ya que los precios aumentaron lentamente hasta el resultado final.

El ganador de la subasta no fue identificado por la empresa.

La obra que se vendio por los coleccionistas suizo Guy y Mariam Ullens , batió el récord asiático contemporáneo anterior establecido por la artista japonés Takashi Murakami con una escultura de nombre  “My Lonesome Cowboy “. Esa escultura  se vendió por  $15.100.000 dólares en una subasta de Sotheby en 2008.

Sotheby ‘s  es una casa de subastas dijo que vendió $ 1.3 billones en el arte contemporáneo del año pasado (2012) , frente a los $ 872 millones en 2010. 

” La última cena “, fue una de las 61 obras asiáticas modernas y contemporáneas de arte que se ofrecen en el 40  aniversario de la casa de subastas de operaciones en Asia. En total, 55 de las 61 pinturas y esculturas.

 

* Resumido y traducido de Jason Chow (WSJ), 6 Octubre 2013

 

Curiosidades artisticas 11 (Amanecer egipcio, vidrio y espacio)

A continuación vemos el detalle de una escultura egipcia de un templo que se muestra en el museo Metropolitano.

 

 Abajo vemos otra escultura egipcia de una mujer que data del primer faraón alrededor del ano 3,100 antes de cristo. Que también se exhibe en el Museo metropolitano de New York.

 

Abajo vemos la escultura de la dama de bruselas (aprox. 2695-2649 antes de Cristo), prestado por el museo Royal de Bélgica.

 

Abajo vemos 3 esculturas mas de esta exposición llamada “Dawn of Egyptian Art” (amanecer del arte egipcio) que se inicio en abril de este año en el museo metropolitano de New York. Arriba esta la estela de Raneb con un halcon en su parte superior (cerca de 2880 antes de Cristo), representando al Dios Horus. Abajo a la izquierda una mujer cerca del cuarto milenio antes de cristo y al otro lado un chacal.

 

La siguiente escultura, hecha en vidrio, se llama “Island Universe” (Isla del universo), realizada por Josiah McElheny

 

A continuación observamos una exposición de pintura espacial (“Painting in Space”), la segunda foto es la “flama violeta y oro” de Lauren Luloff. Finalmente en la tercera foto de este grupo (abajo) se aprecian una especie de alfombras que su autor las denomina “Mensaje en contexto.”

 

El escultor Tom Sachs ha creado una exposición de modelo de la misión a marte como se aprecia en la foto siguiente:

 

 Abajo se ve un grupo de pintores aficionados que tratan de imitar o aprender de los pintores consagrados…

 

Abajo vemos un cuadro que se presenta en la fundación de Filadelfia y se llama “Seurat’s Models over Cezanne’s Card Players.

 

Abajo vemos 3 objetos expuestos en el museo americano de arte Whitney, el cual es denominado las nubes (The Clouds) lo cual los críticos del arte lo califican como vivencias alucinantes de una vida humana frágil.

 

Finalmente apreciamos la escultura de un hipopótamo hecho, aproximadamente, 3650 anos antes de Cristo y se expone en el museo metropolitano , durante la exposición denominada: “El amanecer del arte egipcio.”

 

 Hasta siempre.

CTsT

Enrique Galdos Rivas. El mago del color

Enrique Galdos Rivas, peruano, artista, pintor, cantante, enamorado de la vida, nace un 2 de julio de 1933 . En este blog quiero almacenar un resumen de su vida artistica en el arte de la pintura con color, y como dicen los expertos en el tema: “Cuando uno puede identificar por el trazo y color de una obra pictórica a su autor, tenemos un caso de forma, colorido y temática que revela la característica y particularidades de un artista. Cuando uno observa un cuadro finamente compuesto, de colorido festivo y luminosidad ardiente, entonces estamos frente a una pintura de Galdos Rivas.”

FICHA PERSONAL PREMIOS Y DISTINCIONES

Nombre completo: Enrique Gerardo Galdos Rivas

Fecha de Nacimiento: 2 de Julio de 1933.

Hobby: Cantar boleros y tangos.

Lema: Hay que reírse, cantar, tomar.

Sino fuera pintor hubiera sido: arquitecto.

En qué lugares vivió aparte de Lima: Argentina y Brasil.

Apelativos: El mago del color

Técnica preferida: Óleo sobre tela.

Anécdotas: Miles, voy a sacar un libro.

El humor: Es parte de mi vida.

El canto: Un sentimiento.

Color favorito: Rojo.

Prefiere pintar: Todo lo que me rodea en la vida.

Innovación: Crear.

Lugar preferido para estar: Mi taller.

El público: Compartido

Galdos Rivas en 10 años: Seguir alegrando la vida.

I Premio Escuela de Bellas Artes de Lima, 1959

II Premio Municipalidad de Lima, 1960

II Premio Feria de Octubre, 1960

Mención Honrosa, Salón Hebraica 1963

Mención Honrosa, VII Bienal de Sao Paulo (Brasil), 1963

V Premio, II Bienal Americana de Arte, Córdova (Argentina) 1964

I Premio Salón Municipal de San Isidro, 1964

I Premio Gulf & South American Steamship Co.

II Premio Egresados de Bellas Artes (beca Argentina), 1967

II Premio Bienestar Social y Arte, 1968

Mención Honrosa, VI Salón Grabado ICPNA, 1970

I Premio Sesquicentenario de Lima, 1971

Seleccionado en el Perú, Premio Cristóbal Colón, Madrid, 1984

Profesor Emérito, Escuela Nacional Superior de Bellas Artes, 1995

Homenaje a la labor artística, Asociación Stella Maris, 2003

 

El Pintor Lucian Freud nieto de Sigmund Freud

A finales del siglo XX, el pintor Lucian Freud llegó a dominar la escena artística londinense como pocos antes que él. Su obra controvertida fue la demanda tanto a través de los años 1980 y 1990, a menudo estableciendo récords de ventas.

Lucian Freud, nieto del célebre psicoanalista Sigmund Freud, nació en Berlín (Alemania) el 8 de diciembre de 1922, el segundo de tres hijos. Fue nombrado por su madre, Lucie y su padre Ernst. Quien  fue un arquitecto.

En Berlín, los Freud llevó una cómoda vida de clase media (en una época de grave inestabilidad política en Alemania). Cuando Hitler llegó al poder en 1933, los padres de Luciano vio cómo su vida puede cambiar, incluso para los Judios seculares. Ellos emigraron a Inglaterra ese mismo año.

Lucian Freud murió el 20 de julio del 2011

Freud se convirtió en un ciudadano naturalizado británico en 1939. Desde muy temprana edad, el joven Freud había mostrado un interés por el arte, el cual fue impulsado por su familia. Incluso su abuelo, Sigmund, reconoció su inclinación por darle una serie de reproducciones en color de meses de Brueghel.

En Londres, Freud y sus hermanos se inscribieron en una escuela mixta privada progresiva, Dartington Hall. Freud demostró ser un estudiante rebelde, a menudo saltando la clase de arte porque no le gustaba el profesor. En lugar de obtener una educación en Dartington,  Freud adquirió una mala reputación.

Después de dos años, sus padres le inscribieron en Bryanston, una escuela preparatoria que no era mixta y que fue progresiva para prohibir el castigo corporal.

Así el rebelde de Freud, que amaba el aire libre, pasaba muchas horas en las llamadas “carreras de castigo”. Finalmente, Bryanston cansado de su comportamiento rebelde lo expulsaron.

En 1937, Freud se produjo una notable talla de la piedra arenisca de un caballo de tres patas. Por “la fuerza” de esta pieza, fue aceptado en la Escuela Central de Artes y Oficios en Londres.  Freud continuó entre las aventuras de la bohemia que produjo algunas de sus obras de arte extraordinaria.

* Traducido, Resumido y editado por CTsT

NOTA:

Para mayor información revisa este enlace en Wikipedia:

http://es.wikipedia.org/wiki/Lucian_Freud

Con la ceguera tiene otra vision de sus dibujos

Un joven pintor, John Bramblitt, de 37 años, quedo ciego el año 2001, cuando estaba en sus 29 años, por una enfermedad de origen desconocido. Aunque se sospecha que dicho origen puede haber empezado cuando el tenía dos años de edad y tuvo un ataque cerebral lo cual lo condujo a un diagnostico de epilepsia.

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A pesar de que la ceguera le robo sus ilusiones juveniles de ser un escritor y pintor; sin embargo se esfuerza por corregir eso de alguna manera; a pesar de su ceguera y la falta de entendimiento de sus metas, lo cual siendo ciego no le ven sentido. Pero el se defiende diciendo que un ciego tiene una vision diferente e las cosas y que son validas de tratar de representarse graficamente de alguna manera…

John reflexiona que él al perder su visión, también perdió su libertad, lo cual le duele más. El se siente atrapado en su propia mente…

Dice que el aprovecha las auras que su epilepsia le permite visualizar y allí comienza a pintar…eso le permite visualizar el brillo de los colores

Bramblitt debe tomar diariamente su medicación para evitar sus ataques de epilepsia, los cuales  han disminuido considerablemente y la pintura es uno de los factores importantes que lo han ayudado en esa mejora de su salud.

* Traducido y resumido por CTsT  (NYT, 17 Febrero 2009)

Notable opinión del arte visual del 2008

El mes pasado el New York Times presento algunas fotos, dibujos o diagramas los cuales los tituló como “Notable Opinion Art of 2008” .
En esta oportunidad he seleccionado algunas que me parecen notable por todo lo que puede expresar una foto, dibujo o caricatura. Aquí se puede considerar como un buen ejemplo aquel dicho que dice que una imagen vale más que mil palabras.

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Art by Mike Slack ; Trials of the Saints
(Juicio de los santos)

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By Olaf Hajek; Did Your Shopping List Kill a Songbird?
(¿Hizo su lista de compras para matar a un ruiseñor?)

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By Edel Rodríguez; Make Peace With Mugabe
(Hacer la paz con Mugabe)

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By Ronald J. Cala II; China’s Loyal Youth
(Los jovenes leales de la China)

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By Brian Stauffer ; Death Comes Ashore
(Viene la muerte en la tierra)

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By Brian Rea ; From Beirut to 9/11
(De Beirut a Setiembre 11)

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By Max; How to Publish Without Perishing
(¿Como publicar sin perecer?)

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By Karen Barbour ; Trouble in the Other Middle East
(Otros Problemas en el medio oriente)

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Hasta siempre.
Carlos Tigre sin Tiempo (CTsT)

La Capilla de los espejos sagrados

Este es una exhibicion de espejos con figuras sagradas en una galeria de arte de Coney Island en New York.

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Este es un arte que lo consideran sicodelico y fue hecho por el pintor Alex Grey, y su esposa Allyson Grey (pueden ver sus fotos mas abajo)

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Esta exhibicion va acompanado  de una instalacion surrealista con pinturas neorealistas y de musica ambiental orquestada y teatralizada, donde se trata de reverenciar  a la vida, el amor y las interconexiones universales.

A continuacion veamos mas fotos , tomadas por Librado Romero (NYT):

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Alex Grey, “Seraphic Transport Docking on the Third Eye” (2004)  = Trabajo Seráfico de acoplamiento del Tercer Ojo

sacred2_lrgFotos: Librado Romero/The New York Times (NYT)

 

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En esta imagen se aprecia a Mr. Grey, quien representa la piel de las personas de forma transparente, subrayando los musculos, huesos, organos y sistema circulatorio, los cuales son penetrados o rodeados por campos de energia cosmica.


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La capilla de los espejos sagrados (The Chapel of Sacred Mirrors) es un pasadizo con paredes rojas donde estan colgadas una serie de 20 pinturas como podemos apreciar en las fotos. Dichas pinturas empezaron a realizarse en los inicios de los 80

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“Christ” (1982-85)=Cristo

sacred_sophia“Sophia” (1989) = Sofia


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Arriba se aprecia un primer plano, de los autores de esta exposicion.

Hasta siempre.

CTsT.

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Para mayor informacion te recomiendo este enlace:

http://es.wikipedia.org/wiki/Alex_Grey

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El arte contemporaneo en USA

El arte contemporáneo se suele definir como el arte elaborado después de la Segunda Guerra Mundial. Los museos de arte denominan arte contemporáneo a las colecciones de este período. Pero, veamos algunas fotos de exposiciones diversas, en USA, para poder entender mejor esta breve definicion que escribo aqui.

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En sentido estricto, el arte contemporáneo es el hacer artístico que se desarrolla en nuestra época, aunque el concepto de la contemporaneidad puede ser entendido de diferentes maneras:

extendido al arte de toda la Edad Contemporánea (que comienza a finales del siglo XVIII) o limitado al arte del siglo XX, al arte del mundo actual (que se entendía era el posterior a la Segunda Guerra Mundial — 1945; y, actualmente se entiende que es el surgido de la caída del muro de Berlín — 1989) o al arte surgido en la historia inmediata del más cercano presente (tomando como hito, por ejemplo, el atentado de las Torres Gemelas de Nueva York — 2001).

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Para mayor confusión, el concepto de Arte moderno no se aplica al Arte de la Edad Moderna (siglos XV al XVIII), sino a nuestro arte contemporáneo.

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Lo mismo ocurre con los conceptos de arquitectura moderna, pintura moderna y pintura contemporánea; o con el menos usado concepto de arte postmoderno (desde los años 1970).

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A continuacion veamos la subdivision que se hace, en ingles, del arte contemporaneo:

1950s
Abstract Expressionism
Bay Area Figurative Movement
Lyrical Abstraction
New York Figurative Expressionism
New York School

1960s
Abstract expressionism
Bay Area Figurative Movement
Color field
Computer art
Conceptual art
Fluxus
Happenings
Hard-edge painting
Lyrical Abstraction
Minimalism
Neo-Dada
New York School
Nouveau Réalisme
Op Art
Performance art
Pop Art
Postminimalism
Washington Color School

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1970s
Arte Povera
Ascii Art
Body art
Artist’s book
Feminist art
Installation art
Land Art
Lowbrow (art movement)
Photorealism
Postminimalism
Process Art
Video art

1980s
Appropriation art
Demoscene
Electronic art
Figuration Libre
Graffiti Art
Live art
Mail art
Postmodern art
Neo-conceptual art
Neoexpressionism
Transgressive art
Video installation
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 1990s
Cynical Realism
Information art
Internet art
Massurrealism
New media art
Young British Artists

2000s
Pluralism
Relational art
Software art
Sound art
Street art
Stuckism
Superflat
Videogame art
VJ art

Hasta siempre.
CTsT

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Para mayor informacion revisa este enlace:

http://en.wikipedia.org/wiki/Contemporary_art

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Elena Climent y sus murales sobre estudios de escritores

Elena Climent nació en la Ciudad de Mexico en 1955, (la hija del artista español  Enrique Climent).

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Elena tomó clases de arte en la Ciudad de Mexico, Valencia y Barcelona, pero es fundamentalmente autodidacta.

En 1972 tuvo su primera exposición en la Ciudad de Mexico y en 1988 había un solo show en el Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de Mexico. De 1992 a 2005 fue representada por el Mary-Anne Martin / Bellas Artes en Nueva York y la Galería GAM (antigua Galería de Arte Mexicano) en la Ciudad de Mexico.

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A continuacion veamos algunos de los detalles de una de sus ultimas obras, presentada en NY,  en las cuales ha dibujado, en murales, los lugares de trabajo de algunos escritores.

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Esta obra, el mural, tiene como titulo: “At Home With Their Books,” (En casa con sus libros). El mural tiene una medida de 10 pies de alto (3 metros) y 30 pies de ancho (9 metros). Asimismo lo ha ordenado de forma cronologica.

Washington Irving (1783-1859)

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 Edith Wharton (1862-1937)

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Zora Neale Hurston (1891-1960)

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Frank O’Hara (1926-1966)

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Hasta siempre.

CTsT.

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Mayor informacion visita el enlace:

* http://elenacliment.com/

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Fernando Botero: “Nada me divierte más que pintar”

El colombiano Fernando Botero, uno de los más importantes artistas vivos latinoamericanos y el más cotizado, dijo hoy en una entrevista con la Agencia EFE que su obra es muy extensa porque lleva muchos años trabajando: “Nada me divierte más que pintar”.

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“Soy un trabajador incansable; no considero la pintura un trabajo, no es una obligación, lo hago por placer; no he encontrado más que me divierta más que pintar”, comentó el artista.Botero, que hoy presentó en la ciudad de Vigo (noroeste de España) su colección “Abu Ghraib-El Circo”, explicó que se encierra a diario doce horas en su estudio parisino trabajando.

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“Por eso mi obra es tan extensa; llevo casi sesenta años como pintor profesional”, subrayó.Aunque pasa temporadas en sus estudios de Nueva York y en verano en Italia, la “segunda patria” de Fernando Botero es París. “Es mi lugar favorito, llevo casi cuarenta años viviendo aquí; París es la segunda patria para todos los pintores”, reconoció.Pese a la pasión que siente por la pintura, Fernando Botero reconoció a Efe: “Yo había querido ser escultor toda la vida, pero para ello tenía que dejar de pintar”.

“Hoy en día me considero más pintor que escultor, en el sentido de que he dedicado más tiempo de mi vida a la pintura. La diferencia entre pintura y escultura es que cuando pinto un cuadro sólo yo intervengo, sin embargo, en una escultura pueden llegar a intervenir varias manos artesanas”.El pintor de Medellín reconoció que la inspiración le viene de forma espontánea. “Uno no sabe hasta el mismo día qué va a pintar. De pronto digo: ‘este tema me apasiona, voy a hacer algo sobre él’, y ya está. Lo maravilloso del arte es no saber qué vendrá”.

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Los característicos personajes de Botero se han convertido desde hace años en la marca del arte latinoamericano en todo el mundo.Sin embargo, remarca que la mayor parte de los artistas latinoamericanos siguen actualmente corrientes internacionales (abstraccionismo, conceptualismo, minimalismo,…), si bien él se define como “un pintor figurativo y local”.De su paso por España en el año 1952, Botero recordó que visitaba casi a diario las salas del Museo del Prado, situado justo enfrente de la pensión donde se alojaba, para copiar las pinturas de Goya, Tintoretto o Tiziano, y admitió que Velázquez es sin duda el artista español que más sensaciones le transmite.

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Con importantes exposiciones de pintura y escultura en salas y espacios de todo el mundo, Botero dijo recordar con especial “placer” sus esculturas en el Paseo de la Castellana, una de las grandes avenidas de la ciudad de Madrid.”Colocar las esculturas en el Paseo de la Castellana es una de las exposiciones que más placer me produjo por la gran cantidad de gente que la pudo ver y por la comunicación que se estableció. Fue muy controvertida, pero muy divertida, había gente que portaba carteles contra mi obra”, afirmó.

* EFE (11 de Noviembre del 2008)

Artista español culmina su colosal cúpula para los derechos humanos de ONU

El célebre artista español ,Miquel Barceló, culmina su colosal cúpula para la Sala de los Derechos Humanos en la sede europea de la ONU, que se inaugura el próximo martes en presencia del rey de España. Se trata de la mayor obra de arte donada a Naciones Unidas en décadas.

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Miquel Barceló necesitó nueve meses y 35.000 kilos de pintura para dar forma a “un mar en movimiento” de 1.400 metros de superficie. swissinfo tuvo oportunidad de ver el trabajo en plena fase de creación.

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La visita tuvo lugar con el secretismo propio de la entrada en una central nuclear o un centro de inteligencia militar. Corrían los días de marzo de 2008 cuando este cronista tuvo el raro privilegio de entrar en la Sala XX del futuro Consejo de Derechos Humanos de las Naciones Unidas.

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Montado a unos gigantescos andamios a pocos palmos de la inmensa cúpula, el trabajo se presentaba aún a medio concluir ante un selecto grupo de visitantes. Prohibición expresa y terminante de tomar fotografías, incluso con los teléfonos móviles.

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Ante nuestros ojos se desplegaba la obra de Miquel Barceló.
Un trabajo de proporciones hercúleas que se había iniciado el 10 de septiembre de 2007. Comenzaba así a tomar forma el proyecto que nació durante una visita del rey Don Juan Carlos a Ginebra en 2005.

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En ese viaje, Naciones Unidas propuso al monarca español la realización de una segunda contribución artística a la sede europea de la ONU, tras los murales realizados por Josep María Sert en 1936, poco antes de la Guerra Civil.

A tal fin nació la fundación mixta ONUART, constituida por el Estado español y un conglomerado de empresas punteras entre las que se cuentan algunas de las principales firmas de la Península.

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A partir de la culminación de los trabajos, la Sala XX de las Naciones Unidas pasará a llamarse ‘Sala de los Derechos Humanos y de la Alianza de las Civilizaciones.

« Suiza es un país lleno de sorpresas y Ginebra una ciudad cosmopolita que me hizo sentir un exilado de lujo »

Miquel Barceló, artista mallorquín “Una cueva y un mar en perpetuo movimiento”
La creación de esta gigantesca obra no fue tarea fácil e implicó innumerables desafíos técnicos. Entre los asistentes de Miquel Barceló se cuentan especialistas en partículas físicas, ingenieros, arquitectos y restauradores de patrimonio.

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Incluso un cocinero llegado expresamente de París. Como explicaría a los medios de comunicación el propio Barceló (Felanitx, Mallorca, 1957) fue muy difícil encontrar las materias adecuadas para dar forma a su sueño.

“En numerosas ocasiones llegué a pensar en tirar la toalla”, comentó. Pero, afortunadamente, el artista mallorquín salió victorioso en su apuesta al encontrar los materiales capaces de generar las inmensas estalactitas y dar con las resinas y pinturas adecuadas tras meses de experimentación constante.

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De hecho, la creación de Miquel Barceló tiene una característica muy singular. Según el punto de vista que adopte el visitante, la obra cambia por completo en una metamorfosis infinita de colores y formas.

Si el observador da una vuelta alrededor de las imponentes estalactitas verá a cada paso un nuevo aspecto de una pieza que parece contar con vida propia. Sin duda, una experiencia singular.

La obra “recuerda a una cueva y un mar en perpetuo movimiento”, en palabras de su autor. Para su realización utilizó pistolas de ‘paintball’, un complejo código de colores, 35.000 kilos de pintura y una poderosa manguera para inyectar el Nepóxido.

Este material resistente y de fuerte textura es el que finalmente permitió que la pintura cuajara y las estalactitas se aguantaran en su sitio. La pintura es ignífuga y resistente “como para llegar a durar más que el propio edificio que la alberga”.

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Durante los meses de trabajo, Miquel Barceló se instaló a orillas del Lago Leman con su equipo de colaboradores. El artista, que tiene casas en París, Mali y Mallorca, afirmó disfrutar de su estancia en suelo helvético. “Suiza es un país lleno de sorpresas y Ginebra una ciudad cosmopolita que me hizo sentir un exilado de lujo”, comentó el pintor. Igualmente recordó que Jorge Luis Borges consideraba a Ginebra como “la ciudad más propicia para la felicidad”.

Financiación española
España ha asumido la totalidad de los costes, no sólo de la creación artística, sino también de la remodelación y amueblamiento de la sala. Tras los trabajos, la Sala XX se convertirá en uno de los mayores y más modernos centros de negociación del Palacio de las Naciones.

Dispondrá de los más avanzados sistemas audiovisuales, informáticos, de interpretación y de telecomunicaciones. El costo total de los trabajos fue desvelado el pasado martes por el embajador español ante la ONU, Javier Garrigues, igualmente vicepresidente de la Fundación ONUART.

La suma es de 18,5 millones de euros financiados en un 40% por el Estado español y el 60% restante por el conglomerado de empresas que componen la Fundación ONUART. Entre ellas se cuentan algunos de los principales nombres de los negocios españoles como Telefónica, Repsol, La Caixa, Caja Baleares, Iberdrola, Caixa Catalunya, Caixa Galicia o el Grupo Santander, entre otras.

Este próximo martes 18, la obra verá la luz pública en vísperas del 60 Aniversario de la Declaración Universal de los Derechos Humanos. La ceremonia contará con la presencia de los Reyes de España, el presidente José Luis Rodríguez Zapatero, el presidente de Suiza Pascal Couchepin y el secretario general de la ONU, Ban Ki-Moon, entre las 700 personalidades invitadas.

A partir del mes de diciembre, la obra de Miquel Barceló será testigo de las reuniones del Consejo de los Derechos Humanos de la ONU y, posiblemente, sirva de inspiración a los diplomáticos para dar con algunas soluciones a los numerosos problemas que enfrenta el mundo.

* swissinfo, Rodrigo Carrizo Couto (16 de noviembre del 2008)

Picasso en la lujuria y ambición

Pablo Picasso (1881-1973) fue uno de los genios del arte del siglo 20. Actualmente se estan exponiendo algunos cuadros de el en New York, resaltando su vida amorosa -“Lujuria y ambicion”- en los anhos de 1932.

Actualmente se esta realizando una exposición “Picasso de Marie-Thérèse ‘” en Galerías Acquavella (New York), y para asegurarse de que el centro de la imagen, “Le Rêve” ( “El Significado de los sueños”), famosa por sus $139 millones de dolares de precio.

Las pinturas en Acquavella, giran alrededor de 1932,y se les llama “Picasso en el amor”,como la fuente de Arte.

 

“La musa erótica en este caso es Marie-Thérèse Walter, una adolescente francesa que se unió a Picasso en una calle de París en 1927, cuando Picasso tenía 45 y era casado. Pronto fueron amantes. El se encontró rejuvenecido, caminando en el aire. Pintó muchos cuadros utilizandola como modelo. Algunos cuadros están en la exposición.

(Foto de Marie-Therese Walter)

El resto de la historia no es tan feliz. En 1935, Marie-Thérèse tenía su niño, pero perdió la atención de Picasso, quien encontró otras amantes y nuevas esposas, aunque se mantiene en contacto afectuoso con la Sra. Walter a través de los años.
Cuatro años después de la muerte de Picasso, ella se suicidó.

Hasta siempre.

CTsT

Mayor informacion De Pablo Picasso visita este enlace:

http://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_Picasso

El Arte de Wang Hui

Veamos algunas obras del arte Chino que data de los siglos 17:

“The Kangxi Emperor’s Southern Inspection Tour” , pintura que representa un viaje de inspección del emperador Kangxi en 1698
Photo: Mactaggart Art Collection, University of Alberta Museums, Edmonton

“Landscapes after Ancient Masters, Leaf F: Wang Hui, Cloudy Mountains, After Gao Kegong”. Este cuadro muestra lo accidentado de esa zona, después de los ancianos maestros y representa la niebla en las montañas. Corresponde al año de 1674.
Photo: Metropolitan Museum of Art

Arriba vemos otro cuadro sobre el viaje de inspección del emperador Kangxi en 1698.
Photo: Mactaggart Art Collection, University of Alberta Museums, Edmonton

Un detalle de las montañas que se resalta durante el viaje del emperador Kangxi en 1698
Photo: Metropolitan Museum

Consuelo Ginnari Expone sus “circulos venezolanos” en Perú

El círculo, símbolo ancestral presente en la mayoría de culturas como indiscutible emblema de la unidad y perfección, protagoniza enfáticamente la nueva producción de la destacada artista venezolana Consuelo Ginnari.

“Circulares”, la undécima muestra individual de Ginnari y la primera que presenta en el Perú, puede ser visitada hasta el 10 de mayo en las Salas 1, 2 y 3 de la Galería Artco en el distrito de San Isidro.

La artista caraquense expondrá once lienzos en técnica mixta y tres series de polípticos en los cuales será posible apreciar una evolución en su lenguaje plástico hacia el uso del color, pues las telas de tonos neutros logradas con tenues capas de grises y blancos, abren sus posibilidades hacia una paleta equilibrada y vibrante donde destacan el rosa, guinda y amarillo.

Se advierte, además, el empleo de fotografías captadas en Lima como parte de algunos collages que componen algunas de las series a exhibirse.
La obra de Ginnari es fundamentalmente simbólica. Hay en ella una vehemente preocupación por congregar la multiplicidad de símbolos atávicos ligados a la espiritualidad y generar en cada tela una unidad.

Es por ello que la reiteración del círculo se hace contundente, al simbolizar el eterno retorno y la inminencia de lo cíclico en todos los aspectos de la vida.

La presencia reiterativa de la forma circular en sus composiciones, responde también a un ejercicio meditativo emprendido por la artista durante el acto creador.

Utilizando diversos alfabetos (latino, hebreo, etc.) y números, imágenes de objetos esféricos, recipientes, frutas con formas circulares (peras, manzanas, etc.), formas geométricas, entre otros elementos; Ginnari se refiere a la condición del ser humano como receptáculo de una herencia espiritual primigenia y común a todos.

Consuelo Ginnari (1950) realizó sus estudios de arte en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas Cristóbal Rojas de Caracas, Venezuela, entre los años 1965 y 1969.

Continuó su formación en la Heatherley School of Fine Arts de Londres (1978-1980). Ha ejercido la docencia en las especialidades de dibujo, pintura y artes decorativas por 23 años.

Desde 1972 ha participado activamente en diversas muestras colectivas y salones en Venezuela y Estados Unidos, destacándose su intervención en la Feria Iberoamericana de Arte FIA, en Caracas (2001, 2003 y 2004).

 

* RPP-Perú (25 abril 2008)

Visualización del dolor por el arte contemporáneo

Recientemente se presentó algunas obras, en New York Times, sobre como representan el dolor de la vida de los humanos, algunos artistas contemporaneos. Veamos algunas de ellas a continuación:

La primera es la conocida pintura de nuestra conocida Frida Khalo, destacada pintora mexicana.

La siguiente escultura representa el dolor crónico. –Mark Collen

En el otoño del 2000, desarrolló el dolor facial, crónico y severo. Esta dominación del dolor arrasó todo sentido de un ser interior. La “resonancia” empezó como un esfuerzo de estructura y la distancia al yo mismo de una existencia arrolladora.–Susan Gofstein

Photo: Pain Exhibit

Esta pintura representa a las personas que sufren de fibromyalgia (sindrome de fatiga crónica).  Una persona que sufre esos desordenes parecxe saludable exteriormente y es dificil de detectar por otras personas. –Dana Harrell-Sanders

A veces cuando la medicina contra el dolor no sirve y el dolor de los nervios se hace horrible, rasgandome por la pierna inocente. Coloco en mi atrapada cama, atrapada por el dolor. Yo siento el temor, atemorizado por el dolor que nunca me dejará. Atemorizado porque me volveré loco. Grito a pedir clemencia de Dios. ¿Qué he hecho merecer este destino? Yo me siento como un hombre inocente condenado. Estoy atrapado en una jaula de dolor.

Yo no puedo tolerar otro segundo. Trato un escape desesperado empujando mi cara por las barras, pero no puedo irme. Estoy atrapado en el infierno. –Mark Collen

El centro de la pintura representa seis figuras, todo tiene mi cara. Cada uno expresa varios aspectos del dolor: la angustia, la rabia, la autocompasión, la depresión, etc. El fondo revela cuán complejo el mundo en que una víctima crónica del dolor debe aguantar y debe sobrevivir. Cuándo mi mamá me preguntó acerca de la rueda de andar en la izquierda superior, yo la dije que es cómo yo hago por pasar los días. Debido a mi desorden de migraña yo he sido negadoa tener una vida normal. Comparto el apuro de millones de víctimas crónicas del dolor. –Thomas Gebauer

Photo: Pain Exhibit

En la meditación hay hay momentos de alivio de la angustia emocional o sólo un estado general de la enfermedad. El proceso de rendirse es extremadamente dificil para mi porque la labor de rendirme ha afectado a mi vida integral. –Pia Walker

Photo: Pain Exhibit

Esta pieza o pedazo se esfuerza por ser una representación visual del dolor; de la angustia, de físico y emocional, que aflige las causas al individuo que lo experimenta. El pedazo tiene un mensaje positivo en que mientras el dolor puede debilitar y poder dañar; el individuo todavía puede quedarse fuerte, a pesar del ataque del dolor por dentro. La estructura azul representa al individuo y las puntas rojas simbolizan el dolor. También, el pedazo expresa la idea de que el dolor empiece de un lugar interior y oculto, enteramente contenido dentro de la persona que lo experimenta, muchos de los efectos del dolor como depresión, incapacidad y la disfunción se extienden fuera del individuo. –Georgia Davidson

Photo: Pain Exhibit