Colección Fabergé de multimillonario (Huevos o joyas Zaristas)

La colección de un multimillonario ruso , fabricante de joyas zarista de la Casa de Faberge, esta en la exhibición permanente en un palacio en San Petersburgo.

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” Ahora estamos asistiendo a la emergencia de una nueva generación de museos de nuestro país”, dijo el primer ministro , Dmitry Medvedev, en la ceremonia inaugural .

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“Estos son los museos privados , financiados por nuestros ciudadanos, nuestros filántropos . “

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El museo cuenta con más de 4000 obras de arte de finales de los siglos 19 y principios del siglo 20 , incluyendo nueve famosos huevos de Fabergé imperiales anteriormente propiedad de la familia Romanov zarista.

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La colección pertenece al multimillonario ruso Viktor Vekselberg , la cabeza de aluminio , la energía y el conglomerado de telecomunicaciones Renova Group y el mayor propietario individual de los huevos de Fabergé .

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Él compró la colección en 2004 , en la casa de subastas Sotheby en Nueva York. El valor exacto de la operación se desconoce, pero se ha estimado en más de $ 90 millones de dolares.

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El palacio Shuvalovsky, recientemente renovado, alberga el museo, fue renovado a un costo de 1,2 mil millones de rublos ( $ 36.7 millones de dolares) . El proyecto fue financiado por el Enlace de Vekselberg de fundación Times, que también gestiona la colección.

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* Fuente: Ria Novosti, 20 Noviembre 2013

¿Muerte de los museos o cultura histórica?

Los museos son el archivo histórico o cultural de un país o pueblo. Son una fuente real de llegar a la verdad histórica de un país en todos los aspectos registrados o almacenados en los diversos museos.

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Cuando un museo muere es porque ya no tiene apoyo de su gobierno, no hay apoyo monetario en donaciones o el publico no asiste y contribuye con el dinero que paga en su entrada.

También pueden quebrar por mala administración del dinero o malas decisiones política económicas de sus gobernantes o hasta desastres naturales como terremotos, inundaciones, tornados, etc.

En USA se conocen algunos casos como el museo de arte metropolitano de Fresno-California en el 2010, lo cual se atribuyo a gastos excesivos en su renovación y a una caída de las donaciones.

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 Otros museos y/o institutos de arte, en estados como Detroit, han caído en bancarrota y pueden desaparecer.

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Sin embargo la mayoría de ellos persisten si la combinación local, donante y publico se mantiene en acciones de apoyo positivo hacia los mismos.

Por ejemplo, hay un pequeño museo en New York que fue usado hasta 1917, como corte y prisión de los reos de aquellos tiempos.

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Dicho lugar se mantiene abierto al publico y es un testimonio objetivo de la vida de la ciudad en el siglo XX.

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También hay museos sobre la historia de las computadoras, como el de California donde se aprecia como eran y funcionaban las primeras computadoras. Incluso apreciamos -abajo- como algunos coleccionistas compran algunas de estas antiguas PC a precios altos.

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Los museos que tratan sobre lo ocurrida en las ultimas guerras mundiales siempre son interesantes, llenas de coloridos, vehículos o artefactos militares diversos. Los escolares tienen una buena fuente de información histórica.

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 Asimismo para los estudiantes universitarios o técnicos pueden asistir a exhibiciones de barcos, submarinos, etc. Los cuales pueden revisar interior y exteriormente.

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Otro tipo de museos que dan mucha información sobre algún hecho o tiempo histórico son las fotografías como vemos abajo:

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También las exhibiciones con maquetas (ver abajo) son interesantes y didácticas para todos. Por supuesto que los estudiantes de arquitectura o ingeniería pueden usarlo como modelos didácticos o inspiración al hacer o diseñar sus proyectos.

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El arte, la pintura, escultura o exposiciones artísticas diversas siempre tienen acogida en un publico que valora la cultura, el conocimiento real o histórico.

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 Ojala mas personas entiendan esto y le dediquen un tiempo para visitar museos o exposiciones artísticas  lo cual no solo le servirá para obtener un buen nivel cultural o histórico  sino para motivar a los hijos a estudiar estos temas que lo acerquen a la verdad histórica o cultural de su país o el mundo.

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Hasta siempre

Carlos Tigre sin Tiempo (CTsT)

Museo Metropolitano de New York afronta demanda colectiva de visitantes

Para ingresar se debe adquirir un boleto con precio de US$25 para adultos que tiene la palabra “recomendado” escrita en letras pequeñas. Muchos no se dan cuenta de ese detalle

Famoso Museo Metropolitano de Nueva York afronta demanda colectiva de visitantes
El MET atrae a más de 6 millones de visitantes al año (Foto:Reuters / Archivo)

Nueva York (AP) . Para poder pasearse entre los Picasso, Renoir, Rembrandt y otras obras maestras, los visitantes al Museo de Arte Metropolitano primero deben adquirir su boleto, con un precio de 25 dólares por adulto y la palabra “recomendado” escrita en pequeñas letras abajo.

Mucha gente, en especial turistas extranjeros, no lo ven, no comprenden o simplemente no lo cuestionan. Si preguntan, les dicen que la entrada es una mera donación sugerida: pueden pagar lo que deseen, pero deben pagar algo.

Algunos que optan por pagar menos del precio recomendado sacan un billete de 10 o de 5 dólares. Algunos donan un dólar o el cambio en monedas que carguen. Y a quienes se resisten a pagar del todo, les dicen que no podrán entrar a menos que donen algo, aunque sea un centavo.

“Acabo de pedir una entrada general para adulto y él sólo me dijo, ’25 dólares”“”, dijo Richard Johns, profesor de matemática en una escuela secundaria de Little Rock, Arkansas, que pagó el monto completo la semana pasada. “Tienen que aclarar que se trata de una donación. Especialmente a los turistas extranjeros que no lo entienden. La mayoría de la gente no lo sabe”.

DEMANDA COLECTIVA POR ESTAFA La confusión sobre qué se necesita para entrar a uno de los museos más maravillosos del mundo, que atrae a más de 6 millones de visitantes al año, ha llevado a una demanda colectiva que acusa al Met de confabular para estafar al público haciéndolo creer que el monto es obligatorio.

La demanda establece que el museo usa una engañosa mercadotecnia y entrenamiento de cajeros para violar una ley estatal de Nueva York de 1893 según la cual el público debe poder entrar de manera gratuita a la institución al menos cinco días y dos noches de la semana. A cambio, el museo recibe dádivas anuales de la ciudad y no tiene que pagar alquiler de su edificio y terreno en la exclusiva Quinta Avenida en Central Park.

El vocero del Met, Harold Holzer, negó cualquier engaño y dijo que una política que exige que los visitantes paguen al menos algo se estableció hace más de cuatro décadas. “Confiamos en que las cortes verán más allá de esta insoportable y fastidiosa demanda”, dijo.

BUSCAN COMPENSACIÓN La demanda busca una compensación a miembros y visitantes del museo que pagaron con tarjeta de crédito en los últimos años.

“El museo se concibió para estar abierto a todo el mundo, sin importar sus circunstancias financieras”, dijo Arnold Weiss, uno de los dos abogados que presentaron la demanda en nombre de tres visitantes al museo, uno neoyorquino y dos turistas de la República Checa. “Pero en lugar de ello, el museo se ha convertido en una atracción turística para las élites”.

La demanda señala que cibersitios de terceros no mencionan que el precio de la entrada es una recomendación, y que la membresía al museo conlleva el supuesto beneficio de entrada gratuita, cuando el público ya tiene derecho a la misma.

El Museo Metropolitano es una de las instituciones culturales más ricas del mundo, con una cartera de inversión de 2.580 millones de dólares, y no depende del costo de entrada para pagar la mayoría de sus cuentas. Apenas el 11% de los gastos operativos del museo se cubrieron con cargos de boletería en el año fiscal del 2012. Como una organización sin ánimo de lucro, el museo no declara impuestos sobre la renta.

Los Diez museos mas raros del mundo, según ABC

Veamos una interesante y pequeña muestra (si vemos al mundo completo), donde vemos 10 museos raros, según el diario ABC (España), a principios de Marzo 2013:

1) «Museo de Alien» (Museo HR Giger) (Suiza)

Este museo aloja la colección de H. R Giger, creador de una de las criaturas más famosas y espeluznantes del cine de ficción: Alien, que le valió al artista suizo, nada más y nada menos que un premio de la Academia. El museo que lleva su nombre se halla en la pequeña ciudad de Gruyeres (Suiza), cuyo ambiente medieval, lejos de desentonar con el museo, crea una extraña, y a la vez perfecta, conjunción.

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El museo contiene todos los trabajos del artista: dibujos, esculturas, muebles, y por supuesto, los diseños que le dieron fama mundial gracias a la atención que le despertó a Ridley Scott un libro de Giger, «Necronomicon», cuando buscaba al «monstruo perfecto» para su siguiente film. En el museo también pueden verse los trabajos que el suizo hizo para otras películas como Poltergeist II o Species. Gran parte de su obra tiene un interesante parecido a lo que ha hecho en Alien: dibujos o esculturas de personajes o animales irreales, en las que juega con el mundo onírico y surrealista (sin dejar de lado lo macabro). No por casualidad en la planta superior del museo tiene una colección personal con obras de Dalí, Günter Brus o Sibylle Ruppert.

El museo cuenta también con una galería dedicada a otros artistas, pero lo que el visitante no puede perderse es el impresionante bar: el techo abovedado está formado por una suerte de «columnas vertebrales» que se entrecruzan y que combinan con la misma estructura que presentan las sillas del bar, cuyo respaldo también toma la forma de la unión de vértebras, recordando, a su vez, al cuerpo de la maravillosa y temida criatura de Giger.

2) Museo de las momias de Guanajuato (México)

Ubicado en el Panteón Municipal de Santa Paula, de donde provienen los cuerpos momificados, el Museo de las Momias de Guanajuato (ciudad homónima del Estado de Guanajuato, en el centro de México) cuenta con una colección de 111 cuerpos de mujeres, hombres y niños cuyos restos fueron exhumados entre 1865 y 1869.

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En sus inicios, las visitas a las catacumbas del Panteón de Santa Paula para observar los cuerpos momificados se realizaban de forma clandestina. Hoy en día, tienen una gran afluencia del turismo proveniente de todas partes del mundo atraídos por un museo, que si bien no es único en el mundo, tiene la particularidad de poseer una colección de momias naturales, es decir, que los cuerpos no han sido embalsamados para poder conservarse.

Una de las momias más impactantes (aunque este calificativo vale para el museo en su conjunto) es la de un feto de 5 ó 6 meses de una mujer que murió cuando se le practicaba la cesárea, y que también puede verse en el museo. Se trata de la momia más pequeña del mundo.

El museo adquiere mayor relevancia si se tiene en cuenta que está enMéxico, país donde la muerte es venerada.

3) Museo del Perfume (Alemania)

El museo de una de las marcas más famosas del mundo y que aún sigue comercializándose (Agua de Colonia, Eau de Cologne) puede visitarse precisamente en Colonia (Alemania), donde su creador, Juan María Farina, dio comienzo al mito y al éxito de su perfume.

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Durante el recorrido por la Casa Farina, podrá conocer la bodega original, donde hace más de 300 años se producían los perfumes y en la sala de vitrinas le harán un repaso de todos y cada uno de los frascos que alojaron la conocida y exquisita fragancia.

El museo cuenta con un archivo de más de 900.000 cartas entre las que puede encontrarse correspondencia entre la Casa Farina y clientes como Napoleón. Además, podrá conocer los diferentes olores de las fragancias utilizadas y aprenderá sobre el proceso de extracción de esencias.

Dato curioso: el propio museo presenta algunas de lasfalsificaciones y plagios que ha sufrido la marca de perfume más antigua del mundo.

Un museo exquisito, no solo por sus fragancias sino también por las obras de arte y su delicado mobiliario, que también podrá conocer.

4) Museo del Cabello (Turquía)

El museo del pelo, no es la razón por la que la ciudad de Avanos, en la hermosa Capadocia (Turquía), tenga que sentirse especialmente orgullosa, ya que esta ciudad se ha ganado su reputación por su cerámica y sus hermosas alfombras.

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El dueño de «Ceç Pottery», el taller de cerámica, es Chez Galip y ha cosechado nada menos que un récord Guinness por su museo, que se ubica en una cueva en la que apenas pueden reconocerse las paredes por estar pobladas de mechones de pelos de miles de mujeresque no son anónimas, sino que están perfectamente identificadas con sus nombres y direcciones.

Chez empezó con su peculiar colección hace 30 años, cuando una amiga suya tuvo que marcharse de la ciudad y le dejó un mechón de pelo para que la recordara. Cada mujer que pasaba por allí y escuchaba la historia, dejaba su correspondiente mechón de pelo y con este «simbólico» acto, Chez consiguió reunir nada menos que16.000 mechones de diferentes mujeres de todo el mundo.

Su «incalculable tesoro» continúa en aumento gracias a la generosidad de las turistas que pasan por allí (si es hombre y le hace ilusión, tendrá que esperar a la creación de un museo de cabello masculino porque este, aparentemente, solo admite a las féminas).

5) Museo Internacional de Espionaje (Washington, DC, Estados Unidos)

La colección y actividades que ofrece este museo atraerían, incluso, a quien jamás ha visto una película de Bond. Presenta los más curiosos y variopintos objetos («jamás puestos a disposición del público», aclaran en el museo) utilizados por los espías y servicios secretos a lo largo de la historia: desde bolígrafos, relojes o pitilleras con cámaras camufladas; o pintalabios y linternas que en realidad son pistolas, pasando por zapatos en cuyo tacón se esconde un micrófono o incluso, gafas y paraguas que esconden proyectiles venenosos en su interior. Pero la estrella del museo es el coche que usó Bond (por ese entonces Sean Connery) en Goldfinger: se trata del incomparable (ni siquiera con los actuales) Aston Martin DB5. Y precisamente con motivo del 50º aniversario de las películas de James Bond, el museo organiza una exposición: «Exquisitely evil: 50 years of Bond Villains», en honor a los chicos malos de las películas de Bond.

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Y por si todo esto fuera poco, el museo ofrece actividades a los visitantes que quieran sentirse espías por un día: dentro del museo se recrea un escenario (el ficticio país Khandar) donde una agencia de la que el visitante es parte, recibe órdenes para desvelar algún misterio. Además, se hacen actividades por la ciudad (la real, Washington) donde el «espía» es ayudado por un GPS. Para los menos osados, se organizan charlas con verdaderos espías e incluso con magos profesionales cuyas técnicas también han sido utilizadas en espionaje y actividades para toda la familia en las que los más pequeños también pueden jugar a ser espías.

6) Museo de saleros y pimenteros (España)

Único de Europa, en Castell de Guadalest, Alicante, este museoalberga nada más y nada menos que 20.000 saleros y pimenteros de todo el mundo, que Andrea Ludden, la propietaria, ha coleccionado en los últimos 25 años.

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Aparte de la rareza de un museo dedicado a tan elementos tan comunes, presentes en cualquier hogar, llama aún más la atención la gran diversidad de diseños: con forma de animales (todos los imaginables); de seta, hamburguesa, perrito caliente (o perro salchicha), astronauta, bombilla o de ¡dentadura!… intentar verlos todos puede ser una odisea. Auténticas pequeñas obras de arte imprescindibles para amantes y enemigos de la cocina.

Este museo tiene un hermano gemelo en Gatlinburg, Tennessee, Estados Unidos.

7) Museo del Crimen (Washington D. C., Estados Unidos)

Este museo ubicado en Washington D.C., aparte de su llamativa temática, invita al público a involucrarse (no en el crimen) sino en el sinfín de actividades que ofrece. Se empieza por un repaso por lahistoria del crimen en Estados Unidos, «desde los caballeros medievales y los piratas motivados por la avaricia, hasta los pistoleros del viejo oeste y los actuales “criminales silenciosos” que comenten delitos de cuello blanco y se esconden detrás de las pantallas robando identidades e información privada».

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Aparte de la historia, toda una galería del museo está dedicada a los diferentes métodos de castigo donde pueden verse una guillotina, la recreación de una cámara de gas o una silla eléctrica. Pero para acceder al mundo del crimen de forma (casi) real, el museo invita a los visitantes a sentirse policías por un día persiguiendo a los malos. Así, hay campos de tiro, al mejor estilo FBI o simuladores donde se puede «vivir» una persecución. También se enseña sobre la tecnología utilizada por la Unidad Especial de Desactivadores de Explosivos; sobre visión nocturna, y las armas de fuego más famosas de la historia. Pero si esto no es suficiente, o le interesa más la medicina forense y el trabajo de los personajes de la famosa serie CSI, en el museo hay una morgue en la que podrá aprender sobre autopsias. De hecho, una de las actividades del museo, consiste en ser un «CSI» (siglas en inglés, para Investigador de la Escena del Crimen) por un día, donde tendrá la oportunidad de tener en sus propias manos las herramientas utilizadas para resolver crímenes. Y por último, un paseo por el estudio America’s Most Wanted del famoso programa del mismo nombre presentado por John Walsh.

Otro famoso museo del crimen es el de Londres, en la propia sede deScotland Yard (donde Jack el Destripador es una de las estrellas) pero no se permite el acceso al público.

8) Museo de la Ventriloquia (Kentucky, Estados Unidos)

Este museo creado por William Shakespeare Berger (sí, curioso el nombre de su creador para no desentonar con la rareza de su museo) alberga más de 700 muñecos, que han fascinado a niños y adultos. Todo empezó en 1910 cuando Berger adquirió la primera figura (Tommy Baloney) y la historia empezó a rodar. Su museo es único en el mundo, y posee además, miles de fotografías, posters y libros, algunos de los cuales data de 1700.

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Un verdadero fanático de la ventriloquia, Berger fue presidente desde finales de los años 40 hasta 1960 de la Hermandad Internacional de Ventrílocuos y publicó la revista «The Oracle», que contenía todos los eventos y novedades de la comunidad de ventrílocuos.

En 1973 abrió su colección al público. Hoy, el museo, ubicado en la ciudad de Fort Mitchell, Kentucky, también celebra cada año la «ConVENTion» Internacional que reúne a más de 400 ventrílocuos de todo el mundo. Todas las figuras están identificadas por año de creación y creador, así como por el responsable de darles vida.

9) Museo del orinal (España)

El museo del orinal nace en 2006 pero José María del Arco, que está al frente del mismo, lleva coleccionando esta peculiar pieza desde hace 25 años.

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El museo, que se encuentra en Ciudad Rodrigo (Salamanca), cuenta con un total de 1.320 orinales, de diferentes formas, tamaños, colores y materiales teniendo en cuenta que se trata de una pieza utilizada desde hace milenios y que ha cambiado con el paso del tiempo. Algunas de las piezas «estrella» (si cabe para un orinal), son los llamados «Dompedros», muebles de madera con orinales escondidos para disimular su uso. Se llaman así porque fue Don Pedro I «el Cruel», el primero en utilizarlos. También se pueden encontrar orinales verticales tipo botella, llamados «Galanga»; o la «Chata» y la «Cuña», orinales para encamados. Los orinales se diferenciaban en función de quién los usaba: mujeres (rosas y más anchos por las caderas femeninas), hombres (en tonos azules) y niños (más pequeños y con juguetes en la silla).

El museo posee piezas de 27 países diferentes.

Similares al museo del orinal, pueden encontrarse en Nueva Delhi (India) donde hay un museo del inodoro, o en Corea del Sur, donde todo un parque temático está dedicado a esta pieza imprescindible en el hogar y donde su museo, bautizado «Mr. Toilet House», tiene forma de, sí, de inodoro.

10) Museo del Mal Arte (Boston, Estados Unidos)

Este museo es un canto al subjetivismo y probablemente más de uno quiera incluir en él alguna obra de arte consagrada: se trata delmuseo del mal arte, ubicado en Boston, Massachusetts, (en tres espacios diferentes). Se dedica a la «colección, preservación, exhibición y celebración del mal arte en todas sus formas» y su misión no es otra que «llevar el peor arte a la gran audiencia».

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Poseen retratos (portraits, en inglés) y también «poor traits» (algo así como rasgos pobres) de personas y animales; paisajes (bajo el lema «¿Se trata de montañas o de helado?») o «Blue people» (gente azul), dedicado a aquellas pinceladas donde domina este color y que poco recuerdan a la etapa azul de Picasso.

Dato útil: admiten donaciones, por lo que si guarda algún cuadro del que no esté especialmente orgulloso, esta es su oportunidad.

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Aunque esta lista de museos raros es incompleta; sin embargo es un punto de referencia para visitar los miles de museos, en general, que estan dispersos en nuestro mundo y cada uno, según el país o lugar, y que tiene algo muy interesante, raro o cultural que mostrarnos.

Hasta siempre.

CTsT

Museos o exposiciones singulares en USA

Hay museos o exposiciones singulares en USA  como la casa de Catskill (NY), exposiciones indias de Brooklyn (NY) y mas abajo veremos algunos museos militares que recuerdan a vehículos de la segunda guerra mundial con sus respectivos vídeos referenciales.

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Ahora veamos una exposición y venta de adornos tribales en Brooklyn:

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En la siguiente foto se ve como algunas empresas que venden joyas usan de inspiración algunas obras que se encuentran en el museo metropolitano de arte:

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Abajo vemos el aviso del museo de aviones en Long Island (New York) y el otro de tanques en California. Ambos exhiben vehículos de la segunda guerra mundial principalmente, recordando su historia, y manteniendo muchos vehículos operativos. Asimismo agrego algunos vídeos públicos de otros museos equivalentes o referenciales de otros lugares.

 

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Hasta siempre.

CTsT

Vestidos para matar (Museo Metropolitano New York 2012)

En el Museo Metropolitano de New York se empezó a coleccionar nuevas armaduras que datan de la edad media. trajes que se usaban para matar a sus enemigos en las frecuentes guerras o batallas que habían en dicha época.

El museo comenzó oficialmente a exhibir estas armaduras desde 1912 y el ano pasado se conmemoro el primer centenario. A continuación podemos ver  algunas fotos que el NYT tomo el 4 de octubre del 2012.

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La armadura que hemos visto en la primera foto (ver arriba) corresponden a un guerrero japones del tipo Gusoku. La segunda corresponde al emperador Ferdinand  en 1549. Las tercera y cuarta corresponden al tiempo del rey Henry VIII, alrededor de 1544.

Abajo vemos un casco hecho por Filippo Negroli de 1543

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En la siguiente foto (izquierda) se observa un casco o mascara dragón con sus respectivas corazas o armadura y datan del tiempo de Henry II de Francia. A la izquierda se ve otra foto sobre el traje de un guerrero japones.

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Finalmente vemos una armadura gótica que data del siglo XV

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Hasta siempre.

CTsT

La belleza de lo pobre

El Museo de Diseño de Moscú (MDM) abre sus puertas con una exposición sobre el diseño soviético de posguerra. Aspiradores, cámaras fotográficas, automóviles… En la exposición conviven productos que se fabricaban en serie con proyectos inacabados.

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“Cuando decidíamos cuál sería la primera exposición del Museo de Diseño de Moscú (MDM), comprendimos enseguida que debía ser de diseño nuestro y no occidental”, dice la directora, Alexandra Sankova. 

“Empezamos a buscar objetos de exposición e hicimos una gran cantidad de descubrimientos. No sólo tomamos objetos de museos privados y estatales, de coleccionistas y herederos, sino que también los adquirimos en sitios web, los recogimos gracias a amigos y en dachas, e incluso un par de ellos los encontramos en el basurero. Estos objetos constituyen nuestra infancia, el periodo más feliz de la vida. Y además, conseguimos dar con la gente que los hacía. Fue un milagro”. 

La exposición nos invita a mirar aspiradores viejos, cámaras fotográficas y planchas no como un conjunto antojadizo, sino como fruto del trabajo innovador de artistas e ingenieros soviéticos cuyos nombres finalmente se han descubierto. 

El diseño soviético se desarrolló sin estímulos visuales: en el marco de la economía planificada y fuera de la competencia con Occidente. 

En las décadas de 1950 y 1960 los bienes de consumo se produjeron en base a las posibilidades de las fábricas y no de las exigencias de los consumidores. 

Pero, en 1962, se creó el Instituto Científico y de Investigación de Estética Técnica de toda la Unión (VNIITE), “a fin de mejorar la calidad de los productos de ingeniería y los artículos de uso cotidiano mediante la aplicación de métodos de creación artística”. 

Toda la historia del diseño soviético es contradictoria. En ella se da un dualismo: el fabril y el individual. 

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En la exposición, junto a objetos producidos en series de millones, hay modelos únicos. Por ejemplo, vestidos manufacturados con telas de la fábrica ‘Krásnaia Roza’ se exhiben al lado de un traje confeccionado por encargo. 

Por un lado, vemos reproductores de música encendidos con altavoces de ‘cartón’ y, por el otro, cadenas musicales con tecnologías espaciales y maquetas de tecnología de audio, procedentes de la colección de la familia del diseñador petersburgués Nikolái Slesarev, hechas con papel perfectamente encolado (y que no llegaron a materializarse). 

Es un signo de esos tiempos: lo realizado convivía con lo que se quedaba meramente en proyecto, y esto último era más cuantioso. 

Hay objetos insólitos, podían permitirse hacerlos, y algunos que no llegaron a materializarse se exponen en maquetas. 

Llama la atención el anonimato: a pesar de que los objetos se producían en series millonésimas, nadie sabía los nombres de sus diseñadores. En el mejor de los casos, se conocía el nombre del estudio de diseños y proyectos. 

El Museo del Diseño, tras un esfuerzo ingente, descubrió los nombres de esos diseñadores. 

Muchos de ellos han sido grabados en entrevistas de vídeo que se enseñan en la exposición. Entre ellas, por ejemplo, está la de Yuri Soloviev, uno de los pioneros del diseño industrial en la URSS: inmediatamente después de la guerra le encargaron el diseño de un vagón de pasajeros. 

Hay también una entrevista con Vladímir Runge, diseñador de la fábrica de mecánica óptica Krasnogorsk, que producía una cámara fotográfica tan competitiva como la Zenit. 

Otro héroe es Valeri Akopov, el diseñador gráfico que elaboró el sistema de pictogramas para las Olimpiadas de Moscú de 1980. Svetlana Mirzoyan en Riga participó en el diseño del microbús RAF (que en tiempos soviéticos se utilizó como ambulancia y para otros servicios) y también creó objetos cotidianos como aspiradores y candiles. 

La curadora de la exposición, Alena Sokolnikova, explica que “ahora los principios del diseño técnico están muy próximos al concepto occidental de diseño ecológico contemporáneo, que no sólo incluye una forma externa armónica sino la utilización de materiales naturales. 

Hay una reflexión de todas las etapas de la existencia del producto, desde el envoltorio hasta el reciclaje. Vemos aquí, por ejemplo, una botella soviética de kéfir. No llevaba etiqueta (sin costes de impresión, pegamento y su posterior procesamiento). Según el color de las tapas de aluminio, variaba el contenido: no sólo de kéfir, sino también de leche, de riázhenka (leche agriada al horno) y otros productos lácteos. Todos sus materiales, el vidrio y el metal, se podían reciclar. Y con todo, el aspecto de la botella es estético y armonioso”.

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“Queremos mostrar que el diseño soviético no acaba con la vanguardia y el constructivismo», explica la directora del museo, Alexandra Sankova. 

Prometen que en un futuro desarrollarán cada una de las secciones de la exposición en muestras separadas: moda, diseño soviético para niños, ocio y hobby. 

Según Sankova, en el extranjero ya se han interesado por la exposición, a pesar de que el museo se acaba de inaugurar. Se sabe ya que, después de pasar por Moscú, la exposición se exhibirá en Eindhoven, en el marco del año dual Rusia-Holanda. 

 

* Artículo publicado originalmente en Kommersant.  9 de diciembre de 2012 ,(Tatiana Markina)

Las voces de la iluminacion en el arte Islamico

Una exposición en el museo metropolitano de arte en New York trata sobre el mistico arte del Islam o Persa, representado en algunas fotos que presentan objetos de arte, a continuación:

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Un plato de reflexiones de Irán de principios del siglo 13. (arriba)

Foto: Brooklyn Museum

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“Una magnifica figura y un Dervish,” por Isfahan.

Si bien la política mundial ha hecho el Islam parte de nuestra conciencia, sabemos poco sobre el sufismo y su larga historia. El término “Sufi” probablemente se deriva de una palabra árabe de la lana. Algunos seguidores del sufismo se denomina “dervishes”, un término relacionado con una palabra persa para pobres.

Foto: Metropolitan Museum of Art

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Un tazón de vino inscrito con los nombres de los 12 imanes Shica del siglo 16-17.
Parece probable que el Sufismo inicialmente , unos pocos siglos después de la muerte del profeta Mahoma en el 632 dC. Facilitó el regreso a la alternativa de los fundamentos extravagantes de los primeros tribunales islámicos imperiales.
Foto: Brooklyn Museum
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Una página manuscrita del Corán a la luz – es decir, en las tintas de oro y plata en una hoja de pergamino teñidas de azul – es la exposición de la obra más antigua, que data del siglo 10 al 11. Visto a la luz de las velas. las palabras, que describen la recompensa del Paraíso, contra el oscuro terreno como en las constelaciones de un cielo nocturno.
Foto: Museo de Brooklyn

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Layli Visita a Majnun en la arboleda, una página de un manuscrito indio del siglo 17 .
Anhelo espiritual se expresa a menudo en términos de atracción erótica. Una de las grandes novelas de la literatura popular árabe fue la de Romeo y Julieta y  el cuento de Majnun y Layla, quienes se enamoraron.
En muchas repeticiones de la historia, Majnun es un prototipo de los sufíes que se ha convertido, en palabras del poeta Farid al-Din Attar, “un cadáver, un No existente corazón y un alma alejada y chamuscada”, un ego reducido por el amor a una ceniza en el brazo de Dios.
Foto: Museo de Brooklyn

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Una estrella de ocho puntas de baldosas de Irán.
Para algunos seguidores la pobreza espiritual es más que una condición física, y  la misma podría ser suntuosa: un plato de la suerte con incrustaciones de plata y joyas; coranes en dorado encuadernaciones, que reflejan la luz reflejada en los azulejos para decorar tumbas.
Foto: Museo de Brooklyn

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Arriba observamos una de las piezas en la galería de Brooklyn. Su reinstalación Islámica es un gran pintura que data del siglo 19-20 y representa la batalla de Karbala, un episodio violento en la disputa entre las ramas chií y suní del Islam, y en el que Husayn ibn Ali , un piadoso nieto del profeta, murió como un mártir.

Foto: Museo de Brooklyn

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El Sufismo es una parte muy importante de cualquier definición del Islam de hoy. “La oración de Piedra 5” por Pouran Jinchi consiste de “transparencias” que la Sra. Jinchi tomó de piedras talladas de un santuario chiíta. La Sra. Jinchi ha añadido las palabras de la oración escrita una y otra vez, su repetición es el equivalente físico de la práctica Sufi de recitar constantemente los nombres de Dios.

Foto: Pouran Jinchi/Art Projects International


*Traducido y resumido por CTsT

La renovacion del “Metropolitan Museum of Art” en New York

A comienzo de los años de 1970, cuando el museo Metropolitano de Arte (The Metropolitan Museum of Art) reveló un plan para crear su propio palacio de cristal en el Central Park — Un local lleno de vidrios como la primera foto que se muestra a continuacion-; Sin embargo la mayoría de las autoridades de aquel tiempo se opuso. Incluso lo llamaron “una violacion del parque central” de New York ( a rape of the Central Park)

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Pero, la perseverancia hizo que en los años de 1980 se logrará construir dicho local en un area de 136,000 pies cuadrados, siendo un area mayor que la de muchos otros museos, incluyendo su colección de esculturas, pinturas y demás objetos de arte.

 Recientemente se esta renovando o actualizando para estos tiempos. El proceso completo de renovación tendrá un costo de $100 millones de dolares y se espera que todo este terminado en el año 2011 (La primera fase de este proceso comenzó y terminó el año 2007)

A continuacion veamos algunas fotos que muestran este proceso:

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Linda Borsch, trabajando en el mantenimiento de la escultura de titulo, “Las dos naturalezas del hombre” (“The Two Natures of Man”) por George Gray Barnard.

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El “Vanderbilt Mantel” por Augustus Saint-Gaudens.

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Abajo vemos una de las lamparas de estilo frances, diseñadas por Richard Morris Hunt.  Un par de estas lamparas estaban a la entrada del museo en los años de 1970.

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Trabajadores instalando, “Amor Caritas,” por Augustus Saint-Gaudens.

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El Cuarto Hart

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El cuarto Verplanck

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La señora Mandrus trabajando en las barras de apoyo en las ventanas diseñadas en 1867  por Henry Sharp llamada Fe y Esperanza (“Faith and Hope”).

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El señor Hawkes trabajando en la decoración de las columnas del Tiffany’s Laurelton Hall home.

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La figura de un aguila (The “Figure of an Eagle”), 1800-1830.

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* Datos y fotos obtenidos de NYT- 4 de Mayo del 2009

Hallan fósil de ave gigante de 10 millones de años en Perú

Paleontólogos hallaron en Perú restos del cráneo de un ave gigante que vivió hace unos 10 millones de años, en una zona considerada ahora como cementerio de animales prehistóricos, dijo el viernes un investigador.

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El ave, que medía unos seis metros con las alas extendidas, se alimentaba generalmente de animales marinos y desapareció hace unos 2,5 millones de años debido al cambio climático del planeta, afirmó a Reuters el palenteólogo Mario Urbina.

“El cráneo del ave, de la familia de los Pelagornithidae, es el más completo hallado en el mundo. Sus restos fósiles son difíciles de encontrar”, dijo Urbina, quien encontró los restos del animal en el desierto de Ocucaje en Ica, en el sur del país.

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“Este sitio es una zona de sedimentos marinos. (El fósil del ave) estaba mezclado con otros restos, como ballenas, tiburones, tortugas”, agregó el investigador.

Una de sus peculiares características es que el ave tiene dientes que nacen del pico del animal. El fósil encontrado mide unos 40 centímetros y será exibido al público desde el sábado en el Museo de Historia Natural de Perú.

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“Los dientes le servían para sujetar su presa. Este era un animal que tal vez sólo podía atrapar su presa y comer su presa mientras volaba. Era muy difícil que despegue del suelo, para despegar necesitaba de un acantilado”, afirmó.

“Eran aves planeadoras”, agregó.

El animal, que vivía en un ambiente tropical, apareció hace unos 50 millones de años y se extingió cuando la costa peruana comenzó a enfriarse, dijo el experto.

* LIMA (Reuters) – 27-2-2009

Construirán el primer museo paleontológico de Perú en la ciudad de Trujillo

El primer museo paleontológico de Perú, y el tercero de Suramérica, será construido en la ciudad norteña de Trujillo para exponer más de 800 restos fósiles, informó hoy la prensa local.

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El investigador Klaus Honninger Mitrani declaró al diario limeño La Primera que el museo estará listo a fin de año en la localidad de Laredo, en un terreno de 2.000 metros cuadrados, con un aporte de 140.000 dólares de ayuda internacional.
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Los promotores reciben el respaldo del Praehistorica Institut de Hanau, Alemania, y el Wyoming Dinosaur Center, de Estados Unidos.

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En tres meses empezará la construcción del primer museo paleontológico peruano en el distrito de Laredo, a 30 minutos de Trujillo (La Libertad), que albergará restos fósiles de diversas especies de dinosaurios que habitaron el planeta hace millones de años. El museo paleontológico Meyer-Hönninger tendrá, entre sus principales atractivos, el esqueleto fosilizado de un megalodón, considerado uno de los mayores depredadores, sólo comparado al tiranosaurio.

“El convenio ya está hecho. Va a venir gente de Alemania y enviaremos a nuestra gente (del Instituto Nacional de Cultura) para que se capaciten en el extranjero”, señaló Honninger.
En Perú se reporta constantemente el hallazgo de fósiles, tanto en la costa norte como el desierto sureño y regiones de la Amazonía.

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Algunos de esos hallazgos son exhibidos en la sección de paleontología del antiguo Museo de Historia Natural de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, de Lima.

EFE , Lima | 22/02/2009

A 45 años de su rescate, aún sigue revelando datos

Nuevos estudios derrumbaron la hipótesis del estrangulamiento. Uno de los mayores íconos de la arqueología.

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Acurrucada. Como si estuviese dormida. Con los puños cerrados y la cabeza hacia abajo. Desde hace más de 4 décadas está dentro de una caja de cristal cuya temperatura es similar a la de las altas cumbres sanjuaninas. Su cuerpo casi intacto, amarronado, impacta a primera vista. Tiene cerca de 500 años y quizás su última misión en vida fue rendir homenaje a la montaña y hacer que el Sol no perdiera su fuerza, según los rituales incaicos. La momia del cerro El Toro todavía guarda secretos y devela otros, como que no fue estrangulada, como lo afirmaban las crónicas que datan de la época de su hallazgo.

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Hace exactamente 45 años partía una expedición para traerla desde el cerro iglesiano. Ahora, la tecnología y la dedicación de los científicos están logrando que este cuerpo sin vida y congelado siga hablando, siga expulsando datos que permitirán continuar reconstruyendo su historia y la de la civilización a la que perteneció: los incas.La encontraron por casualidad a fines de enero de 1964. No hubo planes. Sólo un par de andinistas obsesionados con domar las montañas y conquistar las cumbres vírgenes. Pero desde su hallazgo, la historia de la arqueología local no fue la misma. Por ser la primera momia descubierta en el enterratorio indígena más alto del mundo hasta entonces, todo fue incertidumbre. Todo dato estaba por descubrirse. El impacto que aún hoy sigue causando la momia tiene que ver con la espectacularidad de su conservación. Cualidad que hace posible que los científicos sigan encontrando en ella datos interesantes.Por ejemplo, la forense Carmen Almada, que pertenece al Instituto Argentino de Ciencias Forenses, realizó investigaciones cuyos primeros resultados descartan que el hombre sacrificado en la altura haya sido estrangulado. Esa es una hipótesis que se manejó desde que la momia fue descubierta, por una marca que hay en su cuello. Según consta en el libro de Juan Schobinger, que encabezó la expedición de rescate, todavía no se conoce cómo murió el inca.Almada vino a San Juan en el 2006 con la misión de estudiar el estado de conservación de la momia y fue quien recomendó la heladera en la que se encuentra desde hace dos años.Degollados, estrangulados, enterrados vivos y de pie. Emborrachados o sedados con estupefacientes naturales para mitigar el dolor. Estas eran algunas de las prácticas de los incas a la hora de llevar a cabo los sacrificios humanos, según escribió Rogelio Díaz Costa, uno de los periodistas de DIARIO DE CUYO que participaron del rescate. También afirmó que esta momia era un caso especial y que por eso era tan atractiva. Se trataba de un varón de unos 20 años, cuando lo usual era que los sacrificios los hicieran con niños o mujeres.A los estudios ya realizados, se suman los que están en ejecución. Mauricio Moraga, del Instituto de Ciencias Biométricas de la Universidad de Chile, está realizando investigaciones genéticas que podrían llevar a determinar grados de parentescos con otras momias de altura halladas en la región, según contó Teresa Michieli, que está al frente del Museo Arqueológico Mariano Gambier, que es donde se encuentra expuesta la momia.Este hombre momificado, elegido para estar cerca de los dioses, es hoy una pieza clave para quienes buscan descifrar enigmas de una cultura que dominó estas tierras entre el 1470 y el 1536. En su momento sirvió para confirmar la existencia de los incas en tierras sanjuaninas. Antes de este descubrimiento, sólo habían encontrado tres momias de carácter ritual en las altas cumbres. Su hallazgo abrió puertas para que empezaran a realizar búsquedas sistematizadas.Estos nuevos estudios, sumados a un capítulo que escribió Michieli sobre técnicas textiles y ajuares, forman parte de la segunda edición del libro de Schobinger que relata el hallazgo de la momia. Este cuerpo congelado mide 1,63 metros y pesa 18 kilos porque está totalmente deshidratado. Lo encontraron cubierto con un taparrabo. Junto a él había varios elementos de indumentaria y de uso doméstico que dieron señas sobre su origen.

* MÓNICA MARTÍN – (Feb. 2009)

El arte contemporaneo en USA

El arte contemporáneo se suele definir como el arte elaborado después de la Segunda Guerra Mundial. Los museos de arte denominan arte contemporáneo a las colecciones de este período. Pero, veamos algunas fotos de exposiciones diversas, en USA, para poder entender mejor esta breve definicion que escribo aqui.

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En sentido estricto, el arte contemporáneo es el hacer artístico que se desarrolla en nuestra época, aunque el concepto de la contemporaneidad puede ser entendido de diferentes maneras:

extendido al arte de toda la Edad Contemporánea (que comienza a finales del siglo XVIII) o limitado al arte del siglo XX, al arte del mundo actual (que se entendía era el posterior a la Segunda Guerra Mundial — 1945; y, actualmente se entiende que es el surgido de la caída del muro de Berlín — 1989) o al arte surgido en la historia inmediata del más cercano presente (tomando como hito, por ejemplo, el atentado de las Torres Gemelas de Nueva York — 2001).

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Para mayor confusión, el concepto de Arte moderno no se aplica al Arte de la Edad Moderna (siglos XV al XVIII), sino a nuestro arte contemporáneo.

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Lo mismo ocurre con los conceptos de arquitectura moderna, pintura moderna y pintura contemporánea; o con el menos usado concepto de arte postmoderno (desde los años 1970).

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A continuacion veamos la subdivision que se hace, en ingles, del arte contemporaneo:

1950s
Abstract Expressionism
Bay Area Figurative Movement
Lyrical Abstraction
New York Figurative Expressionism
New York School

1960s
Abstract expressionism
Bay Area Figurative Movement
Color field
Computer art
Conceptual art
Fluxus
Happenings
Hard-edge painting
Lyrical Abstraction
Minimalism
Neo-Dada
New York School
Nouveau Réalisme
Op Art
Performance art
Pop Art
Postminimalism
Washington Color School

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1970s
Arte Povera
Ascii Art
Body art
Artist’s book
Feminist art
Installation art
Land Art
Lowbrow (art movement)
Photorealism
Postminimalism
Process Art
Video art

1980s
Appropriation art
Demoscene
Electronic art
Figuration Libre
Graffiti Art
Live art
Mail art
Postmodern art
Neo-conceptual art
Neoexpressionism
Transgressive art
Video installation
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 1990s
Cynical Realism
Information art
Internet art
Massurrealism
New media art
Young British Artists

2000s
Pluralism
Relational art
Software art
Sound art
Street art
Stuckism
Superflat
Videogame art
VJ art

Hasta siempre.
CTsT

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Para mayor informacion revisa este enlace:

http://en.wikipedia.org/wiki/Contemporary_art

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Museo de arte islamico en Qatar

En Doha, la capital de Qatar se ha innagurado un museo que expone el Arte del Islam.

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A continuacion veamos algunas fotos publicadas en NYT, a fines de noviembre ultimo.

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Aqui podemos ver las fotos del nuevo museo recientemente abierto en Doha, Qatar, donde se piensa representar el arte islamico de forma integral.

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En las inaguracion de este local se usaron fuegos artificiales y espectaculares luces como se puede apreciar en las fotos.

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En la arquitectura del museo tambien podemos apreciar las  caracteristicas arquitectonicas del mundo islamico.

 

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En la siguiente  foto (abaj0) se aprecia una vista cercana de las ciudades del golfo persico que tienen un parecido a  ciudades como Dubai and Abu Dhabi.

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Abajo, veamos otro detalle del interior de la arquitectura del museo, que refleja una union optimista entre lo tradicional y lo moderno.

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El museo alberga manuscritos, textiles, cerámica y otros objetos. la mayoría de las obras durante los últimos 20 años, han surgido como uno de los más enciclopédicas colecciones del arte islámico.
Los orígenes de su gama de objetos, de España a Egipto, Irán, Iraq, Turquía, India y Asia Central”.

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Islam tiene una religion y una arquitectura muy fuerte y simple. Es decir, no usa cosas superfluas, segun dicen las autoridades de este museo.

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Hasta siempre

CTsT

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Nota: las fotos corresponden a  Karim Jaafar/Agence France-Presse — Getty Images

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Picasso en la lujuria y ambición

Pablo Picasso (1881-1973) fue uno de los genios del arte del siglo 20. Actualmente se estan exponiendo algunos cuadros de el en New York, resaltando su vida amorosa -“Lujuria y ambicion”- en los anhos de 1932.

Actualmente se esta realizando una exposición “Picasso de Marie-Thérèse ‘” en Galerías Acquavella (New York), y para asegurarse de que el centro de la imagen, “Le Rêve” ( “El Significado de los sueños”), famosa por sus $139 millones de dolares de precio.

Las pinturas en Acquavella, giran alrededor de 1932,y se les llama “Picasso en el amor”,como la fuente de Arte.

 

“La musa erótica en este caso es Marie-Thérèse Walter, una adolescente francesa que se unió a Picasso en una calle de París en 1927, cuando Picasso tenía 45 y era casado. Pronto fueron amantes. El se encontró rejuvenecido, caminando en el aire. Pintó muchos cuadros utilizandola como modelo. Algunos cuadros están en la exposición.

(Foto de Marie-Therese Walter)

El resto de la historia no es tan feliz. En 1935, Marie-Thérèse tenía su niño, pero perdió la atención de Picasso, quien encontró otras amantes y nuevas esposas, aunque se mantiene en contacto afectuoso con la Sra. Walter a través de los años.
Cuatro años después de la muerte de Picasso, ella se suicidó.

Hasta siempre.

CTsT

Mayor informacion De Pablo Picasso visita este enlace:

http://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_Picasso

Tesoros textiles de cultura Paracas se exhiben en París

De belleza y variedad cromática incomparables, los textiles de la cultura de Paracas-Necrópolis se exponen en el Museo del Quai Branly de París en una muestra excepcional a doble título.

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 Dos exposiciones sobre arte precolombino peruano se exhiben en Francia.

De belleza y variedad cromática incomparables, los textiles de la cultura de Paracas-Necrópolis se exponen en el Museo del Quai Branly de París en una muestra excepcional a doble título.

Ante todo, porque los de Paracas son considerados unos de los más bellos textiles del mundo, pero también porque es “una primicia mundial.

Nunca antes salieron del Perú y fueron expuestas en el extranjero tantas piezas de esa cultura”, señala a la AFP Daniélle Lavallée, arqueóloga especialista de Sudamérica y comisaria de la exposición.

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La exposición “Paracas, tesoros inéditos del Perú antiguo”, que permanecerá abierta al público del 1 de abril al 13 de julio próximo, permite admirar 84 piezas de unos 2.000 años de antigüedad, 46 de ellas textiles, procedentes del Museo Nacional de Arqueología Antropología e Historia del Perú.

Cuarenta y tres de esos textiles, esencialmente mantos fúnebres, que hoy pueden ser admirados en toda su majestad, han podido ser restaurados gracias a un programa de cooperación franco-peruano que llevó dos años de trabajo.

“La restauración fue financiada por el Museo del Quai Branly, pero íntegramente realizada por los restauradores del Museo Nacional de Lima”, recalca Lavallée, que señala la delicadeza y pericia de ese trabajo, cuyas etapas el visitante puede seguir paso a paso en un vídeo que acompaña la exposición.

La cultura de Paracas se desarrolló en la costa sur de Perú entre 100 AC y 200 DC, pero no fue descubierta hasta en los años 20.

En ella, como en todas las civilizaciones del antiguo Perú, “los textiles desempeñan un papel particular, y generaciones sucesivas los adoptan como símbolos de identidad y como elementos esenciales de los ritos religiosos”, lo que los convierte en “fuentes de información fundamentales” para comprender las sociedades que los fabrican, explica Lavallée.

Además, “en Perú, el textil es el origen del desarrollo de todas las artes plásticas” y de él nacen los estilos que se expresan después en la cerámica, el metal o la escultura en piedra”, agrega.

La exposición en París se inicia con una introducción que explica la situación geográfica de la península de Paracas y las principales características de la cultura, situándola en el contexto histórico de las civilizaciones preincaicas.

Tras ello, el ritual funerario de Paracas-Necrópolis es evocado mediante la reconstitución de un fardo funerario junto al cual se exponen los objetos y ofrendas que lo componen.

Una vez el contexto explicado al visitante, el cuerpo principal de la muestra deslumbra por la belleza de los mantos funerarios, ponchos, túnicas y turbantes delicadamente bordados con una gran riqueza cromática.

“Hay en ellos 190 tonos distintos”, indica Lavallée, señalando que “los tintes se conservaron perfectamente” a través del tiempo. La comisaria de la exposición se extasía en la descripción de la variedad y complejidad de los motivos bordados, cada uno de los cuales se acompaña con un pequeño texto.

“No se trata de explicar lo que significa, sino lo que representa”, dice, evocando el misterio que rodea todavía muchos aspectos de la civilización de Paracas.

“La cabeza cortada es un motivo recurrente. A menudo fue interpretada como trofeo de guerra, por analogía con otras sociedades amerindias. Pero la
interpretación puede ser otra.

Las cabezas de Paracas tienen los ojos abiertos y sonríen, contrariamente a las de otras culturas. La especialista Anne Paul (que impulsó el proyecto de esta exposición antes de fallecer en 2003) pensaba que se trataba de cabezas de antepasados, cuya presencia se consideraba protectora”, explica Lavallée.

Piezas de cerámica y orfebrería completan la exposición y permiten al visitante comprobar el parentesco de los motivos. Al final, la muestra da cuenta de las circunstancias del descubrimiento de los textiles de Paracas por el arqueólogo peruano Julio C. Tello, y el impacto que tuvo en su época.

En complemento de la exposición, el museo parisino dedica otra muestra a Elena Izcue (1889-1970), pionera de las artes decorativas en América Latina y figura esencial del redescubrimiento del arte precolombino a principios del siglo XX.

* AFP (31 de marzo, 2008)